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miércoles, 30 de noviembre de 2011

10 Grandes intros de series de televisión

Cuando Laulau publicó el hilo de las horribles intros de las series de 2011 me vinieron a la cabeza algunas que, en su momento, me habían parecido geniales. De esas que no podía saltarme, no importaba que ya las hubiera visto 20 o 40 veces, eran una pequeña obra de arte perfecta y habría vuelto a verlas una y otra vez.


No es algo que dependa de la duración de la cortinilla, muchas de ellas rondan, de hecho, los 2 minutos; si la intro es buena, es un valor añadido de la serie.


Juego de Tronos
El ejemplo más claro que me viene a la cabeza, y bien que me parece, es el de la fantástica Juego de Tronos:





Esos anillos con la historia de Poniente a modo de grabados, con ese Sol Steampunk de fondo, palpitando como un corazón; el acercamiento a los siete reinos a través de unos cristales de aumento y cómo toman relieve los lugares, como partes de un mecanismo. El hecho de que en los créditos de cada capítulo se muestren las localizaciones que van a salir en el capítulo en sí, es como una guinda de pura perfección. ¡Una delicia, señores!


Dexter
Dexter es una serie que me aburrió tras su segunda temporada. Está bien hecha y la considero una buena serie, pero no me animó a seguir. No me ofrecía nada nuevo tras unos cuantos capítulos; pero la intro es de lo mejor que he visto nunca.





Boardwalk Empire
Esta es la, para mí, mejor serie de 2010. La dirección del piloto, a cargo de Scorsese, y los capítulos dirigidos por Tim Van Patten me parecieron de lo mejor que había visto en tiempo. Ese gusto por la sangre, la reminiscencia a novela negra, los personajes, el vestuario, Lucy... qué pedazo serie, señores; y a esta pedazo serie, haciéndole justicia; esta pedazo intro:





La playa, el mar, el señor Thompson (el siempre grande Steve Buscemi), el vestuario, las botellas, la música. ¡Imprescindible!


Battlestar Galactica
Esta serie, remake de otra de los 70, es un ejemplo de cómo se puede retomar una historia anterior, actualizarla y hacerla grande (o aún más grande, para aquellos a los que les gustase la antigua). Si bien la serie me parece que pierde fuelle —y bastante— en sus dos últimas temporadas, la intro es, sinceramente, muy difícil de superar. Qué bien le sienta la tranquilidad de la música a esas horribles escenas. Perfecta.





American Horror Story
Personalmente creo que es la mejor intro de las series que se han estrenado en este otoño de 2011, la música tétrica, chillona y disonante se combina con esas imágenes sangrientas, sucias y de pesadilla y supone la perfecta antesala para esta experimental y maravillosa serie de terror de Ryan Murphy.





Siento que el vídeo sea en imagen especular, para mi sorpresa FOX no ha subido nada en HD a youtube.


The simpsons
Y le toca el turno a una serie de dibujos. Bueno, qué digo; a La Serie de Dibujos. Soy acérrimo defensor de Futurama, es cierto; pero creo que es innegable que lo que consiguió Los Simpsons a través de sus más de 20 temporadas es inalcanzable a corto plazo por ninguna serie. Y un día, el famoso en su mundillo Banksy, a raíz de la cortinilla de introducción de Los Simpsons, hizo esta increíble y maravillosa versión para uno de los capítulos. Si alguno no la ha visto, que ponga el HD y la vea, merece la pena. Doy fe con mi sello.





United States of Tara
La verdad es que ni siquiera he visto la serie, pero la intro me parece maravillosa. La música, la imagen, el estilo. Preciosa, de verdad.





Cowboy Bebop
Hace más o menos un año puse todo mi empeño en ver esta serie de la que casi todo el mundo me había hablado maravillas desde hace ya bastante tiempo —unos 7 u 8 años, tal vez— y cuando empezó la intro tuve claro que me iba a encontrar un producto de primero. ¡Derrocha estilo! La música, la animación... ese rollo negro. Me encanta. Por desgracia... la serie me pareció bastante decepcionante y la abandonó en torno al capítulo 6, pero la intro, insisto, mola un capazo.





Dead Like Me
Tal vez a mí esta intro no me marcó tanto como a Laulau, pero de entre 10 bien se merece un hueco, y es que, en lo que a mí respecta, este minuto irradia alegría y destila sonrisas. La cotidianidad de la muerte hecha cortinilla de serie, señores.





Big Love
Creí hasta el último momento que iba a poner la primera de las intros de la serie, que creo que luce una canción increíble de la mejor manera posible y es, además, elegante y hermosa; pero la segunda me parece tan increíblemente expresiva que no me pude resistir a hacerle el hueco, sinceramente.





Me gustaría haber puesto otras, pero eternizarían la entrada y ya resulta larga con 10. Algunas de ellas podrían haberse intercambiado sin ninguna vacilación por las fantásticas intros de True Blood (solo me gusta la intro, pero qué pedazo intro), cualquiera de las de The Wire, la de Fringe o la de The big bang Theory.


Gracias a todos los que me ayudaron a decidirlas y gracias a todos por vuestras aportaciones.

martes, 29 de noviembre de 2011

Toy Story 3 - Pixar - Disney

Andy ha crecido y se va a la Universidad. En casa de su madre ya no hay espacio para sus viejos juguetes por lo que decide separarlos en dos cajas, los que se guardan en el desván y los que van a ser donados. Por desgracia, hay una confusión con el destino de cada caja y Woody, Buzz y compañía tendrán que aprender a desenvolverse en un nuevo entorno: una escuela infantil.


Toy Story 3 es una película entretenida que da exactamente lo que promete. Pero no es, ni de lejos, la mejor película de animación de su año y tampoco la considero merecedora de una nominación a la Mejor Película en los Oscar. Aún así tiene grandes momentos.

Los personajes:
empecemos con los nuevos.
Ken: sin duda, el mejor de todos. Un Ken que se siente herido cuando le dicen que es un juguete para niñas y que quiere a su ropa más que a nada.


Lotso: cuando los juguetes llegan a la guardería son recibidos por Lotso, un enorme oso morado al que le encanta abrazar y que huele a fresas.
Bebé: el mejor amigo de Lotso. Un adorable bebé de juguete al que le falta un ojo.
¿Y nuestros viejos amigos?
Woody: en esta película Woody mantiene una inquebrantable fe en Andy, que lo llevará a arriesgarlo todo para volver a su lado.
Buzz: y así nuestro hombre del espacio encontró el amor. Desde el principio, se nota que le gusta Jessie, la vaquera.

El guión:
consigue ofrecernos una película bastante entretenida. Sin embargo, me quedé con la sensación de que le sobraba algo de metraje. Claro, teniendo en cuenta que dura una hora y cuarenta minutos, no es un gran punto a su favor. Aún así tiene momento memorables.
Detallazos:
— los primeros minutos son una pasada. Lo mejor de la película, sin duda.
— Sonrisitas, el payaso que narra la historia de Lotso.
— La «lobotomización» de Buzz.
Lo peor:
— ¿soy la única a la que desquiciaba el modo macho latino de Buzz?.

La música:
como siempre, está muy bien. ¿Se merece el Oscar a la mejor canción original? No, no y no. Es buena pero no tanto. Esta es la canción en cuestión:



Como nota personal, he decir que me parece un despropósito que esta película le quitase el Oscar a la Mejor Película de Animación a la muy superior Cómo entrenar a tu dragón.

Premios:
— Oscar a la Mejor canción Original.
— Oscar a la Mejor Película de Animación.

