El palacio de los sueños

Los mejores vestuarios:

2012-01-27T10:42:00.003+01:00

Aprovechando que la Semana de la Moda de París se ha puesto en marcha, la lista de esta semana irá de los mejores vestuarios en series. ¿Quién se llevará el premio de la semana?

The crimson petal and the white: me encanta el estilo victoriano y la verdad es que en esta serie lo lucen especialmente bien. Hasta el vestuario de las criadas es una pasada. Destaco lo bien que reflejan el estatus social de cada personaje. Además, tienen una sensibilidad especial para los colores, parece que cada personaje va vestido del color que más le pega.

Roma: tuve mis dudas sobre si incluir esta serie o no porque no estaba segura de sí su vestuario era una buena recreación histórica o no. Tras obtener el visto bueno de la señorita Irene, aquí la tenéis. Las túnicas de los senadores, las lujosas ropas de Atia y los uniformes de las tropas le han valido el puesto.

Moulin Rouge: sin duda, uno de los más llamativos de esta lista. Los trajes y sombreros de copa de los chicos, los tirantes, los cancanes, corsés y sobre todo, las joyas. Todo lo llamativo que se espera de una película ambientada en el mítico Moulin Rouge.

Dracula: ya os hemos contado que el Dracula de Coppola no nos parece una gran adaptación del libro pero su vestuario es maravilloso. Sobre todo para el personaje interpretado por Gary Oldman. La pongo en la lista porque tiene el mejor vestuario masculino que he visto.

Rebecca: entra en la lista por marcar tendencia. La película de Hitchcock dio nombre a un tipo de chaqueta, el que la protagonista luce en todas las escenas. Además, el vestuario tiene una importancia añadida ya que refleja la evolución de la nueva señora De Winter. Las ropas de Max De Winter, del primo de Rebecca, de la señora Danvers... todos bien pensados y diseñados. Gran película y gran vestuario.

Boardwalk Empire: bienvenidos a los años 20 de Atlantic City. También esta serie es una buena demostración de como caracterizar diferentes clases sociales. Además, la evolución de personajes como Jimmy, Margaret o Lucy quedan mucho más marcadas gracias al vestuario.

Revenge: dudé mucho en si incluir en la lista Revenge o The good wife. Lo que me hizo decidirme por la primera es que recoge muchos más estratos sociales. Desde la mujer madura y adinerada, pasando por los niños ricos hasta llegar a la stripper problemática, todos los vestuarios están muy bien escogidos. Lo que más me gusta es que no se han limitado a coger ropa del catálogo de modas de las grandes firmas si no que le han dado a cada personaje un estilo concreto para cada situación. Admito que me gusta especialmente el estilo romántico de Charlotte.

Eva al desnudo: o como una buena caracterización puede hacer que la misma actriz parezca un ángel o la más cruel de las arpías. Los vestidos de Margo son todo lo que se espera de una diva, las ropas de Bill con un ligero toque extravagante... y confieso que estoy enamorada del vestido con el que Eva recoge su premio. Una preciosidad.

Star Wars: La amenaza fantasma: si, sé que todos la odiamos y que, en nuestro corazones, no existe. Pero el vestuario de esta película es impresionante. Los trajes de Amidala, todos los uniformes, que cada raza tenga un estilo propio... la verdad, el diseño de vestuario de esta saga me parece de lo mejor.

Los Tudor: para la última serie de la lista dudé mucho entre «Los Tudor», «Juego de tronos» o «El señor de los anillos». Como no conseguía decidirme, lo dejé en manos de una votación popular que ganó los Tudor por muy poquito.
Mi parte favorita del vestuario de esta serie es que la han diseñado en base a cuadros de la época. La ropa de Enrique VIII es exacta a muchas de las pinturas que lo retrataba, al igual que Ana Bolena, Catalina Howard o Ana de Cleves.

Espero que te gustase mi pequeña lista. Nos vemos en la lista del próximo viernes.

Sherlock (2ª temporada) - BBC, Mark Gatiss, Steven Moffat

2012-01-26T10:47:00.001+01:00

La segunda temporada de Sherlock, la versión contemporaneizada y frikizada del archiconocido detective inglés, ha concluido. El resultado queda expuesto para descuartizamiento y festín de espectadores varios e internautas.

Algunos ya lo saben, pues comenté mi escepticismo al respecto en Facebook, y es que esta temporada, a decir verdad, no me ha gustado especialmente. Los ingredientes de la serie están ahí, es cierto: el investigador friki y un poco enfermo, extravagante y fácilmente exasperable, indiferentemente hostil y, por momentos, algo sádico; y su fiel compañero, capaz de sentir aprecio hacia él pese a lo inaccesible que resulta; y por supuesto... los casos.

Me centraré sobre todo en el primero porque hizo las delicias de casi todo el mundo y no puedo entenderlo, así que intentaré explicar por qué. Sobre los otros dos hablaré bastante menos.

A Scandal in Belgravia
Este fue el capítulo que levantó al mundo en internet. O algo así. Mis contactos, al menos, se sintieron increíblemente complacidos y se deshicieron en halagos. Quizá esto me afectase ligeramente, no lo sé. El capítulo retoma el momento en que se quedó la primera temporada, ese duelo de miradas con francotirador y paquete de explosivos entre el dúo dinámico y su verdadero archienemigo, el vil Moriarty (de quien ya me quejé por ese deje psicótico payasil que tiene). Y tras ello aparece la señorita Adler, Irene Adler, un personaje que, en mi opinión, se reduce a su morbo. Me esperaba muchísimo de ella, siendo la mujer a la altura de Sherlock o, en palabras del Sherlock de Doyle, sencillamente «la mujer».

Adler aparece en torno al minuto 25 y ya consigue descolocar al fantástico detective. La verdad es que no me gusta el modo. Me parece simplón (y me quedo tan a gusto diciéndolo), pero da lugar a un momento muy gracioso por parte de Watson (que en este capítulo está sembrado, por cierto).

Tiene unos cuantos guiños que me gustaron mucho. Por ejemplo, el momento en que van a salir ante la masa de periodistas hiperestimulados y entonces Sherlock decide que se taparán con lo que tiene a mano, el sombrero de caza que la televisión estandarizó para el personaje. Y en ese momento, de hecho, como titular de un periódico se puede leer: «Hat-man and Robin. The web detectives». Genial, vaya.

Escenas favoritas:
—La mano de Irene Adler recorriendo la fotografía de Sherlock. Las uñas rojas. La música. La fusta. Increíble.
—El momento cuando Watson ve a Sherlock en bata en el Palacio de Buckingham. Qué rostro tan expresivo tiene Martin Freeman cuando quiere.
—Sherlock drogado; que merece destacarse solo por la fluidez de la escena. Pero qué trabajo tiene esta serie detrás. ¡Buf!
Momentos para el olvido:
—El de la caja fuerte. Oh, dioses, lo odio. Entero. Segundo a segundo. ¿Y el final? Me produce arcadas.
—Todo el tema de la contraseña. En mi opinión un fail tras otro. El final... sencillamente olvidable. En serio.
—Las escenas con Molly. Normalmente me quejo de que personajes masculinos se super obsesione con una petarda; no iba a ser menos en el caso contrario. Molly, mujer, puedes aspirar a más que a un robot marciano como Sherlock.
—Que la corderita necesite ser salvada. ¿En serio? Sencillamente horrible. Que estás a la altura de Sherlock, hombre, no necesita un príncipe a lomos de un caballo blanco. Ni siquiera de uno con cimitarra.

The Hounds of Baskerville
Este capítulo es un peñazo. El tratamiento visual, eso sí, es tan bueno como siempre. La intriga está ahí de fondo, supongo; pero es que ni siquiera tuve ganas de descubrir qué pasaba en realidad. Lo descubrí claro, pero casi sintiéndome obligado. Supongo que si cada capítulo de la serie durase 40 minutos y no 90, la sensación podría haber sido distinta; pero ni el capítulo me enganchaba, ni la historia militaroide de fondo me parecía interesante.

No sé cómo traducirán este capítulo, pero como me comentaba una amiga por FB, los que vayan a traer la serie a España se van a acordar de las gloriosas madres de los guionistas.

Quizá con un mejor ritmo o con una historia más evocadora (o más enfocada desde el principio, porque personalmente me quedé con la sensación de que solo me daban una serie de giros argumentales algo repentinos) el capítulo podría haberme gustado bastante más.

The Reichenbach Fall
En mi opinión este ha sido, con mucho, el mejor capítulo de la temporada. Para empezar, el inicio de alguna manera fuerza al espectador a ponerse en situación. Y si la BBC se hubiese permitido esperar un poco más a renovar la serie, podría haber sido la leche, la verdad (bueno, y si no se conocía, como en mi caso, la historia de la novela, supongo; es un texto que debería seguir leyendo algún día).

«Estoy aquí porque... Sherl... mi mejor amigo, Sherlock Holmes... está muerto.»

Este es el capítulo que muestra el genio de Moriarty y cómo la lía en un momento a ritmo de música clásica.

La pieza es esta, la overtura de «La gazza ladra» de Rossini (el fragmento utilizado empieza en torno a 4:30).
Es una escena elegante, fantásticamente grabada como siempre y que juega (de forma bastante exagerada con la tecnología), aunque ¿qué importa cuando el resultado es este? Una delicia. Qué bien se le da este personaje de Moriarty a Andrew Scott. El resto del capítulo se presenta bajo la grave voz de Nina Simone y su Sinner man.
¿Problemas del capítulo? La periodista. Lo siento, pero a alguien de este equipo no se le dan bien los personajes femeninos. Qué infumable, por favor.

El desarrollo del capítulo, eso sí, es excelente. Cómo Moriarty lo va retorciendo todo, cómo consigue que el medio envuelva y asfixie a Sherlock como un higo estrangulador... Este, señores, es un capítulo imprescindible y, por sí solo, una razón para ver la serie. Y no quiero hablar más de él. Descubrid el resto porque merece la pena.

La dirección y el apartado artístico de la serie, como siempre, es increíble. Supongo que por eso no me importó demasiado la ligera decepción del primero y el considerable hastío del segundo; la serie es digna de verse solo por sus virtudes técnicas. No se graba como si fuese una serie, sino para deleitar. Es un regalo, es una película. Las luces, el retrato de Londres, la nitidez (Sherlock gana infinito en HD), el reparto, el vestuario, los decorados, los exteriores... un placer. Como siempre.

¿La música? He de destacar, esto sí, el uso tan interesante que se hace de ella en A Scandal in Belgravia, los cambios acompañan a la escena con una fluidez casi inquietante. La verdad es que me parece que lo han controlado a la perfección. En los demás, por supuesto, y como en la primera temporada —abuso del tema principal aparte— está muy bien de todos modos.

El reparto: aunque Cumberbatch ya me parecía un actor increíble para este personaje, por su rostro inhumano y su capacidad para mostrar una fría indiferencia casi inasumible, aunque Freeman es un tipo divertido y ultraexpresivo (que seguro que consigue un gran Bilbo), aunque Andrew Scott tenga un personaje súper exagerado y se le dé (de algún modo chillón que a mí no me gusta) bien; mi favorito es Mark Gatiss, que encarna a Mycroft. Este hombre es carisma puro. Su forma de gesticular y de hablar, su sonrisa casi de político. Tengo que seguirle más la pista, me parece a mí.

Nota: 7. El último capítulo merece mucho la pena. El primero tiene puntos interesantes pero creo que se pierde un poco en lo que quiere contar. ¿El segundo? No, no hay segundo. Habéis oído mal.

Otras entradas que pueden interesaros:
—Sherlock, primera temporada de la serie de la BBC.
—Sherlock Holmes de Guy Ritchie.
—Aventuras de Sherlock Holmes de Conan Doyle.
—La vida privada de Sherlock Holmes de Billy Wilder.

El caballero oscuro

2012-01-25T09:35:00.000+01:00

Un nuevo Fiscal General ha llegado a Gotham para limpiar las calles. Apoyado por Jim Gordon y Batman, asesta un duro golpe a las finanzas de la mafia, convirtiéndose en objetivo prioritario para todos los criminales de la ciudad.

Tenía un muy buen recuerdo de esta película. Como llegó a nuestras manos en bluray, nos pusimos a ello con bastantes ganas. La verdad es que terminé bastante decepcionada. Y sí, es una buena película de acción pero tiene bastante puntos negativos. Doy paso a la reseña y te cuento mis impresiones.

Los personajes:
— Bruce Wayne/Batman (Christian Bale): en esta nueva entrega Bruce empieza a achacar el desgaste de su doble vida. Por suerte, ve esperanza en la figura de Harvey Dent, esperando que sea el hombre que lleve la normalidad a Gotham.
— Rachel (Maggie Gyllenhaal): tras dejar a Bruce, ha empezado una relación con el nuevo fiscal. Ambos comparten su pasión por hacer de Gotham una ciudad mejor.
— Harvey Dent (Aaron Eckhart): idealista y sin miedo a los riesgos, Harvey es ungido como Caballero Blanco de Gotham, el hombre en el que los ciudadanos ponen todas sus esperanzas de recuperar la ciudad de las garras de criminales y corruptos.
— Dos caras: sin duda, el personaje de la película. Pocas veces tenemos la oportunidad de empatizar con un villano y entender a la perfección sus motivaciones. Todo carisma.
— El Joker (Heath Ledger): un nuevo criminal ha llegado a la ciudad, un hombre loco, sin nada que perder. Un hombre que se ve a sí mismo como el alter ego de Batman y que se divierte jugando con él.

Los actores:
— ¿esperaban que no nos diésemos cuenta de que Rachel dejaba de estar interpretada por Katie Holmes para estarlo por Maggie Gyllenhaal? Y hablando del tema, ya que cambiaban de actriz, ¿no podían haber escogido a alguien mejor? La verdad, ninguna de las dos actrices estuvo a la altura del personaje y mucho menos a la del resto del elenco.
Christian Bale está fantástico. Aunque me gusta mucho este actor, algunas veces me da la impresión de que le cuesta hacerse con los personajes. No es algo que pase en esta película, es el perfecto Bruce Wayne.
Y de obligada mención es Heath Ledger. Un fantástico actor que nos dejó un Joker inolvidable. Siempre recordaremos las rocambolescas explicaciones sobre sus cicatrices.

Guión:
— Batman y su entorno dan para muchas cosas, entre todas ellas, dan para un buena película de acción. Y eso es El caballero oscuro. Podrían haber ahondado en la psique del personaje, en su relación con Alfred, en sus confictos morales... pero los guionistas han decidido dedicar a esta parte veinte minutos de la trama y dejar el resto para lucir el Batmovil. El problema es que se emocionaron tanto con la parte de acción que llegaron al ridículo. Por ejemplo:
— la escena del túnel es trepidante, inmejorable. Hasta que el Batmovil salta en ángulo y momento preciso para frenar el misil que iba destinado a matar a Harvey Dent. Una forma lamentable de estropear una gran escena. Para rematar, después tuvimos que ver la Batmoto.
— la Batmoto. ¿En serio? No he visto nunca un aparato tan ridículo como la Batmoto de esta película. Por no hablar de que la mitad de los movimientos que hace con ella son físicamente imposibles. Supongo que habrá emocionado mucho a miles de adolescentes pero creo que el público adulto hubiésemos vivido mejor sin ella.