Curiosidades:
— Barbie y Ken están basados en modelos de los años 1983 y 1988, respectivamente.
— En la primera película de la saga, Mattel se negó a que Barbie apareciese en ella. Tras el éxito cosechado por Pixar, cambiaron de opinión.
— En el escritorio de Andy, puedes ver a Luxo Jr.
— Lotso aparece brevemente en Up.

Nota: 6,5. Te animo a verla. Está bastante bien, es divertidilla y tal pero desde luego, no fue la mejor de su año. Esas personas de los Oscar no sabían lo que hacían.

Otras pelis de Disney:
La Bella y la Bestia.
El jorobado de Notre Dame.
Lilo & Stich
Mulan.

Otras pelis de Pixar:
Presto.
Wall-E.
Buscando a Nemo.


Otras candidatas a los Oscar 2010:
Cisne negro.
El discurso del rey.
Valor de ley.
Toy Story 3.
127 horas.

lunes, 28 de noviembre de 2011

Muere Ken Russell

El prolífico director británico ha muerto a la edad de 84 años, de forma pacífica.

Se hizo famoso con algunas películas que en su momento se consideraron demasiado violentas y desataron una fuerte polémica, aunque, personalmente, lo conocí por el extraño musical Tommy, con el grupo The Who.


Sigo pensando que esta película, al menos, es inexplicable fuera de contexto; pero está claro que Russell era un individuo que no se cortaba un pelo a la hora de experimentar con sus historias, vestuario, ni temáticas.

Adiós, señor Russell.

La noticia por Europa Press.

Intros de series 2011:

He titulado este post como «Intros de series 2011» pero también podría haberlo titulado «El horror». Si bien este año el nivel de las series nuevas es muy superior al de 2010, no podemos decir lo mismo de sus intros. Te presento las peores de todas. Y créeme, he tenido mucho donde escoger.

Hart of dixie: doce segundos de escenas cutres. En su favor diré que resume la esencia de la serie pero poco más. Si, Rachel Bilson es muy mona, pero ni con esas.


Pam Am: vemos el logo de la compañía flotando entre nubes. Eso es todo lo que se han matado. Después resulta que es una serie con una gran trama de espionaje y unos personajes con gran profundidad pero su intro no le hace ningún favor.


Revenge: ¿os acordáis de la simple y efectiva intro de Lost? Pues esto es lo mismo pero con menos dinero y con un toque de rosa. Después resulta que la serie tiene uno de los mejores guiones de la temporada. Sólo con la intro, ¿quién lo diría?


Ringer: dos notas musicales, las cabezas de los personajes principales, el título de la serie y Nueva York de fondo. Lo peor de esta es que hace que la serie parezca la versión oscurilla de una mezcla extraña entre Sexo en Nueva York y Gossip Girl. Terrible. 


Witney: al menos, ya que la serie es muy mala, en este caso la intro va a juego. Es mala, es cutre y no tiene gracia. Fiel reflejo del producto al que da paso. 


Y estas son las peores. Pero podría seguir la lista con más y más intros malas. Porque este ha sido su año. Me pregunto qué ha pasado. A lo mejor hemos tenido una huelga de las personas que crean intros y no nos hemos enterado. O eso, o las han hecho los becarios.

Otros post que puedan interesarte:

jueves, 24 de noviembre de 2011

Mulholland Drive - David Lynch

En una carretera solitaria, una mujer va en la parte trasera de una limusina. El vehículo se detiene y los dos hombres armados que la acompañan le piden que se baje del coche. Por suerte para ella, unos adolescentes ebrios provocan un accidente que deja escapar a la mujer, aunque el golpe le provoca una fuerte amnesia.


Pocas veces hemos visto una película tan mala. De hecho, creo que es la peor que hemos visto.Tuvimos que dividir el visionado en tres partes para poder soportarla. La vimos porque yo me empeñé en acabarla para poder hacer una crítica con conocimiento de todos sus horribles, deleznables y prescindibles minutos.
Antes de seguir, diré que esta película tiene dos cosas buenas:
— la música.
— las actuaciones de Naomi Watts y Laura Helena Harring.
Si te parece que hablo bien de cualquier otra parte de la película, es ironía.

La dirección:
Tenemos El hombre elefante y tenemos esto. Para explicar semejante bajón de nivel, sólo se me ocurre que Lynch pusiese su nombre y mandase a otro a hacer el trabajo. Menudo descalabro, Lynch.

La imagen:
Rodada en el 1999, salió en el 2001 y parece tener técnicas diez años antes. La razón: estaba pensada para ser una serie de televisión. O supongo que será eso, porque si la idea era darle un aire cutre y descuidado, se han pasado.

Los actores:
Como ya he dicho, y en general, bien. Después está Justin Theroux. Lo triste no es que su personaje sea lamentable, plano y prototípico; lo triste es que él no de la talla.

El guión:
Uf, el guión. Para empezar, tiene graves crisis de ritmo. Y lo digo yo, amante de las películas lentas.
Te lo cuento por partes:
Primera hora: se dedica a abrir tramas, una detrás de otra, de forma lenta y torpe. Como es la primera hora, tienes la esperanza de que las cierre poco a poco. ¡Ah, esperanza!
Segunda hora: esta es la parte más aburrida de todas. La cosa avanza un poquito. La aspirante a actriz se presenta a una prueba, el director escoge a la chica correcta... y después siguen abriendo tramas sin solucionar porque sí. Pero no pasa nada, tenemos una escena de sexo lésbico y la escena de masturbación femenina, que satisfarán a todos los amantes del fanservice.
Últimos veinte minutos: esa mezcla extraña entre la resolución de parte de la trama e idas de olla inconexas.  Así, resumiendo: esta es una historia de cuernos, asesinatos y poco más.

El maquillaje:
Hace notar aún más ese tufillo de los noventa. Demasiado recargado en general. Y vamos a obviar a esas mujeres que salen de la ducha perfectamente peinadas y maquilladas.

La música:
Como ya he dicho, de lo mejor de la película. Me quedo con esta impresionante canción:


Además, este vídeo muestra la única escena decente de las dos horas y veinte que dura la cinta. Te he ahorrado dos horas y veinte de agonía, con este vídeo te puedes ahorrar todo lo demás ^^

¿Por qué pienso que esta película es peor que desastres como: El gran Lewosky, Transformers, Azteca Rex, Blanco, Dungeons & Dragons, Crepúsculo, Jesucristo Cazavampiros, Aguirre: la cólera de Dios, Manos: The hands of fate, Inland Empire o Los payasos asesinos venidos del espacio exterior? Porque al menos las anteriores no intentan hacernos creer que son buenas a base de gafapastismo y excusas como «lo que pasa es que no la has entendido». No, lo que pasa es que David Lynch se tiene que partir de risa al pensar en la cantidad de gente que considera una gran obra este despropósito.

¿Sabes por qué es tan mala? Porque iba a ser una serie. Pero cuatro, cuatro cadenas rechazaron el piloto. Si, cuatro. Con el nombre de David Lynch como bandera.Eso ya deberías darte una idea de como son las cosas. Después un canal francés se apiadó del proyecto y le pagó a Lynch unos días más de rodaje para mezclarlo todo y hacer una película. Podría haber quedado bien, cierto. Pero no ha sido el caso.

Nota: un 2. Un punto por las actuaciones de las chicas y otro por la música. No la veas. Que Albos y yo perdiésemos dos horas y veinte de nuestras vidas con ella no quiere decir que tú tengas que hacerlo. Sé que el trailer la vende bien pero es todo mentira.

PD: como dejé pasar demasiado tiempo entre la peli y la reseña, tuve que volver a verla T_T no volverá a pasar.

miércoles, 23 de noviembre de 2011

Vampire bash (Corto... muy corto, de hecho)

Hay largometrajes, hay cortometrajes y hay... no sé, nanometrajes, por ejemplo. Este pertenece a los últimos: solo 5 segundos de vídeo, y ganador, eso sí, del Greyscale Gorilla's 5 Second Project. Creo, sinceramente, que merece la pena echarle un ojo.

lunes, 21 de noviembre de 2011

Once upon a time, un pequeño comentario

Once upon a time era el estreno otoñal que más me interesaba. Sin ninguna duda. Admito también que tenía mis dudas, porque no me suelen gustar los productos de la ABC, pero la idea me tentaba terriblemente y la participación de Ginnifer Goodwin me caía en gracia. Es difícil no tenerle cierto cariño tras su encantador personaje de Big Love, ¿no creéis?


Y ayer vi el piloto. ¿Y qué puedo decir? La serie me interesaba, pero admito que nunca pensé que me pareciese especialmente buena; pero puede que me hubiese adelantado a despellejar un lobo que no había cazado.

Once upon a time está muy bien llevada. Los personajes son interesantes en su exageración de cuenta, las actuaciones son más que cumplidoras, la ambientación es grandiosa, los efectos especiales son mucho mejores de lo que cabía esperar y algunas escenas juegan con las cámaras de forma verdaderamente trepidante. Personalmente he de decir que detesto la elección de la actriz protagonista. ¿De verdad hemos de creer que tiene 28 años? Compruebo en IMDB que la actriz, Jennifer Morrison, acaba de pasar la treintena el año pasado pero, sinceramente, en la serie le echaba más bien 35-36. Inaudito, lo sé; pero cierto. ¡Qué mal la ha tratado el tiempo! No obstante, lo compensa el niño, el fantástico Jared Gilmore, que ha pasado de ser un insoportable Bobby Draper en Mad Men a un magnífico Henry Mills en Once Upon a Time.

Supongo que el hecho de que sea de corte fantástico y esté bien hecha ya se gana un puntito en mi alma friki de jugador de Dungeons and Dragons, y supongo que el hacer una versión sucia, oscura y terrible de los cuentos clásicos se gana otro puntillo adicional de mi alma adoradora de Geralt de Rivia; pero Once upon a time, deseo aclarar, marca su propio camino. Un camino algo más «para todos los públicos» que el del brujo albino del polaco Sapkowski; pero sin caer en grandes ñoñerías. La trama va de lo que va: la malvada bruja de Blancanieves ha desatado una maldición terribilisisérrima, la peor maldición imaginable, y ahora los personajes de los cuentos clásicos se han visto condenados a una eterna existencia miserable en un pueblo de Maine (no podía ser en otro lugar, Stephen King se sentirá orgulloso) en el que viven sin envejecer pero sin poder recordar sus viejas vidas. Malvada, malvada bruja. Pero no todo es tan horrible, claro que no, Once upon a time es un cuento, el cuento que los recopila a todos, y como tal cuento tiene su propio héroe: la hija de Blancanieves y el Príncipe Encantador, que nace mientras se desata la maldición y una densa y oscura niebla lo empieza a cubrir todo, y que está destinada a arreglar todo este desaguisado 28 años después. Todo ello profetizado por el misterioso e inquietante Rumpelstiltskin, interpretado por un Robert Carlyle sobresaliente.

Y érase una vez, 28 años después, cuando el hijo de esta destinada a arreglarlo todo viene a buscarla. El fin ha comenzado, ¡prepárate, bruja malvada!

Dolls - Takeshi Kitano

Dolls se compone de tres historias independientes que se entrelazan sutilmente a lo largo de la película:
Un  hombre joven rompe su compromiso para casarse con la hija de su jefe. El día de la boda, su antigua prometida intenta suicidarse y él lo deja todo para irse a su lado.
Una mujer acude todos los sábados al mismo banco del mismo parque esperando a que su novio se presente. Este, un jefe de la yakuza, hace años que no lo hace.
Una famosa cantante pop japonesa sufre un desdichado accidente de coche. Dos de sus más fieles fans pasarán día y noche pendientes de su evolución.




Dolls es una de mis películas favoritas. Supongo que os podría dar muchas razones para ello (dirección, vestuario, guión, paisajes, actores...) pero si hay algo que hace especial Dolls, es su final. Tanto por fondo como por forma. Es... hermoso, no hay una palabra que lo defina mejor.

En esta reseña no voy a hablar de los personajes. Prefiero que los descubras poco a poco, según sus historias avanzan o retroceden.

Los actores:
Esta película cuenta con buenos actores. Aún así, los que destacan son Miho Kanno y Hidetoshi Nishijima. En parte, porque tienen los personajes más lucidos, con las evoluciones más claras, y en parte porque hacen  creíble una historia complejísima.

El guión:
El guión de esta película tiene varios puntos que la hacen muy original. Primero, alterna escenas de una representación de teatro noh con escenas en exteriores. A mi, que no conocía nada de este estilo de teatro, me pareció originalísimo y muy interesante. También destaco cómo se entrelazan las historias y cómo se da paso de una a otra, con suavidad, casi sin querer. Las historias, tan trágicas como hermosas, evolucionan con constancia. Es cierto que la película puede resultar lenta, aún así te animo a verla, pocas películas pueden sorprender tanto como Dolls.
Os dejo el trailer:



El vestuario:
El vestuario es una mezcolanza de mucho estilo: ropajes tradicionales japoneses, ropa occidental... sobre todo me llamó la atención el vestuario de las marionetas de teatro noh, sobre todo porque eran todo una novedad para mi.

La dirección:
A pesar de lo duras que son las historias, la dirección consigue darle a todo un toque adorable. Aprovecha los paisajes, haciendo que hasta el más insignificante parque parezca un paisaje impresionante. Si prestas atención a las escenas en interiores, verás que, en las que suceden situaciones felices, los planos son mucho más cortos y la luz, más cálida. En las escenas con situaciones trágicas, los planos son más largos y la luz, blanca en la mayoría de los casos. Buen trabajo, Takeshi Kitano.

La música, por partes:
la música del teatro noh no es de mi agrado. Me temo que esto es cosa mía, no tengo el oído acostumbrado a los instrumentos y voces japonesas y he de admitir que no puedo valorarla en su justa medida.
La música ambiental tiene piezas interesantes pero tampoco me emociona.
Insisto en que esto es percepción subjetiva mía ya que la banda sonora tuvo al frente a Joe Hisaishi, uno de los más importante compositores japoneses.

Curiosidades:
— los mendigos atados fueron una pareja real que Takeshi Kitano conoció en su juventud.

Nota: un 9. Una de mis películas favoritas, no hay año que no le vea.


viernes, 18 de noviembre de 2011

El juego de Ender y 20000 leguas de viaje submarino, noticias de cine

Parece ser que Andrew Kevin Walker, guionista de Seven, vuelve a hacer tándem con David Fincher, director de la misma película —y de La red social, y de El club de la lucha, por ejemplo—, para hacerse cargo de una nueva adaptación cinematográfica de 20000 leguas de viaje, la famosa novela de Julio Verne. Más información, en inglés aquí.

Y parece ser que se ha elegido a Asa Butterfiel, el niño de Hugo —la nueva película de ese genio que ayer estuvo de cumpleaños, el grande e incomparable Martin Scorsese (espero que se note que es mi favorito del mundillo)—, ha firmado para encarnar a Ender Wiggins, el protagonista de El juego de Ender que va a adaptar Odd Lot Entertainment, clásico libro de ciencia ficción en el que un niño parece ser el elegido para acabar con una especie de alienígenas invasora: los terribles insectores.