Más escenas terribles, ya fuera del género de acción:
— Batman no es Ironman. Sí, Batman suele tener citas con la chica de moda de la ciudad pero Batman no necesita llegar a una fiesta bajándose de un helicóptero acompañado de tres modelos para medirse con el nuevo novio de su ex novia. Es una escena ridícula que hace parece a Bruce Wayne sumamente infantil.
— La famosa escena de los barcos. ¿Sí o no a esta escena? Por partes. Me gustó mucho que la misma gente que votó a favor de volar el otro barco no tuviese redaños a hacerlo ellos mismo. Es muy fácil escribir un voto pero muy difícil apretar el gatillo. Ahora bien, no me parece creíble que, en un barco lleno de presos, uno de ellos tire su seguro de vida por la ventana y que nadie diga nada.

Como siempre, hay pequeños guiños para los fans de Batman, como Alfred hablando de su pasado militar o una breve aparición del Espantapájaros.
A título personal, mi pequeña queja se centra en la familia de Gordon. La hija de Gordon tendrá un peso y una importancia en el futuro de Batman. Entonces, ¿por qué sacamos más al hijo, un niño que no le importa a nadie? Ains...

Aparte de los momentos ridículos, insisto: El caballero oscuro es una gran película de acción. Mantiene el ritmo de forma magistral, los hechos están bien hilados... pero ya está. No te esperes más de ella.

El maquillaje:
— el problema de maquillaje es que no estaba pensado para HD y al ver la película en bluray te das cuenta del desastre que esto implica. Si bien en el cine o en DVD no notas nada extraño, al verla en una calidad superior el premiado maquillaje del Joker, por ejemplo, queda en mucho peor lugar. Por escenas, parece ajado y desgastado, el maquillaje de un niño en carnaval. Maggie Gyllenhal, a la que los planos ya favorecen poco, aparece con la piel apagada y muy envejecida. El proceso de envejecimiento se produce también en el resto de actores. El único que sale bien parado es Gary Oldman.

La verdad, si es previsible que la película salga en bluray, deberían tener más cuidado con esta apartado.

Los efectos especiales:
— de lo mejor que he visto. El caballero oscuro tiene unos efectos casi perfectos. Además, explotan la iluminación al máximo, tapando las limitaciones de la tecnología con escenas nocturnas o amaneceres, muy propias del personaje. Me ha extrañado muchísimo que no se llevaran ningún premio ese año.

El doblaje:
— creo que es mejor verla en versión original. Nosotros la hemos visto en castellano y ha sido un desastre porque la mayoría de las risas, gritos y gemidos no estaban doblados.

Curiosidades:
— la Batmoto se llama realmente Batpod. Si, aparato ridículo, nombre ridículo.
— el maquillaje del Joker estaba compuesto por tres capas de silicona. Con este sistema reducían el proceso de maquillaje a una hora diaria.
— Sólo hay tres escenas en las que vemos sangre.
— Gotham ha sido diseñada cogiendo edificios emblemáticos de Chicago y Nueva York.

Premios:
— Oscar al Mejor Actor Secundario para Heath Ledger.
— Oscar al Mejor Montaje de Sonido.

Nota: un 7,5. Un notable. Es una buena película de acción en todos los sentidos pero le falta fondo y tiene demasiadas escenas ridículas que le quitan muchos puntos.

Otra película de Batman:
— Batman begins.

Comics de Batman que hemos comentado:
— Batman R.I.P.
— La broma asesino.

Videojuego de Batman:
— Batman: Arkham Asylum.

El nombre del viento - Patrick Rothfuss

2012-01-24T10:39:00.003+01:00

Llegué tarde a este libro. Se hablaban maravillas de él y eso me hizo sospechar. Se hizo un exitazo de ventas y eso también me hizo sospechar. Era de fantasía y gustaba a frikis y no frikis por igual... eso sí que me hizo sospechar. Al final, hace unas semanas, cayó en mis manos. Venía de terminar la lectura del genial El fin del mundo y un despiadado país de las maravillas y me encontré con la hermosa portada con las hierbas recorriendo la imagen y formando un oscuro túnel que contiene la sombría figura de un hombre pelirrojo (aunque al principio creí que era sangre mal dibujada, ehem ehem).

El título completo del libro es «El nombre del viento. Crónicas del asesino de reyes: día 1». Quizá yo hubiera disfrutado más otra traducción más efectista, como hicieron en Juego de Tronos con «el Matarreyes». Pero bueno, minucias; el caso es que con el título completo, lo admito, el libro me tentó un poco más. Ese «Día uno», en concreto, activó mi imaginación. Pensé en el asesinato de un rey, calculado durante años y efectuado a lo largo de tres días, en una historia llena de magia, intrigas y asuntos de corte. Pero no, todo mentira. Mi imaginación erraba absolutamente.

El nombre del viento nos cuenta la historia de Kvothe, que fue bardo y mago y amante y ladrón y asesino y un montón de cosas más con sus apenas 25 o 26 años; y ahora, como todo buen aventurero retirado que se precie, regenta una taberna de pueblo. Allí, con la llegada de los escrales (una especie de arañas de piedra malignas), Kvothe recupera un poco de acción en su vida y se dispone a matarlas; de forma que, por azares (¿seguro?) de la vida, conoce a Cronista, quien aceptará escribir la historia de Kvothe sin cambiar ni una sola palabra de lo que este le cuente.

Y la historia de Kvothe se cuenta a lo largo de tres días; cada uno en un libro, siendo El nombre del viento el primero de ellos. Al principio se nos habla de sus padres, que eran Edena Ruh (que es algo así como la quintaesencia de los artistas ambulantes) y habían actuado ante todo tipo de públicos. Se nos habla de Abenthy, un Arcanista, que le instruye en la senda de la magia y en muchos otros campos. Kvothe manifiesta una asombrosa capacidad para el aprendizaje; adquiere y asimila muy rápido nuevos conocimientos y tiene una forma de pensar ágil y, en general, certera. Después aparecen los Chandrian, que matan a su familia y el pequeño Kvothe se ve obligado a vivir varios años en las calles de Imre como pordiosero y ladrón, donde aprende a vigilar su espalda y a proteger su vida. Más tarde consigue ingresar en la Universidad y, entonces sí, comienza la historia propiamente dicha. Llevamos unas 300 páginas que, todo sea dicho, se pasan volando.

«Hay tres cosas que todos los sabios temen: el mar en la tempestad, una noche sin luna, y la ira de un hombre amable»

Y es que la gran característica de este libro es lo entretenido que resulta. La prosa es una delicia, así de simple. La historia es mediocre y previsible, los personajes son arquetípicos hasta la náusea y uno, aparte de imaginar por dónde irán los tiros toda la novela, conoce la causa, la motivación y el cómo de los problemas antes de ahondar en los mismos. Así que siento decir que, en ese aspecto, la novela es una novelucha. Tiene una hermosa narración en la que párrafos inmensos evocan y evocan, en la que se puede pasar dos páginas hablando de cómo es el silencio en una taberna o cómo se siente el protagonista al tener cerca a Denna. Patrick Rothfuss es un buen narrador, eso me parece indiscutible, pero a la historia le falta la capacidad de sorprender o, al menos, de intrigar al lector. No, no la tiene. Todo resulta demasiado evidente y sé que, para muchos, eso será un defecto imperdonable.

En cuanto a los personajes, quizá Kvothe resulte demasiado heroico, demasiado exagerado. Kvothe es un dios entre los hombres, y esa clase de personajes (puede que sea cosa mía) no caen bien. Kvothe me exaspera, porque se impone con demasiada facilidad para mi gusto. Cabe decir que Rothfuss, eso sí, crea unos secundarios a veces encantadores («Qué, qué. Ya va, ya va» Trapis), Fela, los dueños del Eolio (Deoch y ) y la mayoría de los profesores de la Universidad, por ejemplo. Pero Kvothe y Bast... hm, no sé, creo que les falta algo. No solo por ser tan asombrosamente poderosos, sino porque su tratamiento de los problemas es... demasiado simple. No me convencen, sencillamente. ¿Y algún secundario que me desagrade? No me gusta Ambrose, porque es estúpido; no me gusta Hemme porque su obcecación lo vuelve un inepto y no me gusta Denna. Dioses, no soporto a Denna .

No obstante he de admitir que la novela me gustó muchísimo, como a casi todo el mundo. Soy consciente de sus incomensurables carencias, que ya he comentado, pero lo cierto es que por cómo se cuenta el libro, no podía dejar de devorar las páginas una tras otra. Sabía qué iba a pasar (o lo imaginaba, al menos, con una precisión pasmosa), pero no me importaba. El libro no pretendía —o eso quiero pensar— sorprenderme, sino deleitarme con una historia. Se parece, en ese punto a los Clásicos Disney (a la mayoría de los buenos, que últimamente...); la historia avanza y cautiva, engancha y evoca, e incluso al final deja una sensación razonablemente buena. Pero, en cierto modo, le falta algo.

Como puntos negativos (pero negativos-negativos, ¿eh?) he de señalar dos:
—Toda la subtrama con Denna me parece infecta. Es cansina, repetitiva y, en muchos momentos, demasiado estúpida. Denna es un personaje inconstante, manipulador y Kvothe es el típico protagonista enamorado (mentira; encoñado, si me disculpáis la expresión, se ajusta mucho más a la realidad) que no es capaz de razonar en cuanto a Denna se refiere.
—Ambrose es demasiado imbécil. En serio, contando sus capacidades, el daño que logra causar resulta casi lacrimógeno. Venga, Ambrose, esfúerzate un poco, hombre.

Como puntos fuertes quiero destacar:
—La asombrosa narración: delicada, efectiva, densa y hermosa. Perfecta.
—El ritmo. No cae. Nunca.
—La traducción. Gemma Rovira realiza un trabajo espectacular, el libro resulta muy cercano, igual que hacen los personajes. Todo transmite, al menos, la sensación de estar muy meditado. El resultado es envidiable. A ver si algún traductor avala este punto, pero ante mi no demasiado experta mirada, me pareció un muy buen trabajo.

Nota sobre el final (tranquilos, no es spoiler): este libro ha sido cortado con un machete de los gordos. No se detiene en ningún momento apropiado para ello. Kvothe cuenta su historia, se hace tarde y se van a dormir. Así que, si sois de los que no se pueden quedar con las ganas en un momento inadecuado... esperad a saber si podréis disponer del segundo si se da el caso.

Nota: 7. La novela se deja leer, insisto, con una facilidad pasmosa. Es divertida, emotiva, y entretenida y tiene unas descripciones preciosas; pero no tiene una gran historia. Es la típica historia del aprendiz de mago, del elegido de la Fuerza. Es Harry Potter (para un público algo mayor) y Anakin Skywalker, pero con todo, acaba convirtiéndose en una historia adictiva muy difícil de abandonar. Todo cuanto pueda achacársele al argumento en sí, doy fe, Rothfuss (y Gemma Rovira) lo compensan con talento. Personalmente, lo recomiendo sin duda.

Otras entradas que pueden interesaros:
—Canción de Hielo y Fuego - George R.R. Martin.
—Geralt de Rivia - Andrzej Sapkowski.
—La serie de Vlad Taltos - Steven Brust.
—La Torre Oscura - Stephen King.

Midnight in Paris - Woody Allen

2012-01-23T10:34:00.000+01:00

En general, y de lo que he visto, Woody tiende a gustarme. Desde Match Point (y es del 2005) no me había acercado a nada más de este hombre, pero hoy aproveché para ponerme un poco más al día con Midnight in Paris y, la verdad, he de decir que me ha parecido una película preciosa.

Woody consigue a un tiempo ser inteligente y afilado (como siempre), pero consigue también ser elegante, poético y soñador (sí, en serio, Woody con un toque de optimismo; pensé que me había equivocado de película). Midnight in Paris —aunque quizá ese baño de luz naranja que tan parisino resulta a mis ojos de «conozco-París-únicamente-por-películas», la música y la pasarela de dulces mujeres que desfilan ante la pantalla (Bruni incluida) tuvieron algo que ver— es una película elegante y hermosa a la que cabe acercarse desde la adoración al cine de Woody Allen e, incluso, desde el odio al mismo.

La película, todo sea dicho, trata los temas que tratan casi todas las películas del director y guionista neoyorquino. Habla de amor y muerte, de cambio, habla de cuernos, de mentiras y de arte. Y todo lo hace bien; lo que convierte esta película de tono algo más alegre de lo normal y color preciosista en una deliciosa golosina.

Gil (Owen Wilson, tan sosainas como siempre, aunque moderadamente cumplidor) es un guionista de Hollywood, una prostituta escritora del mundo del cine, para entendernos. Junto a su novia Inez (Rachel McAdams) y los suegros viaja a París, a disfrutar del ambiente, de las calles, de la arquitectura y del arte. Allí, para bien o para mal, tendrá que sufrir a uno de los amigos de Inez, el insoportable Paul (Michael Sheen); más para huir de él que otra cosa, Gil acaba deambulando por París y entonces, recogido por un peculiar coche estilo años 20 y lleno de gente extraña... acaba rodeado de las más selectas y extrañas compañías. De los años 20.

Así que sí. Woody se atreve con viajes en el tiempo y con personajes como Hemingway (Corey Stoll, impresionante este hombre, y su doblaje al castellano es una delicia de pura gracia), Picasso (Marcial Di Fonzo Bo), T.S. Elliot (David Lowe) y Salvador Dalí (Adrien Brody). Y con la hermosa Adriana (Marion Cotillard), verdadero motor de la trama. Tal vez no tenga la parte más importante, pero es quien motiva al protagonista a sus viajes nocturnos en pos de los años 20. Es quien realmente provoca que Gil vuelva una y otra vez a la que considera que es «la mejor época» de París.

Los personajes:
—Gil: es un guionista que quiere escribir una novela, pero se da cuenta de que no es lo mismo. Que la base se parece, sí; pero que a su novela le faltan cosas. Por si fuera poco, su relación con Inez no es todo lo maravillosa que podría ser (Inez es una zorra, vaya; no es que el absoluto pasotismo de Gil se merezca mucho más, claro; pero ¿qué fue antes, el huevo o la gallina?). Gil cobra fuerza en los años 20, rodeado de Grandes. ¿Qué tal Wilson? Solvente. No me parece una actuación memorable, ni mucho menos; pero creo que carga con el peso del personaje y lo resuelve adecuadamente. Supongo que si Woody tuviese 20 años menos, se habría encargado él mismo, y aunque más feo, el resultado habría sido, sin duda, mucho más interesante.
—Inez: es poco más que una comparsa y nunca llega a ser un personaje determinante. Está para presentar a Paul y tener la tensión inicial. Luego, de hecho, llega a ser más insoportable que el exageradamente pedante Paul. Y que yo diga eso de alguien... Dios mío, es que es insoportable.
—Paul: creo que representa todo lo malo y lo que merece ser erradicado. Es el cultureta engreído y gafapasta que todos queremos que desaparezca sin llamar la atención. Michael Sheen, eso sí, consigue suscitar todo el odio que el personaje merece; así que supongo que ha hecho un gran trabajo.
—Adriana: la hermosa Adriana, la siempre atractiva y sensual Marion Cotillard (que además participa en Big Fish, Inception y, próximamente, en la última del Batman de Nolan; ¡podría ser una musa friki!). Un gran personaje y una gran interpretación. Además da la vuelta de tuerca que la película necesita con total claridad. Cualquier tiempo pasado fue mejor. Para ella también. Por supuesto.

Midnight in Paris es una película delicada y perfectamente disfrutable, dura lo justo y las tramas no se van por los cerros de Úbeda constantemente. La dosis de humor es perfecta y, como en la mayoría de películas que le he visto, toca diversas temáticas y registros. Los personajes, bastante extremos, marcan buenos contrapuntos entre sí, y el toque fantástico le da a la película un toque de magia con el que disimular alguna que otra caída menor de ritmo.

Por el momento, y sin ninguna duda, lo mejor que he visto «del 2011».

Nota: 8,5. Creo que volvería a verla solo por el fantástico trabajo artístico (gracias, Darius Khondji), pero a ello debo añadir un gran guión, un cumplidor reparto y una elegante banda sonora. Al fin algo destacable. A ver si cojo por banda The Artist y Los descendientes...

Otras películas de Woody Allen:
—Balas sobre Broadway.

10 grandes personajes homosexuales

2012-01-20T10:39:00.000+01:00

Aunque al principio no planeaba hacerlo, he decidido dar cabida a algunos personajes bisexuales (porque hay poquísimas lesbianas, la verdad). Los homosexuales (bisexuales también) son unos personajes que, en mi opinión, aparecen enormemente maltratados casi siempre.

Primero está el hecho de que hay muchísimos más gays que lesbianas, tanto en televisión como en cine. Muchas de las veces en que aparecen lesbianas o bisexuales femeninas es para tener escenas subidas de tono que caldeen el ambiente. Los gays, en cambio, son divididos en dos arquetipos casi absolutamente opuestos: la loca terrible (generalmente ridícula, aunque hay algún caso de este estereotipo tratado con verdadera gracia) o el del machote (que tienden a tener más gracia —y seriedad— que las aproximaciones del otro tipo, o eso me parece a mí). Hay un tercer arquetipo, que es el del gay coqueto y emperifollado, que no es locaza y, desde luego, no es tío duro. Por supuesto hay algún personaje que no es clasificable dentro de los arquetipos, pero en mi experiencia televisiva, se me ocurren muy, muy pocos. La verdad.

Y empezamos.

10.- No podía resistirme a ponerlo. Quería, pero no pude. La lista la inaugura el hombre del Poder Divino y el vestuario (o carencia de él) digno del carnaval de Río. Con todos ustedes, Jerjes.

Arquetipo: gay-locaza. Sin duda.

9.- Kalinda, la fría y sobria Archie Panjabi, hace de fría y eficiente investigadora para un bufete de abogados en The good wife. Parece muy bisexual, pero me parece muy claro que prefiere las mujeres. Se puede discrepar, pero esta increíble y enigmática mujer creo que debía aparecer en la lista.

Arquetipo: bi-tía dura.

8.- Capitán Shakespeare, interpretado por un siempre magnífico y respetable Robert De Niro. Es gracioso, es osado... y tiene un armario que ya lo querrían (aun repartido) todas las princesitas Disney. El único personaje que queda más redondo que en el libro, pero ¡qué redondo!

Arquetipo: gay-tío duro, gay-locaza.

7.- Cameron de Modern Family es el personaje más divertido de la serie. Es un personaje exagerado y teatrero, es encanto y referencias. No podía dejar de estar en esta lista. Las cosas como son.

Arquetipo: gay-locaza. Pero grandioso, oigan.

6.- Brian Kinney es uno de los personajes de Queer as folk, serie que narra la vida de un grupo de gays. Este es el más conocido e importante de la serie. Wikipedia dice que es el héroe. Es un tío promiscuo al que todos se quieren tirar. Es el éxito sexual personificado. Es Barney Stinson, pero en gay.

Arquetipo: no-arquetipo. En serio.

5.- Willow, de Buffy. Alyson Hannigan interpretó un confuso papel en el que pasó de chica tímida y mona heterosexual, a chica algo alocada homosexual. Y el resto es spoiler, por si alguien planea ver Buffy. Admito que de gran parte de ello me he enterado redactando esta entrada. Mis conocimientos sobre Buffy y su mundo eran más bien limitados.

Arquetipo: ¿lesbiana-coqueta? Si algún fan de Buffy considera su honor en entredicho, por favor, los comentarios están disponibles para posibles correcciones.

4.- El teniente Gruber de 'Allo 'Allo, interpretado por un hilarante Guy Siner, es de los personajes más memorables de dicha serie. Dentro del grupo de ratas que son realmente los personajes, Gruber aparece dignificado. Es tierno y dulce y siempre está metido en su propia trama de confusos enredos con el protagonista y dueño del bar, René Artois.

Arquetipo: gay-coqueto.

3.- Xena (Lucy Lawless, Lucy Sin Ley en un capítulo de Los Simpson) es la bandera lésbica del mundo de las series. Quizá haya otras candidatas, pero ella es la más grande, en mi opinión. Xena, aguerrida, valiente y alzada ante un mundo de machos; una amazona de ligera armadura y gesto duro. Que yo sepa tuvo aventuras con hombres, pero era de los que veían evidente que su amor, su verdadero amor era Gabrielle. Jo, qué bonito. Snif.

Arquetipo: bi-tía dura.

2.- Debería encabezar la lista, probablemente (sé que es lo que casi cualquiera que me conozca —quizá todos menos uno o dos— esperarían de mí); pero he tenido que elegir entre el fantástico estilo de este y el del siguiente y mi vena humorístico ha podido más hoy. El caso es que el otro gran candidato a presidir esta ilustre lista es el magnífico Michael Kenneth Williams, que interpreta a Omar Little en The Wire. Omar es el amo de la calle, el señor de los bajos fondos. Es más duro que el clavo de un ataúd y, quizá, que el gitano de Snatch: cerdos y diamantes. Y es gay. Pero en plan serio.

Arquetipo: gay-tío duro.

1.- Encabeza la lista el fantástico Val Kilmer en su interpretación de Gay Paris en Kiss Kiss Bang Bang. Representante del arquetipo de gay-machote del que hablábamos al principio. Todo en él es estilo. ¿Sus frases? Estilo. ¿Su ropa? Estilo. ¿Su forma de meter barriga? Estilo. ¿Su «pistola de maricón»? Estilo. Y estilo. Y estilo.

Arquetipo: gay-tío duro.

Extra:
—Una pareja de adorables y valientes homosexuales. Esta va a ser la pareja más inesperada, pero es la única explicación razonable para el final de la historia, o eso me parece. ¿Por qué si no se van a quedar juntos durante tanto tiempo? Como Aragorn y Arwen, está claro. Jo, qué preciosa historia de amor la de Legolas y Gimli, unidos a pesar del mismo sexo y la diferente especie. Ais... si hasta Legolas lo lleva en su mot... caballo. Precioso, de verdad.

Crimson petal and the white

2012-01-19T10:36:00.000+01:00

Durante la Época Victoriana Sugar es, a sus diecinueve años, la prostituta más famosa de todo Londres. Una noche conoce a William, heredero de una importante fábrica de jabones. William, un hombre que ha visto frustrado su sueño de ser escritor debido a su escaso talento, que tiene una esposa recluida en casa por su estado mental, y que acaba de perder la asignación que le proporcionaba su padre y que, desesperado, se aferra a Sugar como única fuente de satisfacción en su miserable existencia. Con su apoyo, consigue tomar las riendas y empieza a poner en orden sus negocios.

El fin de semana pasado nos quedamos en casa asediados por fiebres, gripes y demás males propios del crudo invierno. Aprovechamos para ver completa esta miniserie compuesta por cuatro capítulos de una hora. Sin duda, de lo mejor de la temporada. Guión, dirección, actores, vestuario, maquillaje... en casi todos los sentidos, esta serie es perfecta.

Personajes:
Sugar (Romola Garai): obligada a prostituirse desde los trece años, escribe un libro en el que se venga de cada uno de sus clientes.
William (Chris O'Down): frustrado por su falta de talento, despreciado por su padre y con una esposa enferma, William está completamente perdido hasta que llega a los brazos de Sugar.
Agnes (Amanda Hale): la mujer de William. Está completamente fuera de la realidad, con un estado mental lleno de altibajos.
Curlew (Richard E. Grant): doctor encargado de la salud de Agnes. A pesar de las reticencias de William, está empeñado en encerrar a Agnes en un sanatorio. Curiosamente, su paciente parece empeorar tras cada una de sus visitas.
Emmeline Fox (Shirley Henderson): hermanda del doctor Curlew. Miembro de una asociación de beneficencia que se dedica a salvar chicas de las calles y a reformarlas para que dejen la prostitución. Vive completamente dedicada a su misión.

Actores:

la complejidad de la mayoría de los personajes hacía necesario contar con actores que diesen la talla. Por suerte, los encontraron. Destaco a Gillian Anderson, que está tan fantástica como irreconocible. Albos y yo tardamos un par de capítulo en darnos cuenta de quién era. ¿La mejor? Amanda Hale, todo un descubrimiento. Los continuos cambios de humor y crisis mentales de su personaje son una auténtica lección de interpretación.

Guión:

el guión mezcla hechos completamente predecibles con pequeñas sorpresas que hacen que las cuatro horas que dura esta miniserie se pasen enseguida. A pesar de su temática costumbrista no se hace pesada. El manejo del ritmo es brillante.

Momentazos:
«—Sugar: ¿tenéis un hijo?
—William: sí, bueno, una niña, por desgracia.»

— La evolución de William capítulo a capítulo. Sin duda, el personaje que más sentimientos encontrados despierta.
— La decisión final de Sugar, que puedes interpretar de dos maneras muy diferentes: o bien se venga de William llevándose a su hija, o bien salva a Sophie de su padre tal y como hizo con Agnes.
— Cuando William identifica el cadáver de Agnes. Porque es imposible que ese sea el cuerpo de su esposa.
— La primera vez que Agnes y Sugar se ven. La primera no puede parecer más desesperada ni más sola.

Dirección.
este es, sin duda, uno de los apartados más importante de esta serie. El gran puntazo es que la dirección evoluciona con la personalidad de Sugar. Al principio es tosca, confusa, oscura... pero poco a poco la luminosidad y el orden se van abriendo paso. Otro de los aspecto que más me gustó fueron los paseos de los personajes. Si lo hacen por los barrios bajos, hay una larga coreografía en la que los más variopintos personajes desfilan delante de los protagonistas. Si el paseo transcurre por la parte alta de la ciudad, el camino está despejado.

El vestuario:
me ha dejado con la boca abierta. Fíjate en la espalda del abrigo de Sugar, porque tiene cierta importancia en la historia. Tanto en hombres como en mujeres, el vestuario está trabajadísimo. Destaco el de Agnes y el de Sugar porque son, obviamente, los más lucidos.

El maquillaje:
es curioso lo que han conseguido con el maquillaje en esta serie. Siendo la actriz de Sugar mucho más guapa que la de Agnes, consigue que ambas luzcan casi igual. No han escatimado a la hora de presentar personas enfermas o con deformidades. Pero sin duda, el maquillaje que se lleva el premio es el de la madre de Sugar:

¿Has reconocido a la actriz? Sí, es Gillian Anderson.
Mi única queja en este apartado es para la caracterización de William. No sé de quién ha sido la idea de imitar a Mad Men y cargar a William de carmín pero es un desastre.

La música:
otro gran punto a favor. Ambiental casi en su totalidad pero perfecta.

Nota: un 10. De lo mejor que he visto en años. No podría recomendarla más. Aún así, por si te quedan dudas, dejo el trailer:

Otras series inglesas que te recomendamos:
— Downton Abbey.
— Sherlock.

Black Mirror - Channel 4, Charlie Brooker

2012-01-17T10:39:00.000+01:00

Esta serie ha sido la sorpresa del otoño. Los ingleses, siempre tan peculiares, lanzaban un ataque en formato televisivo contra mil cosas, relacionadas directa o indirectamente con las nuevas tecnologías.

Black Mirror, creada por Charlie Brooker (creador también de Dead Set), consta de 3 (¿capítulos?) películas —creo que hablar de capítulos cuando no comparten reparto, ni dirección, ni duración, ni nada; es un poco injusto— completamente independientes, todos situados en un tiempo o una realidad que no es exactamente la nuestra, pero que resulta terriblemente cercana en todo momento a poco que uno interprete la metáfora.

The national anthem - Otto Bathurst

La princesa Susannah, un miembro muy bien considerado de la Casa Real, es secuestrada. El secuestrador sube un vídeo en el que se la ve a ella atada con el rostro cubierto de lágrimas leyendo las condiciones de su puesta en libertad. No hay rescate, la condición es que el primer ministro, Michael Callow debe aparecer en todas las cadenas del país a una determinada hora manteniendo relaciones sexuales con un cerdo.

Como en otras series inglesas recientes, lo primero que sorprende de Black Mirror es la increíble calidad visual de la que hace gala. Black Mirror, como Sherlock, parecen películas costosas en su preciosista tratamiento de la imagen. Un aplauso para Jake Polonsky y su fotografía; así como para el guión de Brooker. El reparto de The national anthem es realmente fantástico, lo que ayuda a mantener la tensión y la angustia sobre los hechos que acontecen.

Admito que el tema me produjo repulsa. Comprendo la intención perfectamente, sé que esa provocación es completamente intencionada, sé que el morbo mantiene a muchos espectadores tan pegados a la pantalla como están los mismos personajes anónimos de la película reunidos en los bares esperando a ver qué pasa. No lo niego, pero a decir verdad casi hace que abandone la serie. ¿Se le puede echar algo en cara? Desde luego; la petición es demasiado rebuscada como para que se tome en serio y, es más, como para que se acepten las condiciones. Creo yo. Además, por supuesto, de que nunca debería negociarse con terroristas, sienta precedentes fácilmente aprovechables por locos e hijoputas subsiguientes.

No obstante, cabe destacar lo bien guiado que está el dramatismo, y como las medidas de control resultan insuficiente cuando el vídeo ha recorrido ya un cierto camino por la red, cuando youtube tiene docenas de vídeos y el tema es trending topic en twitter. Pero eso no es lo mejor del capítulo; lo mejor es, sin duda, las ganas de carnaza de la masa, que se congrega entre asqueada y cautivada en torno a la macabra historia como los campesinos medievales ante un ajusticiamiento. Fantástico.

15 million merits - Euros Lyn

Parece que internet adelante se considera que 15 million merits es el peor de los capítulos de Black Mirror. A mí me parece que es menos tenso que el primero, que carece de la brutal fuerza dramática de su reparto y que el ambiente, a pesar de que la metáfora es bastante cercana, reduce el sentimiento de proximidad que, en cambio, da alas al primer capítulo. No obstante, este capítulo, es mi favorito. Insisto, no me parece el mejor, pero es el único que sé que volveré a ver.