Más información, en inglés, aquí.

La verdad es que me parece una elección muy acertada.

¡Qué ganas, a priori, de ver ambas!

jueves, 17 de noviembre de 2011

Mulán - Disney

Mulán, hija única de un matrimonio entrado en años, está teniendo problemas para honrar a su familia encontrando un buen marido.
En la frontera, los hunos, capitaneados por el temible Shan-Yu, amenazan al gran imperio chino de la Dinastía Ming. Mientras las tropas enemigas atraviesan la Gran Muralla, el Emperador ordena movilizar a los reservistas, entre ellos el padre de Mulán. La joven, para que su padre entrado en años y tullido no tenga que ir al frente, huye de casa haciéndose pasar por varón.


Hay pelis de Disney buenas y las hay malas. Mulán es de las buenas. He tardado años en verla pero tras la recomendación de varias personas y la insistencia de Albos, nos armamos con una mantita para verla en el sofá. Y me ha encantado, ojalá todas las cintas de Disney fuesen tan buenas como Mulán o La Bella y la Bestia. Esta reseña será muy amable con Mulán.

Reconozco que tras los primeros segundos ya estaba encantada. La introducción se hace en forma de un precioso dibujo de una montaña que parece dibujarse a medida que avanzan los segundos, y el resultado es increíble.

Los personajes:
Mulán: es socialmente torpe, pero de forma curriña y adorable. No es que no quiera hacer las cosas bien, es que las obligaciones femeninas no son su especialidad. Por suerte, consigue destacar en otros campos.
Mushu: pequeño dragón encargado de traer a Mulán de vuelta a casa, sana y salva. Mushu es un desastre: habla cuando no debe, rompe todo...
Crii-Kee: el grillo de la suerte: adorable y encantador, empeñado en que sí da suerte a pesar de que nadie más parece creerlo.
Shang: descendiente de un largo linaje de grandes estrategas militares, es nombrado capitán a pesar de su juventud. Por desgracia, se encuentra antes una tropa de soldados novatos y bastante ineptos.
San-Yu: general al frente de los hunos. Es un gran malo pero me hubiese gustado que tuviese algo más de profundidad. Es de estos malo planos a los que sólo les fata reírse jajejijoju.

El diseño de personajes:
Algunos me gusta y otros no tanto. Con esto quiero decir que aprecio la calidad de cada uno de ellos pero los personajes demasiado angulosos no son de mi gusto. Considero que el diseño es perfecto para Shan-Yu, como podéis ver en la siguiente imagen, pero no para caballos, armaduras, etc...


Pero me encanta cómo han hecho a Shang, ves el dibujo y entiendes por qué Mulán moja braguitas con él. Es el macho alfa de los hombres asiáticos.


El guión:
Lo peor del guión son los diálogos de Mushu porque es insoportable. Sin embargo, tal y como pasa con el Genio en Aladín, es el personaje preferido de los peques y por lo tanto imprescindible. ¡Qué le vamos a hacer!
Por lo demás, hay pequeñas sorpresas, algo que siempre se agradece, mantiene bien el ritmo y las escenas de pelea están muy bien.
Mis escenas favoritas:
— el entrenamiento. No tiene desperdicio.
— Lucha en la nieve. 
— Cuando descubren que Mulán es una mujer.
— Los reclutas disfrazados de mujeres. 

La música:
Me siento ligeramente decepcionada con la banda sonora en castellano. El inglés canta Christina Aguilera:


Es una canción preciosa y me temo que, en castellano, ni tiene ni la mitad de fuerza. Es una pena porque esta película tiene una gran banda sonora.

Nota: un 9. Es una gran película con escenas muy épicas. Si podéis verla en versión original, mejor. Lo que no entiendo es cómo no se llevó ningún premio, ¿Toy Story 3 si, y Mulán no? Veo un pequeño problema de criterio.

Curiosidades:
— En China, Jackie Chang fue el encargado de dar voz a Shang.
— Fa, el apellido de la familia de Mulán, significa flor.
— Mulán fue la primera película de Disney en salir en DVD.

Otras películas de Disney:
La Bella y la Bestia.
El jorobado de Notre Dame.
— Lilo & Stich



martes, 15 de noviembre de 2011

Indiana Jones en busca del Arca Perdida - Steven Spielberg

1936: el ejército nazi está a punto de encontrar la legendaria Arca de la Alianza, que oculta en su interior un poder ilimitado para aquel que la posea. El gobierno estadounidense encomienda la misión de hacerse con el Arca antes que los nazis a Indiana Jones, un reputado profesor de arqueología.


De pequeña me gustaban mucho las pelis de Indiana Jones. Tanto, que insistí en que Albos las viese conmigo. Y así hicimos. Como ya ha pasado con otras películas, y no quiero recordar a los infames goonies, la película supuso una decepción. No tanto como otras, conste, pero decepción. Aún así, sigue siendo una cinta entretenida. Doy paso a la reseña:

Los personajes:
Indiana Jones (Harrison Ford): profesor de arqueología y cazatesoros en su tiempo libre. Las reliquias que consigue recuperar, las dona a museos. Es una persona muy escéptica.
Rene Belloc (Paul Freeman): cazatesoros, al contrario de Indi, vende sus hallazgos al mejor postor. No tiene ningún reparo moral a la hora de cumplir sus encargos. Resumiendo, el anti-Indi.
Marion Ravenwood (Karen Allen): hija del mentor de Indi, vive en el Nepal, donde regenta un bar. Gana un sueldo extra apostando con los lugareños.
Mayor Toht (Roland Lacey): miembro de la policía secreta nazi, es el encargado de secuestrar a Marion para robarle un antiguo colgante, que es la llave para encontrar el Arca de la Alianza.
Coronel Dietrich (Wolf Kahler): es el oficial al mando de las tropas nazis, Hitler en persona le ha asignado la misión y está dispuesto a todo para cumplirla.
Sallah (John Rhys Davies): responsable de la excavación que los nazis comienzan en Egipto, amigo de Indiana.

Mi gran problemas con este apartado es Marion. Nos presenta a una mujer dura y capaz, dueña de un bar en pleno Nepal, que se mide con los lugareños y que sabe disparar; y media hora después la transforman en un despojo cómico que se pasa el resto de la película pidiendo ayuda a Indi y defendiéndose con una sartén. Sí, una sartén. Si Spielberg quería un apoyo romántico para Indiana Jones que se limitase a seguir su sombra, no hacía falta que nos presentasen a un personaje potencialmente interesante.

El guión:
En busca del Arca Perdida es un guía perfecta de cómo hacer una entretenida película de aventuras. Es ágil, diviertida, maneja muy bien el ritmo y tiene grandes momentos que han marcado el cine. Tampoco te esperes nada más allí de un rato entretenido, pero eso lo cumple con creces. Momentazos:
— la roca rodando que persigue al arqueólogo, me encanta esa escena.
— el I love you pintado en los ojos de una alumna de Indiana.

La banda sonora:
A cargo de John Williams, todo un acierto. ¿Quién no reconoce esta canción casi al momento?



La dirección:
Si bien no es de las películas mejor dirigidas de Spielberg, si tiene cierta maestría en las escenas con aviones y tanques. Las más lucidas de todas.

Los escenarios:
Impresionantes. Además, hay un poco de todo, recorremos la jungla, paisajes nevados, desiertos...