15 million merits supongo que nos lleva a un alternativo futuro cercano. La gente vive en cubículos, conectados permanentemente a la programación televisiva personalizada. Los aptos pedalean para producir energía y mantener activo el sistema, los que no pueden colaborar en la producción de energía cumplen otras funciones de mantenimiento; y los destacados pueden aspirar a algo más: presentadores de televisión, músicos, etc. El protagonista, en este caso, es un chico negro que se enamora de una jovencita con talento musical a la que decide ayudar a cumplir su sueño.

Black Mirror no es una serie alegre, así que os podéis olvidar de pajaritos, canciones y alegría. Charlie Brooker, de nuevo guionista, crea un distópico escenario a caballo entre el mundo real y un mundo digital en el que todo y nada es real a la vez.

El final, aunque el monólogo que da lugar a él me parece casi perfecto, me resulta un poco insulso. No el que se venda al sistema, eso está bien; me gusta que jueguen con que el sistema siempre gana, que solo tiene que absorberte, pero el monólogo que antecede a los créditos, la parafernalia y demás... queda cutre. Así de simple.

Este es el episodio con más ritmo de los tres y tiene, creo, un ambiente muy evocador. Y, qué demonios, es el más friki. ¿Contras? Un reparto bastante justito, y no solo por cantidad.

The entire history of you - Brian Welsh

Este último capítulo plantea la existencia de una tecnología que graba todo lo que uno ve y oye y cómo puede afectar a la vida de las personas: cómo se reúnen para compartir bellas estampas, cómo pueden verse acosados por un pasado que no han borrado... o cómo se pueden volver unos paranoicos.

Este es el capítulo que menos me ha gustado. Reconozco que es bueno, que conste; pero no me gusta. Puede que me aburra un poco, incluso. Odio al protagonista, que me parece un personaje demasiado exagerado e insulso. Cómo se refleja la tecnología en cuestión, es cierto, es una pasada; cómo se toma por normal acceder tan profundamente a la intimidad de una persona o cómo se pueden repasar una y otra vez los mismos detalles en busca de una pista para resolver un dilema.

Pero no me parece suficiente. Para empezar, este me parece el menos original de los tres capítulos; y el menos provocador. No sé ni a qué se debió. Creo que el guión de Jesse Armstrong carece de soltura, la idea está bien, pero le falta algo y los personajes son un poco previsibles. Este tal vez sea el capítulo que más permanece en pie gracias a su dirección y su fotografía. En cualquier caso, concluye una miniserie que, sin duda, ha sido de lo mejorcito del año.

Nota: 8,5. Una serie de tres capítulos que deberíais tomar la molestia de ver. Espectacular, atrevida y muy crítica. ¡Y muy bien hecha!

Globos de Oro 2012

2012-01-16T10:39:00.000+01:00

Tras la sexagésima novena entrega de estos premios, así queda el panorama. Me explayaré más hablando de televisión porque de las películas que vimos, solo una ha ganado algo. Midnight in Paris y The artist acabaré viéndolas, eso seguro. Las aventuras de tintín es posible que también (porque me gusta mucho el personaje). Las demás, la verdad, es que no sé, no sé. ¿Debería ver un aficionado al cine, que penséis, alguna?

Cine

Premio Cecil B. DeMille a la trayectoria cinematográfica para Morgan Freeman.

Mejor película en la categoría de comedia o musical: The artist.

Mejor película en lengua no inglesa: A separation (Irán)

Mejor película animada para Las aventuras de Tintín: el secreto del unicornio.

Mejor director: Martin Scorsese por Hugo. Mis felicitaciones, señor Scorsese, por su tercer globo de oro. A ver si también consigue su segundo Bafta., que es una vergüenza que solo tenga uno.

Mejor guión para Woody Allen por Midnight in Paris.

Mejor actor en la categoría de drama: Georger Clooney por The Descendants.

Mejor actor en la categoría de comedia: Jean Dujardin por The artist.

Mejor actor de reparto: Christopher Plummer por Beginners.

Mejor actriz en la categoría de drama: Meryl Streep por The iron lady.

Mejor actriz en categoría de comedia: Michelle Williams por My week with Marilyn.

Mejor actriz de reparto: Octavia Spencer por The help.

Mejor banda sonora para Ludovic Bource por The artist.

Mejor canción: «Masterpiece» de W.E.

Televisión

Aquí sí, la verdad es que de estas he visto unas cuantas y. por tanto, tenía unas opiniones previas...

Mejor drama para Homeland (Sí, hombre, sí... A ver, que la serie está bien. Me gusta mucho, pero, no sé, ¿en serio? Tanto la segunda temporada de Boardwalk como la épica Juego de Tronos me parecen mucho más salientables. Y, ¡hey!, sin necesidad de un final descafeinado).

Mejor comedia para Modern Family (me vale, no es mi favorita, pero me parece la «mejor»).

Mejor miniserie o película para televisión: Downton Abbey (de entre las nominadas era la única que vi, y ciertamente dudo que las demás fuesen mejores).

Mejor actor de drama: Kelsey Grammer por Boss.

Mejor actriz de drama: Claire Danes por Homeland (Este sí, merecidísimo, oigan. Claire Danes se sale, y los últimos capítulos de Homeland son una pasarela para que se luzca una y otra vez. Magnífica.).

Mejor actor de comedia: Matt Le Blanc por Episodes (debería echar un ojo a esta serie, es una de las que me producían cierta curiosidad).

Mejor actriz de comedia: Laura Dern por Enlightened (yo sigo pensando que no es una comedia, pero vale... la actuación es la leche, ciertamente).

Mejor actor de miniserie: Idris Elba por Luther (Idris Elba es mucho Idris Elba).

Mejor actriz de miniserie: Kate Winslet por Mildred Pierce.

Mejor actor de reparto: Peter Dinklage por Juego de Tronos (menos mal... espero que Dinklage siga triunfando en el papel del astuto enano Lannister. Algún día, de verdad, haré la reseña que esta pedazo serie se merece).

Mejor actriz de reparto: Jessica Lange por American Horror Story (hace un papelón, tenía mis dudas con Maggie Smith de Downton, pero la elección para el premio tiene toda mi aprobación).

Dicen que la gala ha sido un espectáculo aburrido, con un Gervais bastante «comedido». Pues qué bien, no sé para qué llevarlo a él entonces.

¿Qué os han parecido los resultados? ¿Qué cambiaríais?
Yo tengo clarísimo que cambiaría la mejor serie de drama, supongo que premiando a Juego de tronos, por lo buena que es como serie y lo magnífica que es como adaptación. Por los grandiosos secundarios, el vestuario, el tratamiento y todo lo demás. Por lo demás estoy muy conforme con los premios, la verdad.

10 (u 11) grandes niños actores

2012-01-13T10:48:00.000+01:00

Muchas veces Albos y yo nos hemos quejado del tratamiento que se le da a los niños en las series y películas. Normalmente son personajes insoportables, parece que tengan la misma importancia que el atrezzo o que no se valoran sus capacidades interpretativas a la hora de contratarlos. Por suerte, algunos se libran. Os presentamos a los niños más curriños del mundo:

Isaac Hempstead Wright: o Bran Stark en Juego de tronos. Supongo que este niño está en la lista de todo el mundo. Al menos para mí, es el perfecto Bran Stark.

Nerea Camacho: o Camino en Camino. La verdad es que en España tenemos la costumbre de hacer niños tan insoportables como Chechu, en Médico de familia o Jonathan y Fidel en Aída. Pero siempre está la excepción que confirma la regla y esta es Nerea Camacho. Ganadora del Goya con sólo doce años, nos dejó claro que tenemos una buena cantera por explorar.

Emma Watson: o Hermione Granger en la saga de Harry Potter. Otra gran elección del equipo de casting. Durante toda la saga Emma ha sido la perfecta Hermione. No se podía ser más curriña levantando la mano para contestar a las preguntas, como buena sabelotodo que es su personaje. Ya veremos cómo se desenvuelve con nuevos personajes pero tengo muchas esperanzas puestas en ella.

Jared Gilmore: o Bobby Draper en Mad Men o Henry en Once upon a time. Este pequeño es el ejemplo perfecto de niño con un papel terrible que se redime al cambiar de serie. Porque no lo vamos a negar, todos pensábamos que Bobby Draper era tan tonto como insoportable. Por suerte le dieron un gran papel en Once upon a time y podemos incluirlo en la lista.

Chloë Moretz: o Hit-Girl en Kick Ass o Isabelle en Hugo. Con esta niña inauguramos la sección de niños psicópatas a la par que adorables. Además, viendo su dilatada carrera, es una niña que se amolda bien a cualquier tipo de papel. No tengo ninguna duda de que hablaremos mucho de esta chica.

Asa Butterfield: o Hugo en Hugo o Ender en El juego de Ender o Mordred en Merlín o Bruno en El chico con el pijama a rayas. Igual que su compañera de reparto en Hugo, Chlöe Moretz, este niño puede pasar de un inquietante y siniestro Mordred a un encantador y adorable Hugo casi sin pestañear. Espero verlo en más películas porque es mi actor favorito de esta lista. Segundo en la lista de niños psicópatas a la par que adorables.

Kirsten Dunst: o Claudia en Entrevista con el vampiro. Aunque ya está crecidita, quería hablar del primer papel sonado de esta chica. Nos sorprendió a todos con lo intenso y maduro de su interpretación y puedo decir con completa seguridad que ha sido una suerte para el mundo del cine que esta chica continuase su carrera. Y sí, está en la lista de niños psicópatas a la par que adorables.

Freddie Highmore: o Charlie en Charlie y la fábrica de chocolate. Roald Dahl quería personificar en el personaje de Charlie todas las virtudes con las que debía contar un niño y Tim Burton consiguió al actor perfecto para ello. Revisando su filmografía he visto que ha hecho mucho en televisión y dado voz en algunas películas de dibujos. A ver si hay suerte y lo vemos pronto en un nuevo papel protagonista.

Max Pirkis: o Blakeney en Master & Commander u Octavio en Roma. Nos encantó este niño en Master & Commander, sin duda, uno de los mejores secundarios de la película. Después comprobamos que era Octavio en Roma y nos convenció aún más. No es un actor que se prodigue demasiado en cine pero aún así marca todos sus personajes con su buen hacer. ¡Max, deja el teatro y déjate comprar por la industria cinematográfica!

Las hermanas Fanning: a estas alturas, supongo que todos conocemos a Dakota y a Elle. Como todos conocemos ya sus grandes dotes como actrices, voy a pasar a otro tema. No es apropiado que una niña de doce años sea considerada como it-girl, ni es apropiado que las marcas la usen para promocionar ropa y maquillaje de mujer. No es apropiado porque Elle tiene doce años, no quince, ni veinte. La verdad, me horroriza el uso que han hecho las marcas con Dakota y el que hacen ahora con Elle. Las niñas, son niñas, no mujeres.

Embrujadas (1º temporada)

2012-01-12T10:37:00.001+01:00

Tras la muerte de su abuela, Prue, Phoebe y Piper se reunen en la casa familiar. Entre las discusiones entre hermanas y el período de duelo, descubren que descienden de una línea familiar de brujas destinadas a usar sus poderes para luchar contra el mal y proteger a los inocentes.

Tras el éxito de la reseña de El príncipe del Bel-air, me había quedado con ganas de darle un repaso a otra serie de los noventa. Me costó un poco encontrar una que me apeteciese volver a ver pero finalmente me decidí por Embrujadas. ¿Por qué esta y no otras? Porque me traía muy buenos recuerdos. En este estilo, ni Buffy ni Angel consiguieron engancharme en mi adolescencia. Embrujadas sí lo consiguió. La verdad es que la cogí con miedo, me esperaba tópicos cutres sobre mujeres (no miro a nadie, Sexo en Nueva York), efectos especiales de mercadillo y malos muy malo. Y sí, he tenido parte de eso, pero también me he divertido viendo los episodios. Te cuento pros y contras de esta serie.

Personajes:

— Prue Halliwell (Shannen Doherty): la hermana mayor, su poder es la telequinesis. Tras el abandono de su padre y la muerte de su madre, tuvo que trabajar con su abuela para sacar a sus hermanas pequeñas adelante. Seria, responsable y prudente, es la más reticente a romper las reglas.

— Piper Halliwell (Holly Marie Combs): la hermana mediana, su poder es para el movimiento. Piper es la más tradicional de las tres. Chef de profesión, es hogareña, sensible y cariñosa. Tiene el contrapunto de ser la más nerviosa e irritable. Sus pequeños estallidos de ira le dan un carisma especial al personaje. Suele tener que hacer de intermediaria entre sus hermanas.

— Phoebe Halliwell (Alyssa Milano): la menor de las tres hermanas, su poder son las premoniciones. Tiene un carácter transgresor y es poco constante. Como contrapunto, es la más creativa y abierta a cambios de las tres. Es la primera en aceptar su condición de bruja.

— Leo Wyatt (Brian Krause): aparece en escena como manitas pero realmente es una Luz Blanca, un ser encargado de proteger y guiar a las brujas para que cumplan su destino.

— Andy Trudeau (Ted King): amigo de la infancia de las hermanas y novio de instituto de Prue. Reaparece en sus vidas gracias a su trabajo como detective de la policía de San Francisco.

— Darryl Morris (Dorian Gregory): compañero de Andy.

Actores:

— en este punto la serie es algo irregular. Si bien Shannen Doherty y Holly Marie Combs están fantásticas, a Alyssa Milano le cuesta el papel. Y las cosa como son, tampoco es un papel muy complejo. Diré en su defensa que mejora mucho según avanza la temporada y casi consigue ponerse a la par de las otras dos protagonistas pero en los primeros capítulos su interpretación lastra un poco la serie.

Otro de los actores con los que no estoy del todo contenta es con Dorian Gregory. Doy gracias a que aparece poco.

Guión:

— hay capítulos buenos, malos y muy malos; no voy a negar este punto. Ahora bien, para mi sorpresa, ha sido una temporada entretenida que me he visto sin ningún problema.

Puntos buenos:

— la relación entre las hermanas es creíble. Tienen problemas, discusiones, salidas de tono, rencillas... vamos, como cualquier familia. Me gustan especialmente los chistes recurrentes y los reproches por hechos ocurridos años atrás. Dan profundidad y credibilidad a los personajes y dan una gran sensación de familiaridad.

— Las relaciones que mantienen también son de lo más normal. A veces escogen bien, a veces escogen mal... pero al menos sus parejas parece personas presentables desde el primer momento.

— Los personajes femeninos y masculinos están a la par. Ni las chicas son meros anuncios andantes ni los chicos su simple comparsa. Teniendo en cuenta que esta es una serie de los 90, me ha sorprendido gratamente.

— La forma de definir el uso de los poderes.

— El bestiario. Los enemigos en esta serie están muy bien. Si sois jugadores de rol, le sacaréis un buen partido.

— El final de temporada. Matar a Andy no sólo fue una decisión valiente, sino que acertada.

— Lista de capítulos que merecen la pena: El brujo del sueño, capítulo cinco. La boda del demonio, capítulo seis. ¿Hay un Woggy en casa?, capítulo quince. Continuos deja vu, capítulo 22.

Puntos malos:

— la relación entre Piper y Leo. No los soporto. De hecho, esta serie iba a tener un seis hasta que los juntaron. Una cosa es intentar reflejar una bonita relación afectiva y otra bañarlo todo con kilos de merengue.

— Las coreografías de las peleas. Mejoran a lo largo de la temporada pero no son nada del otro mundo.

— Lista de capítulos lamentables: Cita con el hombre muerto, capítulo cuatro. La cuarta hermana, capítulo siete. Las hazañas de Clay, capítulo once.

El vestuario:

— acertadísimo. Lucen el cuerpo de las chicas sin convertir la serie en un pase de modelos. Salen de casa para trabajar con ropa de ir a trabajar y salen de fiesta con ropa de fiesta. Pensarás que esto es una obviedad, pero no lo es. Por suerte para todos, dejaron los modelitos más llamativos para los carteles promocionales. Una buena forma de dar realismo y seriedad a los personajes, cada uno dentro de su estilo.

El maquillaje:
— lo cierto es que se nota el esfuerzo por hacer demonios y monstruos trabajados a nivel estético. Como esta temporada tenían poco presupuesto, compensaban las carencias de este punto con el humo. Una forma ingeniosa de conseguir un efecto aceptable.

Los efectos especiales:

— viendo Embrujadas, queda claro que en los 90, el humo era la solución perfecta para todo. ¿Aparece un malo? Humo ¿Alguien sale volando? Cuando aterriza ponemos humo ¿Es de noche? Hace falta humo ¿El maquillaje del demonio es cutre porque no podemos permitirnos nada mejor? Humo.

La verdad es que para la época, y quitando la obsesión por poner humo por todas partes, los efectos cumplen y han envejecido con decencia.

La música:

— está cuidada, se coordina bien con las coreografías de las peleas y está bien escogida. Os dejo la intro:

Nota: un cinco. Podría tener un seis pero a base de pequeños fallos le dejo un cinco. Aún así voy a ver la segunda temporada porque me parece que merece la pena seguir viendo Embrujadas.

Master and commander: the far side of the world - Peter Weir

2012-01-10T12:19:00.000+01:00

Creo que esta peli no la vi por prejuicios propios. Todos tenemos prejuicios y a mí el cine de machotes peleándose, me ralla un poco. Me gusta a veces, es verdad, pero en general lo prefiero en un tono más humorístico, y es que si se pone el tráiler de Master and commander en un alambique, seguramente destile testosterona pura.

Siento decir que, en mi opinión, el tráiler no es demasiado adecuado para la película que finalmente tendremos entre manos si nos decidimos a verla. Master and commander dura dos horas y cuarto y, a decir verdad, tiene un ritmo tirando a lento. Pero es que todo en ella es épico. Absolutamente todo. El capitán Jack Aubrey (Russell Crowe) de la Surprise navega por aguas del Océano Atlántico cuando es atacado por una nave francesa muy superior, la Acheron. El resultado de esta contienda es... desastroso para el navío inglés, pero en un arranque de orgullo (sí, de orgullo y apenas disimulado) y sin tener muy en cuenta el estado del barco propio, el capitán Aubrey, al que apodan Lucky (afortunado), decide emprender una alocada persecución a través de lo que queda de Atlántico y del Pacífico en pos de la Acheron.

Admito que a esta película el HD 1080, probablemente, le haya sentido especialmente bien. Fue el disco que desvirgó el rayo azul de nuestro nuevo reproductor (el resto de mis películas en espera las tenía, evidentemente, en DVD) y poder disfrutar de la increíble nitidez de este formato, de las gotículas de agua reventando contra el casco, de las astillas y el metal, de las sombras recortadas contra las velas a contraluz y de las magníficas escenas de combate, fue un verdadero gustazo.

Peter Weir que hace un alarde de dirección y de coordinación de equipos —no quiero saber cuánta gente tuvo que estar involucrada en la escenografía de esta película— saca un gran partido a unos personajes claros pero lleno de matices. La historia es la que es, la asombrosa cruzada de una nave maltrecha a través de las violentas inclemencias del tiempo y de la amenazadora presencia de su siempre temida enemiga la Acheron.

Aunque puede notarse cierto mimo especial en los combates navales, y es que de puro espectáculo no son para menos. El sonido se mide a la perfección para que los gritos sean notorios pero no desagradables, y el estruendo de los cañones tiene el punto perfecto para impresionar sin necesidad de ensordecer. Si unimos esto a la fantástica banda sonora, y no hablo solo de Boccherini, Mozart y Bach, y las piezas para cuerda que interpretan Aubrey y su amigo el doctor Maturin. Una delicia toda ella.

Los personajes principales son Aubrey y Maturin. Son bastante complementarios y, aunque de concepción sencilla, la película se ocupa de darles matices para que parezcan más humanos, más difusos. Aubrey es un hombre orgulloso e implacable, tierno con los niños e poco dado a disculpar la insubordinación. Por mínima que sea. Cree en la dictadura del miedo y en el gobierno de la fuerza, pero, calmado, es un hombre capaz e inteligente. Y si Aubrey es la fuerza, Maturin es la razón. El científico y médico de abordo, fantásticamente interpretado por un sobrio pero muy solvente Paul Bettany es el contrapunto que necesita Aubrey, es la voz de la cordura y el único que se puede permitirse ser crítico con el capitán de la nave. Aunque sea en calidad de amigo y no de tripulante.

«Esa es la excusa de todos los dictadores de la historia, desde Nerón hasta Bonaparte.»

Entre los personajes secundarios, que los hay muy buenos (como el dentista y el guardiamarina Hollom) voy a destacar a uno de los niños, Blakeney en concreto, interpretado por Max Pirkis (Octavio niño en la serie Roma, otra obra de la que deberíais tomar nota si no la habéis visto ya). Pirkis consigue a un personaje sufrido y encantador a partes iguales, con el punto de adorabilidad justa para no caer en la ñoñería; posibilidad que se retira violentamente desde el principio. La vida en el mar es durilla, ¿o no, Blakeney?

A lo largo de sus poco más de dos horas, Master and commander combina escenas muy tensas con momentos de calma (chicha), momentos de absoluto parón que llegan a resultar algo opresivos (especial mención para los largos días de Sol, para la mala racha de cielos secos y despejados). Añade también una preciosa escena en las islas Galápagos bajo el sonido de unos cellos de Bach que, simplemente por lucir ese incomparable paisaje con esa música, se merece su aparición en la película. Soy consciente de que otras personas pueden haber pensado que dos minutos de ver bichos y rocas son algo impermisible, pero para mí fue un gustazo. Junto a las escenas sobre supersticiones de la marinería, a la de los catalejos avistándose mutuamente y a los maravillosos combates navales, es una de mis favoritas.

Curiosidades:
—Fue la primera película que grabó una escena realmente en las islas Galápagos.
—Las iguanas que se enseñan, no obstante, son iguanas absolutamente normales de la baja California. Iguanas pintadas de negro. Sin comentarios.
—Russell Crowe aprendió a tocar el violín para la película porque no quería que resultase falso y estúpido tocando.
—La producción de esta película, de 150 millones de dólares, involucró a 3 grandes estudios.

Premios:
—Oscar: mejor fotografía y sonido.
—BAFTA: vestuario, diseño de producción, sonido y premio David Lean a la dirección.

Nota: 8,5. Master and commander es una de las pocas superproducciones que me han caído en gracia. Han cuidado mucho los detalles y consiguen contar una historia épica sin caer en el absurdo, y consigue resultar tierna sin ser aborrecible, y consigue ser explícita sin producir náuseas. Un trabajo fantástico. Pena para el señor Weir, que vio los premios que cualquier otro año habría obtenido sin problemas, mermados por la conclusión de El Señor de los Anillos de Peter Jackson.

¡Gracias, Diego, por la película!

Birdy - Alan Parker

2012-01-09T10:39:00.000+01:00

Por si acaso alguien busca una opinión rápida, clara y poco ambigua, diré: «Birdy es un peliculón».

Matizando un poco las cosas, diré que Birdy es una apuesta un poco rara de un director particularmente extraño. A Alan Parker, disculpen, a Sir Alan William Parker —de quien Laulau ya reseñó El expreso de medianoche, y al que quizá conozcáis por alguno de sus destacados musicales como Fama o Pink Floyd The Wall— le gusta hacer las cosas a su manera, le gusta contar las historias a su manera. Y si El expreso de medianoche fue una mezcla de valor y atrevimiento a finales de los 70, Birdy, en cambio, es un bello canto a la amistad y una ácida crítica al ejército y a militarización.

La película se basa en la novela homónima, escrita por William Wharton.

Al era el malote del barrio. Era un tío duro y ligón. Birdy tenía ciertas (¿ciertas?) taras sociales, pero se le notaba buena persona desde el principio. Birdy estaba obsesionado con las aves y se dedica a capturar palomas y adiestrarlas como mensajeras. Después ambos son reclutados. En el presente, Al vuelve por una fractura que hace que le pongan una mandíbula de acero y se encuentra a Birdy en el manicomio. Birdy no habla, permanece acuclillado y se mueve de forma extraña. Birdy desapareció un mes y cuando se lo encontraron había dejado de comportarse como una persona; su psiquiatra (comandante, por cierto) cree que Al puede ayudarlo en su recuperación.

Los protagonistas y sus actores:
—Al es, de joven, el típico adolescente chulito que se cree la repera, vaya; aunque hay que admitir que posee un puntito de nobleza que lo hacen huir del prototipo más básico. El actor que lo encarna es Nicolas Cage, y contra todo pronóstico, me parece que lo hace bastante bien. El señor Cage es uno de los actores que, en general, más me desagrada. Odio su cara para todo, odio su voz y la mayoría de los papeles que acepta, pero en Birdy, que tenía 20 años recién cumplidos, el joven prometía. El actor de doblaje de Cage, como siempre, da el tipo en la mayor parte de escenas, pero cuando se llega a un momento particularmente emotivo... resulta inadecuado o insuficiente. A vuestro gusto lo dejo.
—Birdy es un personaje sencillamente encantador. Está completamente alejado de la realidad, lo que hace que por momentos haga gracia y en otros dé una lástima absoluta... o den lástima las personas que lo tratan bien, que le son cercanas y a cambio reciben un trato frío y distante, como la chica del baile (pobre, pobre chica). La interpretación a cargo de Matthew Modine es increíble. Vívida, triste... es genial.

Mis momentos favoritos:
—La escena del «vuelo» con el disfraz de paloma es la primera que me llamó la atención realmente. Quizá el señor Parker abusa demasiado repitiéndola tres veces, pero aunque solo sea por la forma en que cae Birdy, casi como un saco amorfo. Aunque después la película mantiene un nivel muy alto casi constante. La ventana de la habitación de Birdy y la actitud de este, cómo controla en todo momento la actitud de su inquietante (y adorable) personaje; las reflexiones de Al sobre el ejército y sobre el trato a los enfermos mentales.

—Los dos momentos en los que suena «La bamba». Sobre todo el segundo, que quizá sea la escena más divertida de la película.
—La escenas de Birdy en la jaula.
—La escena del «vuelo» en bicicleta.
—Tras el accidente de helicóptero y la brutal explosión, toda esa escena entre los gritos de Birdy, el graznido de cientos de pájaros, el paseo entre los cadáveres y el fuego... la explicación del trauma, y de la solución al mismo, de Birdy. Es una escena espeluznante.

El final, que durante unos instantes amenaza con ser malo-malo y digno de Antena 3, cambia de repente y alza el vuelo. Hay películas cuyo final empañan un casi perfecto visionado, Birdy no es de esas, en mi opinión y combina a la perfección el dramatismo, la alegría y la duda.

La música está a cargo, ni más ni menos, de Peter Gabriel. En general tiene poco cuerpo y acompaña tranquilamente de fondo; pero es muy bonita y, en general, muy apropiada. Aunque abusa, sin duda, de los efectos de teclado, cosa que, por otra parte, es casi inherente a la década de los 80.

Premios:
—Cannes: Gran premio del jurado.

Y aquí, por si os ha interesado la película, os dejo el tráiler (en inglés):

Nota: 8. A la película le faltan ciertas cosas, pero en cuanto a su historia y sus personajes es difícilmente mejorable. Quizá por momentos peque de simple y en otros de inconsistente, pero no creo que Birdy sea una película que apele a la razón, es una película de ver y disfrutar. Sin más.

Buzón de sugerencias:

2012-01-08T12:46:00.000+01:00

¡Bienvenidos, Soñadores!

Varios de vosotros nos habéis pedido un hueco para vuestras sugerencias. Si tenéis alguna serie, libro, cómic, película, juego de rol, etc... que os gustaría que viésemos, este es el lugar para pedirlo.

Como siempre, muchas gracias a todos por vuestras recomendaciones, nos habéis descubierto obras fantásticas.

¡Adelante con esas recomendaciones!

Juno - Jason Reitman

2012-01-05T10:18:00.000+01:00

Juno es una joven de dieciséis años, residente en Minnesota, que descubre que está embarazada de su mejor amigo. Aunque su primera opción es el aborto, se echa atrás y opta por la adopción.

Sé que vista así, la película no parece gran cosa. El cartel promocional le hace un flaco favor, el tema está más que visto... pero Juno es una muy buena película. Mi consejo es que le des una oportunidad porque la merece. Te cuento por qué.

La música:
sé que siempre dejamos este apartado para el final pero es que la banda sonora es fantástica. Está llena de piezas tanto clásicas como actuales, la mayoría de ellas con un ritmillo alegre que se coordina a la perfección con el estilo de la película. Para muestra:

Los actores:
Ellen Page y Michael Cera, combinación ganadora. Ambos están genial. Claro, Michael Cera hace su acostumbrado papel de friki pero todos sabemos que es el mejor en ello. Y para mejorar aún más esta parte, tenemos a la siempre adorable Jennifer Garner. Vale, lo admito: siento debilidad por estos tres actores.
Otro punto a favor del casting es que los adolescentes parecen de verdad. Ya sabes, con granos y esas cosas que todos hemos tenido.

Los personajes:
Juno (Ellen Page) o cómo ser lo suficientemente madura como para saber que eres demasiado inmadura como para criar a un niño.
Bleeker (Michael Cera): amigo de Juno y padre de la criatura. Un chico friki y encantador que dedica las tardes a correr.
Vanessa (Jennifer Garner): muy ilusionada con ser madre, Juno le hace recuperar la esperanza de tener su hijo.
Mark (Jason Bateman): marido de Vanessa, la acompaña en su viaje para conseguir un hijo. Hasta que se da cuenta de que no es lo suyo, que le va más lo de ser una estrella del rock a los 40. El muy cretino.
Bren (Allison Janney): la madrastra de Juno. Ha ocupado el lugar de su ausente madre y se preocupa de que coma bien, la acompaña a las ecografías...
Mac (J. K. Simmons): padre de Juno. Ex militar dedicado a la instalación y mantenimiento de calderas.

El guión:
divide la historia por estaciones, lo que está muy bien porque señala mucho mejor el paso del tiempo que una barriga grande. La gran baza del guión es hacer interesante una película con una historia tan simple. El realismo de los personajes, las situaciones, el desarrollo... esta película es una joya.