El vestuario:
Vale la pena resaltarlo sólo por la caracterización de Indiana Jones, una de las más recordadas del mundo del cine. Añado los uniformes nazis porque me encantan. Otra cosa no, pero hay que reconocer que el uniforme de las SS era una pasada.

Los efectos especiales:
De obligada mención en la mayoría de películas de Spielberg. No dudo que, en su época, fueron de los mejor pero hay escenas que no han envejecido nada bien. Mención especial a la escena en la que los nazis abren el Arca de la Alianza. A estas alturas resulta cutre y ridícula.

Premios:
— Oscar a la Mejor Dirección Artística.
— Oscar a los Mejores Efectos Especiales.
— Oscar al Mejor Sonido.
— Grammy a la Mejor Banda Sonora.

Curiosidades:
— Spielberg no quería contratar a Harrison Ford como Indiana Jones porque no quería que se convirtiese en su De Niro, en referencia a Scorsese. Finalmente, por problemas de agenda de otros actores, tuvo que contratarlo.
— La escena en la que Indiana Jones mata a un espadachín de un disparo iba a durar  mucho más. Pero Harrison Ford estaba muy enfermo ese día, por lo que decidieron resolverla así.
— Las serpientes y las tarántulas son de verdad.
— En toda la película hay referencias a Star Wars, ¿has encontrado alguna?

Nota: un 6. No es la mejor película del mundo ni mucho menos, pero te dará un par de entretenidas horas. Esta es mi favoritas de la saga, ¿y la tuya? ^^

Otras pelis de Spielberg:
Jurassic Park.

lunes, 14 de noviembre de 2011

Doctor Who de la mano de David Yates

Parece ser que variados informes afirman que David Yates (conocido por haber hecho las últimas cuatro partes de la franquicia de Harry Potter) ha firmado para dirigir un nuevo inicio de Doctor Who para la gran pantalla. No es que sea un gran fan de esa serie, pero sé que a varios seguidores más o menos habituales de este blog les interesará la noticia.

El enlace original es un poco más largo pero no dice mucho más del tema en sí: aquí os lo dejo.

Último tango en París - Bernardo Bertolluci

Supongo que esta película se podría describir fácilmente como provocadora... o como sensual. Último tango en París es, para muchos, una obra de arte que se mantiene impasible como un titán ante el paso del tiempo. Personalmente, creo que los casi 40 años que han pasado entre su momento y mi visionado le afectan y mucho. La película de Bertolucci me parece que dejaba demasiado a la provocación en sí, y en un mundo algo más abierto, algo menos reprimido, esta baza se pierde en cierta medida.


El trabajo artístico de la película es, claramente, lo que más bríos le da ahora mismo, cuando la percepción sobre el sexo, que tiene gran importancia en lo mostrado en Último tango en París, ha cambiado tanto en muchos países. El manejo de la luz, y ese tono tristemente amarillento en la fotografía y la forma de presentar las escenas es increíble, es uno de los montajes que más me ha impresionado; y además se combina a la perfección con una música preciosa de la que solo se puede criticar que se repite demasiado a menudo. Sobre todo al principio, que debe de sonar la misma pieza una vez cada 3 o 4 minutos. Sí, esta película puede gustar o no, pero creo que la calidad del material puramente visual resulta arrolladora, entra por los ojos y le prende fuego a todo y queda patente, creo yo, desde el mismo momento en que Brando y Schneider recorren la casa al principio de la película. Esa escena es perfecta. Sin más.

El argumento se presenta muy sencillo, claro y sin complicados giros: dos desconocidos, Paul y Jeanne, se encuentran en un piso de alquiler en París y presas de la pasión hacen el amor allí mismo. Antes de irse deciden volver a encontrarse en ese mismo lugar, una especie de territorio neutral, un territorio para la pasión, en el que no necesitarán ni siquiera decirse sus nombres.


«Llegué a ese hotel para una noche y me he quedado cinco años.»

Pero es que el resto de la película es Brando. Solo Brando. La verdad es que Schneider tiene un personaje que me resulta ligeramente cargante, esa clase de personaje que está disconforme con todo, que no quiere aceptar —ni negociar— las condiciones de relación de su prometido ni las peticiones de absoluta privacidad de su amante. Su prometido, Tom (Jean-Pierre Léaud), es un artistilla pretencioso y petulante difícilmente soportable. Y Paul (Brando) es un hombre destrozado y completamente ido, a veces un alma en pena y a veces un huracán furibundo, es la película al completo, lo demás son coros que lo enfatizan o lo disimulan por momentos.

Conforme avanza la película, todo se hace más raro y extremo, más exagerado y terrible. Y aún hoy, 40 años después, resulta fuertemente erótica y notablemente explícita. En su momento tuvo que ser motivo de verdadero escándalo.

En 1972, lucir el impresionante desnudo de Maria Schneider una y otra y otra vez tuvo que ser una apuesta fuerte. Lamentablemente, esto y la provocación de la película que comentaba antes, parecen alzarse como los grandes ases —Brando aparte— en la manga de la película.

Fue nominada a 2 Oscar —Director y Mejor actor protagonista— y a 2 globos de oro —mejor película dramática y mejor director.

Curiosidades:
—Marlon Brando se inventó gran parte de sus líneas de diálogo porque las originales no le gustaban.
—La idea de la película surgió de las propias fantasías sexuales de Bertolluci.
—Ingmar Bergman dijo que la película solo tendría sentido si los protagonistas fuesen homosexuales.
—El corte original duraba 250 minutos (casi nada...), la versión más común dura 136.
—Según Maria, ella no estaba al tanto de algunas de las escenas (entre ellas la famosa escena de la mantequilla). 

Nota: 6. La película es rara y pretenciosa y la historia, por momentos, parece una excusa para el lucimiento de Brando y el aguante de la provocación. Pasión llevada al límite, dirán unos; pasión llevada a la estupidez, dirán otros. Pero tanto unos como otros disfrutarán de la magnífica dirección, pulida con esmero, de Bertolluci; del loco personaje de Marlon Brando y de las apariciones de esa falsamente inocente arpía que es Jeanne.

domingo, 13 de noviembre de 2011

Gente corriente - Robert Redford

Ayer por la tarde, después de una frugal pero deliciosa comida mexicana, Laulau y yo nos apoltronamos tranquilamente en el sofá delante de nuestro respetable y fiel televisor, dudamos un poco acerca de qué película ver y terminamos decidiéndonos por Gente corriente, de la colección de cine de El País, esa que ofrece las últimas 35 ganadoras del Oscar a la Mejor Película. ¿Y qué puedo decir?


¿Qué puedo decir aparte de que Gente corriente es un muermo incomparable? ¿Una película insulsa que intenta mostrar un drama cruel e hiper exagerado en el que queden soterradas todas las carencias de la película?

Esta no va a ser, y tampoco lo pretendo, una de mis reseñas más concienzudas, debido en gran parte al hecho de que ninguno de los dos acabó de ver este dvd relleno de hastío digital. Laura ya se había dormido 3 o 4 veces y se sorprendió cuando al preguntar: «¿Cuánto le queda a la película?», le respondí con absoluta seriedad que unos tres cuartos de hora. Y así era.

Gente corriente no es una película especialmente larga, y mucho menos para haber ganado el oscar a la Mejor Película, pero se hace interminable. Esos largos periodos en los que parece no pasar nada, esos personajes cansinos y exagerados y esa dirección aburrida y anodina. ¿Pero qué vieron en esta película? ¿Cómo nadie pudo siquiera reparar en ella frente a la colosal e increíble Toro salvaje y la magnífica, oscura, deprimente y perfecta El hombre elefante? ¿Qué trato con el gran Primigenio de R'Lyeh hizo Robert Redford? ¿Eh, señores; cuál fue?