La dirección:
Albos y yo tendemos a quejarnos de que muchas de las películas actuales parecen rodadas en serie, con un estilo casi idéntico entre ellas. Jason Reitman, al igual que Guy Ritchie o Scorsese, es un rayito de esperanza. Si algo tiene la dirección de esta película, aparte de su calidad, es un gran estilo. Esperemos que este chico siga haciendo cine.

Momentazos:
— «Tenía pensado darle al bebé a una familia como... no sé... un diseñador gráfico de treinta y tantos con una novia asiática guay, con ropa brutal y que toca el bajo como Dios pero no quiero ser maniática.»
— El padre de Juno, ese ex militar brutote, llama a su hija Junito.
— «Parece un hobbit. Ya sabéis, ese enano que sale en los goonies».

El doblaje:
tanto el doblaje como la traducción están muy bien. Ya era hora de escuchar un «joder» sin complejos en una película. Además, se han preocupado de mantener el lenguaje juvenil que usan en la versión original.

Curiosidades:
— Jennifer Garner bajó su caché para poder participar en la película sin que esta excediese su presupuesto.
— Parte de la banda sonora fue sugerida por Ellen Page.
— Jason Reitman se fijó en Ellen Page tras ver Hard Candy. En las primeras escenas de la película, lleva una sudadera roja con capucha.

Premios:
— Oscar al Mejor Guión Original.

Nota: un ocho. Anímate a verla porque no te arrepentirás. Es una muy buena peli.

El fin del mundo y un despiadado país de las maravillas - Haruki Murakami

2012-01-04T10:28:00.000+01:00

Admitiendo mi ignorancia, diré que hasta hace un mes, aproximadamente, no había oído hablar nunca del señor Murakami ni de su obra, aunque juraría que «Tokio blues» —como título de algo— me sonaba. De pronto, en cambio, salió en una conversación con uno de mis profesores sobre «libros que se deberían leer» y al cabo de unos días me trajo este. Así descubrí a Murakami.

Y el descubrimiento difícilmente pudo ser mejor.

El fin del mundo y un despiadado país de las maravillas presenta dos historias alternas, dos mundos que, al principio, parecen completamente escindidos, pero que, desde luego, no lo están: los capítulos impares se sitúan en El despiadado país de las maravillas y los pares en El fin del mundo; y los personajes, punto importante, tanto protagonistas como secundarios, carecen de nombre: son el científico, la bibliotecaria, etc.

En El despiadado país de las maravillas el protagonista es un «calculador», que recibe una buena oferta de trabajo y aunque es muy extraña, el contratante es un científico muy raro y el ambiente que lo rodea a todo posee un toquecillo inquietante, la acepta. Inquietante, por cierto, hasta el punto de que se plantea que en el subsuelo habitan unas criaturas predadoras llamadas «tinieblos».

Aquí existen dos facciones: el Sistema y la Factoría. El Sistema es el gobierno, es la ley y el orden. «Son los buenos», dice el protagonista sin nombre en algún momento, aunque Murakami se esfuerza de verdad en que solo parezcan facciones neutrales. La Factoría es el adversario del Sistema, son caóticamente metódicos —para evitar que se puedan prevenir sus acciones—, aplicados, inteligentes y eficaces. Son los semióticos... y molan un capazo. Así de simple. Unos villanos fantásticos.

Esta parte tiene un interesante aire de ciencia ficción, mucha conversación sobre neurología y sobre el efecto de la tecnología en la gente, en sus vidas y en el orden de la sociedad.

En El fin del mundo el protagonista es un lector de sueños. Como a todos los habitantes que «llegan» al fin del mundo, una ciudad perfecta en la que todo tiene una explicación, se lo despoja de su sombra, que es la que guarda sus recuerdos y su corazón. Es necesario que esto sea así. El lector de sueños lleva a cabo su trabajo en la biblioteca, leyendo los sueños de otras personas, que se almacenan en los cráneos de las bestias que viven domesticadas al lado de la ciudad.

Este lugar consta de una ciudad amurallada que es cruzada por un río. Extramuros, pero pegado a la ciudad está el redil de las bestias. Las sombras permanecen recluidas hasta que mueren en la plaza de las sombras, custodiadas por El Guardián, la única persona que emplea la violencia o que puede llegar a albergar ciertos malos deseos. El resto del escenario es absolutamente bucólico y distópicamente feliz. Hola otra vez, señor Huxley.

Esta parte tiene un interesante aire de fantasía, mucha reflexión algo intimista sobre el alma (el corazón), la memoria... y la identidad de las sombras, así como de la definición de la persona, del individuo, como el conjunto de genotipo más experiencia, concretado en forma de recuerdos.

La narración es muy minuciosa y detallista. A veces, tal vez, en un ligero exceso; no obstante no llega a resultar cansina ni a saturar. En general es precisa, tal vez de forma algo exagerado en cuanto a las horas. Las extrañas teorías pseudocientíficas del libro (por supuesto, esto se centra más en El despiadado país de las maravillas) se explican casi todas, unas en mayor y otras en menor detalle; hasta un punto agradablemente cifi, sin caer en enormes parrafadas ni detalles técnicos. Un poco de ciencia, un poco de fantasía, lo mezclamos bien, ¡y ahí lo tenemos! Por lo demás, salvo una curiosa forma de tratar el sexo (el libro transmite una extraña obsesión por el pene, mucho más que por cualquier otra cosa, de hecho... bueno, tal vez la soledad esté a la par; sí, la soledad y el pene son los temas más recurrentes) todo resulta muy evocador. Me encanta, en concreto, el tratamiento sentimental (¿asentimental, quizá?) del protagonista, cómo se nos acerca a su extraña forma de ver el mundo, a su parcial modo de verlo. Desde el pánico ante los tinieblas, su interés por las gordas, su —a grandes rasgos— apatía vital y su facilidad de comprensión de cosas que, en esencia, lo superan. Fantástico. De verdad que sí.

A partir de aquí desvelaré detalles del argumento bastante avanzado, bajo vuestra cuenta y riesgo queda:
—Uno puede suponer más o menos rápidamente que los dos protagonistas, que esos sujetos que hablan en primera persona, son el mismo ser. O partes de un mismo ser, al menos. Aunque esta idea se me ocurrió en torno al primer tercio del libro, la verdad es que no lo tenía tan claro como para darlo por sentado. Esto se corresponde con la descripción del mundo consciente (el país de las maravillas) y del mundo inconsciente (el fin del mundo) del mismo individuo. La primera constatación evidente se produce, creo yo, cuando el calculador informa de que la contraseña para entrar en trance y hacer el shuffling es «El fin del mundo».
—Murakami hace un gran esfuerzo (y su traductora, Lourdes Porta, también) por diferenciar las partes, para que una sea mucho más organizada y metódica que la otra. El país de las maravillas es frío y artificial, pero es mecánico y constante. Los personajes, a decir verdad, me parecen más deshumanizados en ese lado 'consciente'; pero en el otro todo, aunque las cosas funcionan y no quede nada al aire o al azar, el funcionamiento es caótico, está mal hecho. «Lo hizo un mago».
—Tal vez uno de los mayores aciertos de la novela sea jugar, pues, con la figura del demiurgo. El fin del mundo, al fin y al cabo, es su subconsciente; es falso... pero es real. Le ha dado vida y, en realidad, se lo ha dado todo. Inconscientemente le ha dado «lógica» (se requiere mucho valor para decir que le ha dado lógica, pero bueno, hagamos como que sí). Una vez que sabemos eso, presenciar cómo se desenrolla la historia ante nuestros ojos, como los personajes que avanzaban a tientas empiezan a encontrar caminos sólidos que seguir... es una absoluta delicia.

Y aunque no creo que esto sea demasiado habitual en un libro, os dejo el tráiler, publicado por Tusquets (que fue quien lo trajo a España) en Vimeo:

Si os gusta la lectura, anotad el nombre de la editorial, porque ya le gustaría a muchas otras editoriales nacionales hacer un trabajo tan bueno. Los libros de Tusquets son caros, es cierto, pero leerlos es un placer.

Nota: 9. El fin del mundo y un despiadado país de las maravillas es una obra original y magníficamente construida. Y os la recomiendo encarecidamente.

La invención de Hugo - Martin Scorsese

2012-01-03T10:32:00.000+01:00

Tras la muerte de su padre, Hugo pasa a estar bajo en cuidado de su tío, un borracho que lo saca de la escuela y lo hace trabajar controlando los relojes de la estación de tren.
El mayor tesoro del niño es un cuaderno de su padre en el que se recogen las instrucciones para arreglar un viejo autómata. Sin embargo, el dueño de la tienda de juguetes de la estación se lo quita tras pillarlo robando las piezas que necesita.

He de decir que tras ver sus nominaciones y su trailer, me esperaba mucho más de Hugo. Es una película con un aspecto técnico y visual increíble pero que no acaba de convencer. No llegó a engancharme en ningún momento. Sin embargo, tiene muchas cosas buenas.

Los personajes:
— Hugo (Asa Butterfield): Hugo es un niño que ha pasado de tener una infancia feliz a ser acosado por un dóberman, tener un trabajo muy duro y tener que dejar la escuela. Su único consuelo es el tiempo que pasa arreglando el autómata.
— Inspector Gustav (Sacha Baron Cohen) : es el guardia de la estación de tren, acompañado siempre de su fiel dóberman. Se ha especializado en atrapar a los huérfanos que merodean por la estación y mandarlos al orfanato.
— Papa Georges (Ben Kingsley): el dueño de la tienda de juguetes de la estación.
— Isabelle (Chloë Grace Moretz): hija adoptiva de Papa Georges. Se hace gran amiga de Hugo.

En esta película, cada personaje cumple su cometido: Gustav es tan malvado como ridículo, Papa Georges es un hombre hosco y amargado e Isabelle es el gran apoyo de Hugo.

Los actores:

destaco, ante todo, a los niños. A Chöe ya la conocíamos de la divertida Kick Ass. Y desde luego ha seguido mejorando con el tiempo. En cuando a Asa, es el niño más adorable del mundo. Por si no te acuerdas de él, es el niño de «El niño con el pijama a rayas». Personalmente no sólo me parece un actor impresionante, es que además me parece encantador.

¿No es el niño más curriño que habéis visto?

Los efectos especiales:

vale, lee con atención: esta es la mejor parte. Nosotros la hemos visto en 2D porque no somos amigos del 3D y aún así ha sido impresionante. Los engranajes de los relojes, el autómata, los escenarios, la estación, la recreación de las películas de Papa George... solo por el aspecto visual, merece la pena dedicarle las dos horas que dura.

El guión:

digamos que podría estar bastante mejor. El personaje de Baron Cohen es el alivio cómico en una película bastante triste de base. Por desgracia, no es suficiente para hacer la película más entretenida. Falla el ritmo y falla, al final, el misterio. Supongo que, con el tiempo que le dedica al padre de Hugo, todos esperábamos que tuviese una relación más cercana con él, pero no es así.

Los decorados:

si te gusta el steampunk, esta es tu película. El autómata, la estación, las casas... todo tiene ese brillo que sólo da el vapor.

La música:
excelente en todo momento. Préstale atención porque te sorprenderá mucho.

Curiosidades:
— está basado en el libro The Invention of Hugo Cabret de Brian Selznick.
— Asa Batterfield hará de Ender en la adaptación al cine del libro El juego de Ender, de Orson Scott Card.

Nota: un 6. Es visualmente impresionante y tiene un reparto de lujo. Es una pena que el resultado no sea mejor. De todas formas, desde Palacio Onírico, te la recomendamos. Te dejo el trailer:

Otras obras de Scorsese:
— Uno de los nuestros
— El cabo de miedo.
— Gangs of New York.
— Shutter Island.
— Boardwalk Empire.

Los idus de Marzo - George Clooney

2012-01-02T11:43:00.001+01:00

Hoy os traigo una reseña de una de las candidatas a Mejor película dramática en los próximos Globos de Oro. Dirigida por George Clooney y guionizada por el propio Clooney, con la colaboración de Grant Heslov y de Beau Williams, que es el autor de la obra en la que se basa esta película.

No quiero que haya engaños a lo largo de la reseña. La película no es mala. Está bastante bien y Clooney consigue una seña en su rol de director a base de aplicar los mimos procedimientos. Consigue que la película tenga unas características reconocibles sin que parezca cutre.

¿Y de qué va?
Los idus de Marzo trata de cómo Stephen Meyers (Ryan Gosling) trabaja como director de comunicación para un candidato a la presidencia de los Estados Unidos, Mike Morris (George Clooney), y de cómo la trama se va enrevesando y acaba enfrentándose a un dilema que lo divide entre el éxito y la integridad.

Y pensaréis que no parece especialmente original. Y no, no lo es. La película es bastante normalita. Supongo que si no tuviera una nominación a mejor drama de 2011 nunca me hubiera molestar en verla, la verdad. Clooney nunca me ha apasionado como actor, aunque me gusten mucho varias películas que lo tienen en su reparto (O Brother, Los hombres que miraban fijamente a las cabras y Ocean's Eleven, por citar unos cuantos ejemplos), y desconfiaba un poco de su talento para la dirección, pero admito que no tengo demasiadas quejas sobre cómo ha decidido conducir la película.

¿Qué tiene de malo?
De malo tiene un ritmo que está completamente estancado. La película dura una hora y cuarenta minutos, y las tramas empiezan a resolverse a partir de la hora y cuarto. Hasta entonces se dedica a presentar las tramas. Es verdad que en la última media hora pasan muchas cosas, que la historia toma todas las variables abiertas, que es entretenido y que el producto final es... resultón; pero no creo que sea justificable dedicar más de dos tercios de la película a la introducción o, a lo sumo, a introducción mezclada con parte de desarrollo.

Podría intentar argumentarse que la película intenta huir del sencillo esquema de «planteamiento-desarrollo-desenlace», pero, personalmente, creo que sería una opinión equivocada. En esencia, quiebros y giros políticos aparte, la película es bastante sencilla e incluso el dilema es algo tosco. En cualquier caso, hasta el minuto 50 no hay ninguna duda; es pura presentación. 50 minutos de 100. A partir de aquí, hay entre 5 y 15 minutos de presentación-desarrollo de la que hablaba antes. Y luego, bajo una presión progresivamente mayor, todo se acerca alocadamente hasta el final.

Los puntos fuertes

El reparto:
Creo que Clooney tenía muy claros cuáles iban a ser los puntos a favor de su película. Para empezar, el reparto, que es excelente, incluyendo al magnífico Philip Seymour Hoffman (el criado del Gran Lebowsky y el protagonista de la extraña, peculiar y misteriosa Synechdoche, New York) que interpreta al jefe de campaña del candidato, para el que trabaja directamente el personaje de Ryan Gosling. Ryan lleva a cabo un papelón impresionante: el personaje sobrio, sin ánimo de comerse la pantalla destaca en unos largos (larguísimos, a veces) primeros planos y lentos acercamientos de la cámara desde una primera vista bastante alejada. Dice mucho sin, muchas veces, decir nada.

La temática:
La política siempre genera tensión, ya sea en una acalorada discusión de bar o en la intimidad de una sala de cine. Clooney lo sabía, así que calculó mucho qué decía y cómo. Para empezar, separa acertadamente la película de los republicanos y de los demócratas; aquí, como quien dice, hay mierda para todos. Prosigue por un alarde de triquiñuelas y mentiras y por alguna frase que, al menos, resulta llamativa. Hay una que, más o menos, dice: «Puedes declarar una guerra. Puedes romper la economía. Puedes mentir. Puedes poner los cuernos. Pero lo que no puedes hacer, es follarte a una ayudante». Dicho así, es una frase maravillosa. Políticos, votantes y su doble moral. Maravilloso.

Los puntos negativos

El ritmo:
La película no se soporta bien a sí mismo. Quizá afecte a esto —demasiado— el siguiente punto que voy a comentar, y no sea el ritmo en sí el punto negativo. La sensación que se me quedó, no obstante, es que en gran parte de la película no sucedía nada que, realmente, tuviese importancia para la trama, para el desarrollo del argumento o la psicología de sus personajes, que solo era relleno.

El romance:
Los idus de Marzo tiene un argumento central muy, muy claro; y las subtramas —simples, pobres, aburridas y poco interesantes— ahogan el pilar central. Uno no puede construir una intriga política decente y poner un romance aburrido y sin matices en medio... como para hacer tiempo. ¿Que luego tiene cierta importancia? Pues es verdad, pero es que también habría tenido importancia si no hubiera parecido completamente absurdo. Además, personalmente, me parece que hay química cero entre los 'amados'.

La grandilocuencia:
Y es que en gran parte de la película me pareció que Clooney pensaba que esta historia era la leche. Algo así como Cameron y su Avatar. Que lo estaba cambiando todo, que los fans del cine político iban a descubrir la piedra filosofal. Hay escenas en las que su grabación resulta ostentosa, en la que parece que intentan insinuar al espectador que acaba de presenciar un momento especial, un momento clave de la película. Quizá, sencillamente, no le cogí el punto a la historia, pero me pareció que Clooney creía que la historia era más profunda de lo que a mí me pareció.

Nota sobre el título: «los idus» eran días marcados del calendario romano, un día cada mes. Julio César fue traicionado y asesinado en los idus de Marzo. Sabiendo esto, puede quedar la duda de qué significa el final. A priori no parece lógico que el protagonista vaya a hundir —o a intentarlo— la carrera del candidato, técnicamente ya no tiene razones para hacerlo, pero la película tiene un título muy... evocador, ¿no? Que cada cual piense lo que quiere.

Premios:
—Por lo pronto, 4 nominaciones a los Globos de Oro: Mejor Película dramática, mejor director, mejor guión y mejor actor protagonista en una película dramática (Ryan Gosling).

Nota: 6. La película cumple. Sin más. Un gran reparto y un manejo aceptable de las tramas políticas la sostienen del lastre que suponen otros puntos.

Enlightened, HBO

2011-12-30T11:07:00.001+01:00

Había dos puntos principales por los que quería ver esta serie: HBO y Laura Dern, había un punto por el que me daba miedo, y era esta entrada de VayaTele. He de admitir que a mí, el piloto —que era lo único que había visto cuando leí esa reseña— me había encantado, pero confirmando los temores, resultó que el segundo capítulo me pareció bastante insulso. Y pensé, «pues a lo mejor sí que es mala...»

Alejándome de la opinión del señor Pastrana sobre la supremacía de la AMC (creo que todos sabéis que mi opinión sobre The Walking Dead es muy negativa así como considero que Mad Men hace tiempo que dejó de ser lo que era —y se convirtió en una serie de instituto bien grabada y con humo de tabaco y ambientación old style llena de ligoteos que ni me van ni me vienen— y que no fui capaz de seguir con la cuarta temporada de Breaking Bad porque me moría de aburrimiento) y similares, me centraré en el tema que me trae a esta reseña: Enlightened, creada por Laura Dern y Mike White para el canal de cable HBO.

Enlightened, que llegará a España bajo el título de Iluminata o de Iluminada —depende de si hacemos caso a El País o a IMDB— nos presenta a Amy Jellicoe y su vida esperpéntica. Amy es una mujer que se acostaba con su jefe y, de pronto, tras dejar de hacerlo, es cambiada de departamento, supone que para alejarla. Entonces, víctima de un ataque de ansiedad e ira, monta una escena algo tragicómica de gritos, lágrimas y rímel corrido, de uñas y dientes, de histeria y dolor y frustración y rencor. Van 3 minutos de serie y hemos tenido lo único —creo— que, a grandes rasgos y tónica general, uno puede tener el valor —o la desfachatez— de considerar comedia. Siendo, en cualquier caso, una escena de comicidad muy culpable, como los oscuros detalles risibles de la primera temporada de Breaking Bad, por poner otro ejemplo.

Enlightened es exagerada, sí, y dura 30 minutos, pero tiene muy poco de comedia (aparte de nominaciones a premios de esa categoría, vaya). Enlightened es una serie bastante crítica y ácida, pero es, ante todo, trágica. El tono a menudo reflexivo, con Laura Dern hablando de fondo con todo lo que «aprende» durante su terapia en Hawái tienen un toque de autoayuda, de autoconvencimiento, de new age y de ganas de cambio. De superación.

A su vuelta, Amy intenta recuperar su trabajo pero tiene que enfrentarse a todos los problemas derivados del espectáculo que lió, a la reticencia a volver a admitirla, así que tiene que recurrir a unas amenazas algo sutiles y muy en consonancia con lo que es —o eso cree— su arreglado carácter new age. Mientras su situación no mejora, de hecho, tendrá que vivir con su madre, Helen, que es una persona de, digamos, convivencia difícil.

Así, Amy empezará a trabajar en Congentiva, una rama de la empresa en la que están todos los raritos de la misma. Amy con sus libros de autoayuda, sus conchas de Hawái y sus recuerdos intentará arreglar, de algún modo su vida, mientras progresa e intenta no volver a hundirse. Su excesiva moralidad espiritual chocará de frente con el estilo empresarial y de ahí saldrán la mayoría de conflictos que guían el curso de la serie.

En cuanto a su forma, Enlightened retrata la locura. En el mundo del cine y la televisión hay cierta tendencia a unir los conceptos de locura y genialidad, como si una tuviera que aparecer para compensar la otra. Esta vez no, Amy Jellicoe es patética, penosa, ridícula. Es triste. Toda la serie es triste. Su vida es una mierda, ella flota a la deriva intentando convencerse de que es una persona nueva, de que ha superado todo lo que la desquiciaba. Cuán equivocada está. Amy es cargante, insoportable... y está loca.

Por esto, entre otras cosas, Enlightened no es una serie especialmente agradable. Los capítulos son una penuria, son absolutamente deprimentes, es verdad. Pero creo que la serie merece mucho la pena.

La actuación de Laura Dern es... épica. Es cierto. Se merece la nominación a mejor actriz que tiene para los Globos de Oro. El personaje es exagerado, sufrido y desquiciado, pero creo que Dern le da el punto necesario para hacerlo cercano y sincero y realista. Personalmente, he quedado gratamente sorprendido. Y me alegro por ella. ¡Suerte en los Globos, Laura! Me ha gustado mucho también, con su papel de friki asocial que interpreta Mike White (Tyler), el otro creador de la serie. Los otros personajes no me parecen tan memorables, Sarah Burns (Krista) cumple, por ejemplo; pero la verdad es que Luke Wilson (Levi) me parece absurdamente monótono. No lo aguanto, ni al personaje ni al actor.

Laura Dern y Mike White en una de las escenas de la serie.

Una gran dirección, que incluye dos capítulos dirigidos por el oscarizado Jonathan Demme, aunque no se queda atrás en los demás. Un gran manejo de la luz, del sonido y de la voz en off —aunque mucha gente, como casi todo lo relacionado con esta serie, la odia— configura una serie que, depresión aparte, me parece un gustazo absoluto.

Enlightened es, también, una de las series que mejor juega con la música propia, con las canciones hechas para ella. Genralmente piezas solo para piano (que a veces, y como máxima ornamentación, utilizan una voz ligeramente coral de fondo o un poco de cuerda fretada) que resultan fluidas, elegantes y que dan mucho juego. Además, las canciones no-originales, que suelen adornar los últimos segundos antes de la cortinilla de créditos finales suelen mezclarse a la perfección con el entorno. El apartado musical de esta serie es, sencillamente, una delicia.

Os dejo el tráiler, donde ya queda patente la histeria, la interpretación, la música y el juego que da la dirección. Me sorprende mucho la mala acogida de esta serie. De verdad:

Curiosidades:
—Helen Jellicoe, la madre de Amy, está interpretada por Diane Ladd, que es la verdadera madre de Laura Dern.

Premios:
—En espera de que se celebre la gala, está nominada al globo de oro a Mejor Comedia y al de mejor actriz de comedia. De comedia, sí.

Nota: 8. A mí es uno de los estrenos que más me ha gustado del año —menos que Juego de Tronos, todo sea dicho—, y junto a Homeland el que más me ha gustado del otoño estadounidense. No creo que sea una serie para todos los públicos, de hecho hay gente que la odia horriblemente, pero creo que, en conjunto es una serie muy sólida, siempre que no la idea no sea estirarla demasiado.

Otros entradas que podrían interesarte:
Homeland.
American Horror Story.

Estrenos 2011, seguimos viendo (III).
Estrenos 2011, seguimos viendo (II).
Estrenos 2011, seguimos viendo.

Estrenos 2011 que abandonamos (III).
Estrenos 2011 que abandonamos (II).
Estrenos 2011 que abandonamos (I).

Homeland - Showtime

2011-12-29T11:24:00.000+01:00

Homeland era en casi toda la red, la niña mimada de las quinielas otoñales. Todo el mundo estaba encantado. Yo empecé a verla como un mes tarde y al principio no entendí muy bien por qué levantaba esa pasión a su paso. Esta reseña, creo, no va a ser tan amable con la serie como casi todo lo que yo me he encontrado en mis páginas habituales... y es que Homeland —que está basada en una serie israelí, de Gideon Raff, que se llama Hatufim (aunque también se la conoce como Prisoner of war)— es una muy buena serie, es cierto, pero le cuesta mucho-mucho despegar y, aún así, tiene cosas demasiado importantes un poco cogidas por los pelos.

El sargento Brody vuelve de Irak, donde había estado prisionero durante 8 años y la opinión pública se vuelca en él. Ya es un héroe. Por supuesto, va a tener que lidiar con los problemas más esperables, como que su mujer está con otro (al menos no se ha vuelto a casar), su hija es una adolescente problemática y su hijo apenas lo recuerda porque es demasiado pequeño. Alejándonos del plano familiar nos encontramos con Carrie Mathison, una agente de la CIA que teme que el sargento Brody se haya pasado al enemigo y se haya puesto al servicio de Abu Nazir, un cabecilla de Al Qaeda debido a la información que le ha dado un confidente condenado a muerte.

Quiero empezar criticando lo lenta que es la serie en sus tres o cuatro primeros capítulos. Entiendo que están presentando todo, la situación, los personajes, lo sé; tenéis razón, pero también presentan las tetas y el culo de Baccarin una y otra vez (metraje cansino, menos mal que la mujer está buena, porque si no llega a atraerme en absoluto me habría hastiado; mención especial merece la escena en la que Baccarin se decide a cambiarse de ropa para aparecer desnuda, esa ya es casi humorística); y también ponen cada capítulo una intro de un minuto diez y, aproximadamente, dos minutos más de «en capítulos anteriores», lo que al término de la serie suma algo más de media hora. Nada desdeñable, creo yo.

La serie, en cualquier caso, está muy bien. El sexo es gratuito la mayor parte de las veces, sobre todo en lo concerniente a Baccarin. Dejo dos pruebas testimoniales, pero os aseguro que en la primera mitad de temporada no faltan ejemplos; luego, es verdad, la cosa se suaviza.

Esta es su escena de aparición en la serie.

Aquí podemos apreciar las formas de Baccarin. La verdad es que no tiene un cuerpo que me parezca súper atractivo, pero todo seguidor de Firefly quería verla sin ropa. Eso seguro.

Las dos imágenes están extraídas de Egotastic!

Cabe decir que las actrices están de buen ver (el actor protagonista, en mi absoluta ignorancia, me parece más bien feo; si alguna mujer quiere exponer mi absoluto error, adelante, los comentarios están a vuestra disposición), así que aunque, gratuita, al menos supone una alegría para quienes nos sintamos atraídos por las mujeres.

Las actuaciones —sobre todo las de Claire Danes (¡que es la estrella de Stardust!) y Damian Lewis (Winters en Hermanos de Sangre)— son de lo mejorcito de la temporada (junto a la increíble Laura Dern haciendo de psicótica en Enlightened, la única que, en mi opinión, hace frente a la asombrosa Claire Danes en Homeland), y tiene seguramente el mejor papel de televisión que le he visto a Mandy Patinkin, muy en su línea seria, de mentor si queréis, pero perseguido por sus propios demonios, el fracaso —o el miedo a él— familiar, su tensa relación laboral-personal con Carrie. Un lujo.

Los personajes:
Nicholas Brody: por un lado tiene que enfrentarse a su resituación en una familia que, siendo realistas, ha evolucionado sin él. Sobre todo al principio, Nicholas Brody es una pieza que no encaja, un alma violenta y torturada, triste y perdida. Las dudas que Carrie tiene sobre él hacen que el espectador esté más pendiente de cada una de sus acciones, que las evalúe, las juzgue y las intente incluir en un todo que tenga sentido.
Carrie es un personaje que combina la locura y la genialidad a partes iguales. Se salta la ley y la moral si cree que debe hacerlo, tiene brotes psicóticos que requiere tratamiento... pero es un genio. El cine y la televisión tienden a unir mucho ambos conceptos (creo que fue una de las razones por las que sentí un cariño casi inmediato por Enlightened, donde se nos presenta una locura mucho más real y próxima, triste y patética). En cualquier caso, Carrie es uno de los personajes más carismáticos que vais a ver este año. Así de claro, señores.

Brody, Carrie y Saul. Grandes.

Los secundarios están muy bien y, además, tienen actores asociados muy adecuados. La mujer y los hijos de Brody, por ejemplo, y el drama familiar que viven, Saul (Patinkin), Estes, Walker... no todos los papeles son igual de exigentes, pero sí que todas las elecciones son igual de acertadas. Un gran casting. Sin duda.

He de reconocer que me gusta especialmente cómo se va desvelando la información que nos permite discernir la posición de Brody en todo este asunto; aunque no me parece demasiado justificada. ¿De verdad? He de creer que un poco de síndrome de Estocolmo y un niño muerto cambian por completo al personaje. No sé, yo es que no soy capaz de creérmelo, de hacer suspensión de la incredulidad o de tener fe suficiente en la maleabilidad psicológica de las personas; pero algo me falla ahí. Me parece injustificable que Brody, en sus circunstancias, evolucione así. Es que no me lo creo y, en realidad, eso sí estropeó parte de mis impresiones sobre la serie.

En general, cabe decir, Homeland juega muy bien con las escenas, con las cámaras y bastante bien con el maquillaje y la luz. Juega bastante bien con la música, que aunque no suele ser demasiado protagonista de las escenas, es un gran acompañamiento.