La película trata de la familia, de las tensiones... intenta ser real, normal... cotidiana. Pero no lo es. La familia de Gente corriente no es una familia, las tensiones son extremas y lo cotidiano no existe. Los personajes están todos locos debido a la traumática experiencia de haber perdido al hijo mayor del matrimonio. Y quizá se suponga que el espectador deba empatizar con ellos, que deba... identificarse con ellos. Pero es que no puedo, y no puedo porque están hechos de forma demasiado exagerada.

Premios, sí, no me los invento:
- 4 Oscar: Mejor actor de reparto (Timothy Hutton; es cierto, es muy bueno), Mejor actor de reparto, Director y Mejor película.
- 5 globos de oro: Mejor película (drama), Mejor actriz de drama (Mary Tyler Moore),  Mejor director, Mejor actor de reparto (Timothy Hutton), Estrella revelación masculina (Timothy Hutton)

Nota: 2,5. La película no consiguió interesarme en ningún momento de los 80 minutos que vi, y tampoco pienso acabar de verla. Un producto para el olvido, aunque comentan por internet que la media hora final es mucho más interesante que los primeros 90 minutos. Pues qué bien...


viernes, 11 de noviembre de 2011

Un mundo perfecto - Clint Eastwood

En otras ocasiones he dicho que nunca sé qué esperarme del amigo Clint. Es cierto, aunque esta vez, en concreto, no era así.




Mi padre es un adorador del señor Eastwood. En algún momento fue un gran aficionado al cine, pero parece que esos intereses murieron con los años. El caso es que uno de aquellos sábados en familia, vimos Un mundo perfecto y, aunque la película me pareció aceptable —sin más— no marcó mi infancia, la verdad.


Muchos años después, hace unos meses, de hecho, Lau y yo la vimos de nuevo y, lo cierto, es que creo que el niño que fui tenía las ideas muy claras al respecto. Un mundo perfecto está bien, sin más. Clint Eastwood y Kevin Costner son carismáticos, claro; suelen serlo, y Laura Dern tiene quizá el personaje que más me gusta de la película. El niño, interpretado por T.J. Lowther, la verdad, es adorable y a pesar de mi niñofobia consigue que empatice bastante con él.




Supongo que muchos ya sabréis de qué va la historia, pero para los que no, ahí va:
En un momento temporal marcado y, en cierto modo, delimitado por la aparición de la máscara de Casper, Robert Haynes (Kevin Costner) es un criminal que ha tenido una infancia difícil y que acaba trabando amistad con el niño que tomó como rehén, 'Buzz' (T.J. Lowther).
Haynes está siendo perseguido por el jefe de policía Red Garnett (Clint Eastwood) que viaja junto a la psicóloga infantil Sally Gerber (Laura Dern).




La película es bastante amena, no aburre en ningún momento y combina a la perfección los momentos divertidos (como la salida de la tienda donde el niño se hace con el disfraz de Casper) o la búsqueda de comida; que llegan incluso a ser tiernos (como esa conversación casi paternal que Haynes tiene con el crío cuando descubre que este ha robado el disfraz) con los momentos más dramáticos, como el agónico paseo por el campo con Garnett y los suyos observando pacientemente.


Los personajes me parecen un poco blanquinegros: me gustan Robert Haynes y Sally Gerber, como ya he dicho. Son dos personajes inteligentes que se adaptan a los hechos. El niño es un encanto. Pero ¿qué pasa con Red Garnett? Pasa que es el típico personaje de Clint Eastwood, ese viejo resabido y machista, con un problema de respeto a la autoridad y una actitud de «soy más macho que nadie» que, personalmente, me aburre un poco.



Trailer de la película.


Admito que no es de las películas que más me gustan de Clint, quizá debido a la fuerte carga sentimental que lo tiñe todo en la película y que a veces parece ser el pilar central de la historia, que termina resultando bastante forzada y encarrilada. En cualquier caso, una buena dirección, unas fantásticas actuaciones y un ritmo aceptable consiguen, como mínimo, un producto más que visible. Y si además sois de lágrima fácil o de preferencia por las historias lacrimógenas por rebuscadas que sean, añadidle un punto más.




Nota 6. La película está bien, se deja ver; pero en mi opinión le falta algo. Las escenas divertidas y las más tiernas son muy completas, pero las demás me dejan una sensación de ligera carencia.





Otras películas del amigo Clint:
Million Dollar Baby (Nota: 9).
Gran Torino (Nota: 9).
Sin perdón (Nota: 7).

jueves, 10 de noviembre de 2011

Estrenos 2011, seguimos viendo:

Como has podido leer en anteriores entradas, este año le estamos dando una oportunidad a todas las series nuevas. Hasta ahora solo hemos escrito acerca de aquellas que hemos abandonado, hoy es el turno de las que seguimos viendo.


Pan Am
En 1960 Pan Am era la aerolínea más exitosa de EEUU, sus pilotos eran muy respetados y sus azafatas, admiradas y valoradas. A pesar de su aspecto delicado, algunas de estas azafatas aprovechaban los vuelos para contribuir a la Guerra Fría como agentes secretos.
¿Por qué la seguimos?:
Porque es una gran serie, el guión combina muy bien las historias personales de las azafatas con sus misiones, muestra de forma realista la situación de la mujer en su época y hace destacar a los personajes femeninos sin menospreciar o dejar de lado los masculinos. Bien ambientada, narrada, interpretada y dirigida, espero que se mantenga en antena a pesar de las malas críticas. Pero claro, ya sabemos que los directivos de la ABC se alimentan de series canceladas.



American horror story
El matrimonio Harmon ha tenido un duro año: un aborto, la infidelidad del marido y una hija adolescente con tendencias a autolesionarse. Para intentar superar sus problemas, deciden mudarse a una preciosa casa construida a principios del siglo pasado. Por desgracia para ellos, no son los únicos habitantes de su nuevo hogar.
¿Por qué la seguimos?:
Porque da miedo de verdad, en serio. Albos me dijo que no viese un capítulo antes de dormir pero yo me empeñé en hacerlo. Resultado: una bonita noche de pesadillas.
El gran punto fuerte es la ambientación, los grandísimos personajes que la adornan y el tremendo estilo de la dirección. Sin duda, una de mis favoritas.



Revenge
Cuando Amanda tenía nueve años, su padre fue condenado por colaborar con terroristas y ella entregada a los servicios sociales. Años después, con otro nombre y millones de dólares a sus espaldas, Amanda comienza una cruzada de venganza contra las personas que acusaron injustamente a su padre y destrozaron su familia.
¿Por qué la seguimos?:
Tenía mis dudas con esta serie, he de admitir. Las fotos de promoción tenían un aire demasiado adolescente y Emily VanCamp me parecía demasiado adorable como para poder meterse en tal papel. Por suerte, nos ganó en el primer capítulo. Esta serie tiene uno de los mejores guiones de la temporada, Emily VanCamp está increíble y los secundarios dan mucho de sí. Anímate a verla porque engancha.


Ringer:
Bridget está en apuros: tiene que testificar en contra de un conocido narcotraficante para librarse de sus cargos por prostitución y posesión de drogas pero si lo hace, sabe que será asesinada. Finalmente huye de la policía refugiándose con su hermana gemela, Siobhan. Cuando Siobhan se suicida, Bridget decide suplantarla.
¿Por qué la seguimos?:
No, no es por Sarah Michelle Gellar. De hecho, ver que era la protagonista nos echaba mucho para atrás. Otra vez, error. Si quieres una serie con vueltas de tuerca, misterios sin resolver y un guapísimo marido, esta es vuestra serie. Lo siento, tenía que decir que Ioan Gruffudd está de toma pan y moja ^^ Para los fans de Lost, vuestro canario favorito también entra en escena.

Y hoy lo dejo aquí. Se han quedado series en el tintero. De algunas os hablaré en el próximo post, otras están aún en el aire y puede que las dejemos. Hagamos lo que hagamos, te lo contaremos en breve. Además, cuando terminen las temporadas, tendrás un post largo dedicado a cada una de ellas. Allí nos extenderemos más sobre cada una. ¿Nos recomiendas alguna serie?

Estrenos que abandonamos:
capítulo uno.
capítulo dos.

PD: ¿tres de cuatro buenas series protagonizadas por chicas? Si me lo dicen hace un año, no me lo creo.


Adaptaciones a cine y tv de obras de Stephen King en marcha

Bag of bones (un saco de huesos en su edición española) es un libro de Stephen King del que, probablemente, Laura os hablará más detalladamente dentro de poco, no obstante; para abrir boca de la miniserie (unas 6 horas en total a cargo de Mick Garris, quien ya ha convertido en miniserie otros libros de King como El Resplandor y Apocalipsis) que han anunciado, os dejo la página oficial de la produccion, con un inquietante aunque breve vídeo de inicio y un pequeño menú con datos sobre los personajes y sobre la historia en su conjunto.


Página oficial de Bag of Bones, la serie.

Además, quedan de propina unos gifs de la misma, todos bastante tétricos; tenéis que seleccionar la foto en el slide inferior y luego darle al botón con la flecha hacia arriba para que desaparezca el texto y quede la imagen.


Además, me cuentan que se proyectan también adaptaciones de La cúpula y de El retrato de Rose Madder. Más información aquí. Así, se unen a las esperadas adaptaciones de La Torre Oscura, de la que no sé más que lo que ya os comunicaba hace unos días y a Apocalipsis, que se espera para 2013 según recogen páginas diversas y la propia IMDB.






Otros enlaces sobre Stephen King:
De La Torre Oscura:
El pistolero Nota: 4.
La llegada de los tres Nota: 7,5.
Las tierras baldías Nota: Nota: 10.
Mago y cristal Nota: 7.
Canción de Susannah Nota: 8.

Noticias sobre La Torre:

Otras novelas de Stephen King:
It Nota: 8.

miércoles, 9 de noviembre de 2011

Braveheart - Mel Gibson

Dijeron los de la Academia del Cine estadounidense, los tipos esos que dan los Oscar, que era la Mejor Película de 1995. No pongo en duda que sean personillas con mucha más idea de cine de la que yo tendré jamás, creo que todos somos conscientes de que este blog es, en esencia, un fiel reflejo de la política mundial y española en particular, una dictadministradura, vaya. Y, lo siento, amigo Mel, mi opinión sobre tu película es bastante negativa. Bastante, bastante negativa.


No recuerdo cuándo fue la primera vez que vi Braveheart, supongo que fue durante el año 96, porque la vi directamente en vídeo. En aquel entonces era un crío de 8 o 9 años, dependiendo del momento exacto, y las películas «de hostias» me gustaban como al que más. Braveheart no era una película «de hostias», o si lo era... flaqueaba. La película de Mel era, en esencia, aburrida. Supongo que de aquella no desgrané cada uno de los pequeños detalles que me echaban atrás de la película, pero aprovechando que El País ha sacado una colección de las películas más relevantes desde 1976, que Laulau tenía ganas de volver a verla, y que esos 15 años entre mi anterior visionado y el momento presente habían difuminado mucho mi claridad de opinión sobre la película; le di otra oportunidad.

Craso error.


Bueno, creo que esto ya lo he comentado otras veces, pero me parece notar cierta predilección de la gente que da los Oscar por las películas largas. Cerca de las tres horas parece que es la duración perfecta. Braveheart, pues, dura sus increíbles 2:50 horas, de lo que para mí es, en gran parte, hastío inenarrable.

Braveheart nos cuenta la historia de un valiente William Wallace que tras que su familia sea asesinada a mano de los sucios perros que son los ingleses, se va a vivir lejos con unos parientes; y cuando vuelve, viendo la oprimida situación de su pueblo, consigue alzarlo en guerra contra la tiranía del sur.

Bueno, ya aclaro que no me voy a meter con su rigor histórico, que por lo que sé es bastante escaso en los detalles. Eso me importa poco, así que si buscabais un discurso encarnizado a ese respecto... esta no es vuestra entrada.

Braveheart cuenta con unos paisajes increíbles (de hecho fue enteramente grabada en Escocia e Irlanda), una horda de extras y una sencillísima —a veces demasiado sencilla— historia épica.

La película empieza situando al William Wallace niño y a esa familia que, como ya he dicho, va a caer asesinada ante los ingleses. Los primeros minutos avanzan a ritmo normal, hasta el minuto 8 o 9, en el que cae la primera escena súper ñoña de la película, en la que la niña adorable, Murron, que tiene evidente química con el pequeño William que, como todos sabemos, se resolverá cuando William sea adulto —al fin y al cabo, de mayor será Mel Gibson, y mojar en caliente es una obligación para todo machote en una película— le regala un cardo. El símbolo nacional de Escocia.

«Tu corazón es libre, ten el valor de seguirlo».

El director, que también es Mel Gibson, aprovecha para presentarnos a los ingleses, al afeminado (y claramente homosexual) príncipe sin valor ni resolución, a su eficiente y valiente esposa y al rey, que es el implacable, férreo y capaz estratega militar y social. Es Tywin Lannister, vaya, pero con más pelo. En el bando de los enkiltados escoceses tenemos a William y a Hamish (el siempre grande Brendan Gleeson, al que podéis recordar de Troya y Gangs of New York, por ejemplo) y Murron (Catherine McCormack).


Luego, como en el minuto 40, muere Murron y ya se lía. William Wallace se adentra entre las garras de los ingleses mal nacidos que han matado a su esposa (se han casado en secreto para que el noble inglés no disfrute del derecho de pernada del que dispone), entra tranquilo y a caballo ante la atónita vista de todo el mundo, que lo ven inerme, pues cabalga mostrando las palmas de las manos. Con toda la calma del mundo, estilo cámara lenta, echa las manos detrás de su muy poco escocesa cabeza como rindiéndose; y entonces saca un nunchaku (WTF?), se hace con una espada, reparte a diestro y siniestro, lanzamiento de espada voladora incluido (vamos, que lo ve Obi Wan y se caga de miedo); luego agarra un martillo, luego con sus propias manos... luego con un ¿palo? y finalmente un cuchillo con el corta la garganta al que cortó la de Murron. Aunque en el caso de la muchacha no se vio la herida, porque era una mujer y estaba buena, supongo; como el caballero inglés es un viejales sí se ve, sucia y horrible. Total... no ponía cachondo a nadie, parafilias raras (no mainstream) aparte.

Y aquí empieza la parte guay de la peli. Quedan dos horas de guerra, largas conversaciones y algunos de los extras que menos lo viven de la historia del cine. Como los muchachos que gritan «Wallace, Wallace» cerca del minuto 45. Nobles ingleses ruines y malvados y nobles escoceses judas-traicioneros completan el pastel.


Personajes:
William Wallace (Mel Gibson): valiente, noble, fuerte, ágil. El Puto Héroe, vamos. Un gran líder y un gran combatiente, un buen estratega y el hombre que consigue que los desharrapados escoceses visualicen un mundo mejor y se lancen a morir como perros.
Robert the Bruce (Angus Macfadyen): el legítimo rey de Escocia, un hombre de buenas intenciones, pero sin la resolución necesaria para echarle pelotas con sus propias ideas. Y muy mal aconsejada por el leproso (Ian Bannen).
Longshanks (Patrick McGoohan): despiadado e implacable rey de los ingleses. Frío, calculador y, por momentos inhumano. Un rey ha de hacer lo que ha de hacer.
Princesa Isabelle (Sophie Marceau): la mujer del incapaz hijo de Longshanks, el príncipe Edward. Fuerte, capaz y con voluntad propia... aunque claramente moja braguitas con William Wallace. Es una mujer y él es Mel Gibson; Marge Simpson la entiende perfectamente.
Aunque, el personaje que más me gusta (pese a tener una importancia más bien escasa), cómo no, es el irlandés Stephen (David O'Hara), que parece constantemente ido y absolutamente loco. Su mirada, su risa... me encanta.


Una escena: hay varias que son realmente grandes, aunque voy a destacar la de «Hijos de Escocia, soy William Wallace (...) y veo un ejército de compatriotas reunidos para desafiar a la tiranía. Habéis venido a luchar como hombres libres, ¡y hombres libres sois! (...) Puede que nos quiten la vida, ¡pero jamás nos quitarán... la libertad!», en parte por lo memorable y referencial que se ha vuelto. Está claro que la escena ha conseguido su propósito. Mel puede sentirse orgulloso.


Así, aunque la película no me gusta, me parece que va siendo soportable. Larga, un poco tediosa, pero soportable. Pero entonces llegamos a ese momento ¿épico? final en el que se condena a Wallace, en el que lo torturan a la vista de todos y se le exige perdón; pero él aguanta, todo estoicismo; y cuando ya termina todo, cuando lo están eviscerando miserablemente, cuando solo le piden el grito de clemencia, él, todo pelotas, grita: «¡Libertad!». Quizá a muchos esta escena les parezca épica... o súper viril, a mí me pareció eterna, aburrida, heroicamente estúpida y muy de novelucha.

Todos los ingleses son pintados como unos cerdos sin escrúpulos, con un toque que en general roza el de villano de opereta, lo que acaba siendo gracioso. Y en versión original la película cuenta con el divertimento añadido de Mel Gibson hablando raro entre todos los escoceses con sus acentos cerrados. Eso me parece grande, grande.

Premios
Oscar: fotografía, edición de sonido, maquillaje, director y película. Otras 5 nominaciones.
Bafta: escenografía, vestuario y sonido.
Globos de oro: director. Otras 3 nominaciones.

Curiosidades:
-La mujer de William Wallace se llamaba Marian, pero como la de Robin Hood también, decidieron llamarla Murron para no confundir al público. ¿En serio? Qué mala opinión tienen del público...
-Mel Gibson tuvo que pactar con la Paramount que él haría de Wallace para poder hacer la película. ¡Esto explica tantas cosas!


Por último, añadir que el comentario sobre la película que trae la colección de El País, a cargo de un tal Andrew Sim (escocés y redactor del Herald Tribune)... es un horror que se va de tema de lo lindo y justifica ciertas carencias de la película en el hecho de que otras veces se ha caído en esa misma carencia. Una maravilla, vamos.


Nota: 3,5. Me parece que ciertos factores técnicos de la película están muy conseguidos y que la dirección es más que buena. El resto, hay muchas actuaciones que no me gustan; el guión me parece planísimo, salvo un par de puntos, y excesivamente previsible, la música me empieza gustando mucho pero acaba pareciendo muy poco presente y muy poco importante. La búsqueda del heroismo cae, en mi opinión, en momentos de puro absurdo hiper hormonado que solo puede ser defendible en una película de Van Damme, Schwarzenegger o Chuck Norris. La elección del reparto es aceptable, aunque creo que justo el personaje de William Wallace y el de Murron... podrían haber parecido más escoceses.


Ni cuando la vi hace años, ni ahora puedo entender la fama y fantásticas críticas que Braveheart levantó y levanta a su paso.

martes, 8 de noviembre de 2011

Los secundarios:

Albos y yo pensamos en hacer este post tras ver los primeros capítulos de Hart of Dixie, una de las nuevas series de esta temporada.
La serie es una mezcla de Doctor en Alaska y Las chicas Gillmore. Sin embargo, algo fallaba. Y no me entiendas mal, la serie es amena, está bien hecha, los actores hacen un buen trabajo... ¿qué fallaba entonces? Los personajes secundarios. Ese es el gran fuerte de las series que nombré anteriormente, unos grandes secundarios.
Y como homenaje a ellos, nuestra pequeña lista de grandes personajes secundarios:



Kalinda (The good wife): la impresionante investigadora de The good wife es el punto de picardía y sensualidad que le faltaba a la serie. Momentazo: ¿recuerdas este vídeo?




Bob Kelso (Scrubs): aunque suavizaron mucho el personaje a lo largo de las temporadas, es sin duda uno de mis favoritos. Momentazo: primer capítulo, cuando machaca a JD. ¿He dicho ya lo mucho que odio a JD?


Roman Grant (Big Love): el mejor de los malos. Ruin, manipulador, desagradable... todo un personajazo. Momentazo: cuando descubres que es así porque realmente cree que es el Profeta.



Atia (Roma): esta mujer representa a ese personaje secundario que está moviendo todas las tramas entre las sombras. Momentazo: hablando con su hijo Octavio: «hijo, Marco Antonio sodomiza niños como tú para desayunar»


Ralph Wiggum (Los Simpson): los Simpons son una de las series con mejores secundarios. De hecho, podríamos hacer un post sólo para hablar de ellos. Mi favorito: Ralph. Os dejo un vídeo con sus mejores momentos, que son muchos. ¡Corre plátano!.




Omar (The Wire): este personaje parecía creado para romper el realismo de la serie. Un cruzado, el hombre al que temer en las oscuras calles de Baltimore. Momentazo: su muerte.


Syrio Forel (Juego de Tronos): si, ya sé que Tyrion ha tenido muchos más votos pero me cuesta considerarlo un secundario. Por eso, me quedo con Syrio. Molonidad en estado puro, entre él, Omar y Kalinda tengo mis dudas. Momentazo: la pelea contra la Guardia.


Trixie (Deadwood): la gracia de Trixie es que nunca sabía si iba o si venía, con su extraña obsesión por Swarengen y su irregular relación con Sol. Uno de los personajes más humanos e imperfectos de esta lista. Momentazo: «ve a lavarte la boca, te huele a polla»


Benjamin Linus (Lost): alias, el Odiado. Sólo el infame Gaius Baltar me ha producido tanto rechazo. Momentazo: el capítulo que relata la infancia de Benjamin. De los mejores de la serie.


Nina Sharp (Fringe): he dudado mucho entre ponerla a ella, a los Observadores o a Broyles, pero he terminado decidiéndome por Nina porque me fascina. Lo cierto es que me encantó desde la primera vez que salió en la serie, siempre entre sombras y medias verdades. Un personaje misterioso que vale la pena observar capítulo a capítulo. Momentazo: todas esas escenas de: «si, vale, no os he dicho la verdad. Y no tengo por qué hacerlo pero como sé que os ayuda, puede que me moleste en soltaros un par de pistas»

Y estos son mis secundarios favoritos. Como estoy segura de que me he dejado muchos fuera: ¿cuáles son los tuyos? ^^