Mi escena favorita:
—El final del capítulo 11. La música de viento metal y piano subiendo de volumen mientras los gritos descienden hasta que los cubre por completo y, presas de los nervios, los personajes se siguen moviendo frenéticamente, ya de forma muda, y aparece la cortinilla de créditos final. Perfecto.

El final:
—Por lo que vi en internet, a mucha gente pareció molestarle cantidad que el chaleco no explotase. Es cierto que estropea absolutamente el clímax, y que probablemente, si la serie tuviese 13 episodios, se podría haber hecho un final realmente épico, increíble, inesperado. Brutal. Showtime, que sigue estirando Weeds de mala manera, y que vio que Homeland había calado verdaderamente entre el público, supongo que no estaba por la labor de acelerar el final de la serie. No obstante, a pesar de que la escena, y yo también lo creo, rompe un poco el dinamismo y la tensión... desvía el vector de la fuerza que mueve la serie, también genera uno de los momentos más increíbles que le he visto a Damian Lewis. ¡Qué tensión, qué dramatismo! ¡Dioses! Una escena épica, en serio.

El capítulo 9:
Quiero destacar este capítulo aparte del resto de la reseña, porque, sinceramente, opino que es INMUNDO. En este capítulo falla prácticamente todo. Por un lado, la parte de Tom en el bosque resulta miserablemente predecible, aburrida, y encima se estira algo innecesariamente; por otro, los flashback de Brody son horribles, tediosos y estúpidamente sentimentaloides. ¿Ese es el gran as en la manga para explicar el cambio de Brody? ¿En serio? Es que entonces Brody se merece el cautiverio y la tortura. He dicho. La escena en la que cae la bandeja y Brody se echa las culpas me pareció digna de Crepúsculo, sinceramente. ¿Y el momento en que Aisha —el niño— canta una canción que le enseñó Brody, y se despiden como padre e hijo antes de que el niño reviente en cachitos? ¡Qué poco forzado! Ningún espectador va a pensar que es un recurso guionístico digno de la temporada más estirada e irrelevante de una serie de FOX, ¡vamos!

Nota: 8. Yo creo que el principio le pasa factura, la serie tarda —considero— demasiado en mostrar sus cartas, no soy capaz de creerme lo que se supone que le pasa a Brody y, sí, soy de los que esperaban (deseaban) un final mucho más contundente, más claro y más rompemos-con-todo-porque-nos-da-igual. Pero sacando eso, que sepáis que os encontráis ante una de las series del otoño. Intensa, interesante, y con unos personajes y un reparto magníficos. No obstante, si hubiesen tenido el valor de guiarla correctamente y hacer una gran serie de una única temporada, nos encontraríamos, creo, ante una obra maestra.

Boardwalk Empire (2º temporada)

2011-12-28T10:51:00.000+01:00

La primera temporada de Boardwalk Empire dejó a Nucky Thompson asediado por sus enemigos: el Comodoro unido a Eli y a Jimmy, la fiscalía pisándole los talones... el cerco se estrecha y empieza a amenazar al hasta ahora, dueño y señor de Atlantic City.

Aviso, a partir de aquí hay spoilers. Uno tras otro. La que avisa no es traidora :P

Hay mucho, muchísimo que decir sobre esta nueva temporada. Lo más importante: los guionistas al fin han solucionado uno de los grandes problemas de la anterior: la gran cantidad de tramas y personajes. Lo han solucionado a tiros. Si te has encariñado con algún personaje, asume que puede morir en cualquier momento.
Sin embargo, también creo que se han creado un problema nuevo y es que la evolución de algunos personajes, como Margaret, no ha sido todo lo creíble que esperábamos.

Empecemos hablando de la evolución de los personajes:
Nucky Thompson (Steve Buscemi): el rey de las máscaras y el disfraz. ¿Quién es Enoch Thompson? ¿El hombre enamorado que trata de defender a su familia? ¿El alma en busca de salvación? ¿El corrupto dispuesto a todo? ¿El que afronta su juicio con tranquilidad o el que teme ir a la cárcel?
Margaret (Kelly Macdonald): si recuerdas la temporada anterior, Margaret era una mujer entera, inteligente y admirable. Un personaje femenino que brillaba con luz propia, maravillosa. En la segunda temporada hizo lo que mejor se le da, actuar con inteligencia, rapidez y frialdad. Simplemente, lo mejor que podría tener Nucky. Y así lo fue hasta los últimos cuatro capítulo de la temporada. Lo que han hecho con este personaje es un sinsentido. Tal cual. Margaret pasa a ser insoportable, a hacer actos sin sentido que atacan sus propios intereses y a, simplemente, resultar odiosa.
Nelson (Michael Corbett Shannon): tras su noche loca con Lucy, Nelson acepta las consecuencias de sus actos y decide que él y su esposa se harán cargo del hijo que tendrá con Lucy. Por desgracia para él, la señora Van Alden no recibe con agrado al noticia, pidiendo el divorcio. Nelson, que acaba la temporada alejado de Atlantic City, viviendo lo que promete ser una vida tranquila, puede que sea el personaje con el final más feliz de toda la serie.
Lucy (Paz de la Huerta): he echado mucho de menos a este personaje. Es cierto que sigue apareciendo pero no todo lo que me gustaría. En esta segunda temporada vemos a una Lucy amargada por su embarazo, desquiciada por el contrato que ha contraído con Nelson.
Jimmy (Michael Pitt): a lo largo de la temporada Jimmy pierde una capa tras otra hasta que toda su historia, motivaciones, virtudes y defectos quedan al descubierto. Al fin descubrimos que la impaciencia, su peor característica, es inherente a su personalidad, se nos muestra qué le impulsó a irse a la guerra, los entresijos de su relación con Ángela... aún así, admito que sigo sin soportarlo y que me alegro enormemente de su muerte. Gracias Jimmy por abandonarnos con una escena tan gloriosa.
Gillian Darmody (Gretchen Mol): una de mis arpías favoritas. Porque si hay algo que nadie duda sobre esta mujer es que una víbora. A la digna altura del Comodoro o Nucky. Sonriente y encantadora mientras empuja a todo el que puede a dónde más le conviene. Su gran escena es cuando recrimina a un Comodoro convaleciente la forma en la que la violó. Cómo lo castiga, cómo lo odia.
En esta segunda temporada descubrimos a una mujer con profundos traumas, que se siente muy sola y con grandes deseos de venganza. Sin duda, gran escena, gran personaje y gran interpretación.

Richard Harrow (Jack Huston): en la temporada pasada no te hablé de este personaje porque, a pesar de lo carismático que es, para mi no pasaba de ser el matón de Jimmy. Ahora, al tener este una situación mucho más elevada dentro de la jerarquía de la ciudad, pasa a ser su inseparable socio. De todos los personajes de la serie, Richard es el más adorable. Verlo haciendo un álbum de recortes con estampas de familia, o cómo considera a Jimmy el hombre más afortunado del mundo, su frustración porque ve imposible conseguir esa misma felicidad para sí, su depresión... Tras el desastre que han hecho con Margaret, espero tener una buena ración de mi nuevo personaje favorito en la tercera temporada.

Hay pocos personajes nuevos, pero voy a hablaros brevemente de ellos:
Owen Sleater (Charlie Cox): al ver sus suministros de alcohol muy mermados por el frente del Comodoro, Nucky empieza a financiar al IRA dando armas a cambio de whiskey. El IRA le proporciona a Owen, el chico que tomará el puesto de Jimmy como chico de los recados.
Vale, lo admito. No me gusta nuevo-Jimmy. Creo que sólo lo han puesto para hacer caer a Margaret y poco más.
Manny Horvitz (William Forsythe): comerciante judío que tiene negocias con Jimmy. Cuando este lo traiciona, no duda en poner todo de su parte para hacerlo caer.
Esther Randolph (Julianne Nicholson): es la fiscal encargada del caso de Nucky. Una mujer fuerte, sin miedo a Nucky y que hará todo lo posible por encerrarlo. Por si te lo estás preguntando, sí, sustituye a Margaret como mujer molona de la serie.

Los actores:
gracias, mil gracias Michael Pitt por haberte esforzado tanto en mejorar tu interpretación y hacer así más soportable a tu personaje. Y con esto no estoy diciendo que ahora sea un buen actor, que no lo es. Pero ha mejorado muchísimo.
En cuanto a los nuevos, el premio se lo lleva William Forsythe, ¡qué gran actor! Sin dejar atrás a Jack Huston, quién también merece ser mencionado.

El guión:
un gran aplauso para los guionistas. Se nota que han intentado esquivar errores pasados y dar a la serie un ritmo más rápido. Lo han hecho y el resultado ha sido más que notable.
Los pequeños fallos que puedo verle son el desarrollo de Margaret y la trama del IRA, que creo que han aprovechado más bien poco. Tampoco me gustó demasiado el incesto protagonizado por Jimmy y Gillian. Entiendo que sí tenían una relación extraña y que se podía intuir algo del estilo pero me ha parecido innecesario y prescindible.
Y ahora que han matado a la mayor parte de los protagonistas, me intriga muchísimo cuáles van a ser los siguientes pasos.

Albos y yo especulamos mucho acerca de cómo sería la segunda temporada. Acertamos y nos equivocamos a partes iguales:
Acierto:
— apostábamos por sacar al Comodoro de escena para que Jimmy pudiese lucirse.
Errores:
— pensábamos que Jimmy moriría a manos del maravilloso Richard Harrow. No fue así.

Momentazos:
— Gillian encarándose a un Comodoro convaleciente. Me pone la piel de gallina el dolor y la desesperación que desprende esta escena.

— La reunión de Nucky, Torrio y Arnold Rothstein. Me encanta el tono condescendiente con el que hablan de sus descarriados subordinados.
— Muerte de Jimmy. Indiscutiblemente, una de las mejores escenas que he visto en una serie. La mano temblorosa de Nucky, el tono calmado de Jimmy, el peso de cada palabra, de cada frase...

— Las muñecas de Emily quemándose mientras la niña lucha por su vida en el hospital. Melancolía y tristeza en estado puro.
— Margaret tumbada en una cama del hospital abrazada a Emily. Preciosa, triste y enternecedora, todo a la vez.

Dirección:
querido Tim Van Patten, sé que te gustan las vísceras y la sangre,. Pero ya vale, cada vez que veo que diriges un capítulo me queda claro que voy a tener una ración extra de sesos, tripas, desmenbramientos y demás familia. Hay un límite entre ser realista y ser innecesariamente desagradable. Ya vale de cabezas destrozadas a hachazos.
Ahora en un tono más serio, la dirección de esta serie, sobre todo de los últimos capítulos es maravillosa. Si te gusta fijarte en este tema en concreto, disfrutarás tanto como yo.

No me voy a repetir hablándote de nuevo de los decorados, maquillaje, efectos especiales... son los mismos que en la primera temporada, cuya reseña puedes leer aquí.

Nota: un 9.

Otras reseñas que tal vez te interesen:
— Boardwalk Empire, primera temporada.

American Horror Story - FX

2011-12-27T10:46:00.002+01:00

Esta serie ha sido una de las grandes novedades del otoño estadounidense en cuanto a televisión se refiere. El nombre de Ryan Murphy, tras 100 capítulos de Nip/Tuck y la emisión de la tercera temporada de Glee, ya decía bastante; el ambiente de la nueva serie, decía el resto.

Y es que American Horror Story difícilmente podía empezar mejor. De entrada nos encontrábamos con la espeluznante música, la tétrica casa y el oscuro ambiente que lo rodea a todo; luego ante el gran reparto, encabezado por Dylan McDermott y Connie Britton, que llevan a cabo un trabajo impresionante y ante la sencilla historia plagada de tópicos sobre la que se construirá la serie. American no pretende innovar, pretende coger todo lo que hace reconocible a las historias de terror clásicas, batirlas bien, y dar un producto capaz de rivalizar con esas obras de terror a las que alude.

Así, esta obra de Ryan Murphy y Brad Falchuk huye de modernismos y de abrir demasiadas tramas. Prefiere, en cambio, situar el argumento en una casa embrujada, con una serie de personajes esperpénticos que pululan por o alrededor de ella, con mucho humo, sexo y bajeza humana.

Argumento:

Vivien Harmon (Connie Britton) descubre a su marido, Ben (Dylan McDermott), poniéndole los cuernos y en un intento de arreglar la situación de su familia, ellos y su hija (Taissa Farmiga), una adolescente depresiva, se mudan a una casa en Los Angeles. A partir de ese momento, se inicia una verdadera serie de catastróficas desdichas sobrenaturales... y todo empieza a ponerse difícil. Difícil de verdad.

Constance, su nueva vecina (una fantástica Jessica Lange), y su enferma de síndrome de Down hija Adelaide (Jamie Brewer) comienzan a colarse en la vida de los Harmon, así como en su casa; tanto como la propia criada de la casa, Moira (interpretada tanto por Frances Conroy, una actriz siempre impresionante; como por Alexandra Breckenridge, dependiendo de quién la está viendo). Además, por si esto fuera poco, está Tate, interpretado por un increíble Evan Peters. Sin duda, este chico, es uno de mis descubrimientos del año, menudo pedazo de actuación.

Y dejemos el argumento aquí, porque American, como muchas otras obras del estilo, mejoran sabiendo lo menos posible sobre ellas.

Los personajes están bastante cuidados, sobre todo en los primeros capítulos; cuando todo se va centrando. Y vemos, con especial detalle, como sus historias se empiezan a entrecruzar con la de la casa. Desde el loco y despiadado Tate, hasta el mezquino y mentiroso Ben, pasando por la sufridora y siempre dolida Vivien, por las extrañas e inquietantes vecinas (tanto la madre como la hija)... todas las historias tienen su toque horrible, lo que al principio contribuye a una marea de pequeñas tramas con las que se podrían llenar capítulos, pero todas a la vez, llegando y mezclándose en la casa. Un batido de horror y miseria humana para llevar.

La luz y la música juegan un papel fundamental en la serie. A menudo se juega con las sombras, con la luz del fuego o la luz eléctrica suave y no demasiada cercana. La verdad es que mantienen el tono a la perfección durante toda la temporada, lo cual es de agradecer. American Horror Story, es, sobre todo, el tono de lo que nos cuentan. Y en la primera mitad de la temporada, lo directa que es la serie, lo brutal, lo sexual, lo desagradable y oscura que es, está combinado a la perfección.

Lamentablemente, American Horror Story camina por una cuerda floja terrible, la que a un lado hace caer en el misterio horrorífico y al otro se abre al absurdo y a los exagerados meandros narrativos; y si bien durante los primeros 6 o 7 capítulos, Murphy y Falchuk consiguen mantener a su nuevo engendro en el lado correcto; la segunda mitad de la temporada empieza perdiendo fuelle y acaba convirtiendo la historia en un rocambolesco lío de situaciones que, personalmente, me hicieron estar a punto de dejarla en el capítulo 9. Y solo el hecho de tratarse de una serie de 12 capítulos me animó a darle fin.

Y no, el final no le dio alas, ni mucho menos. American Horror Story me sigue pareciendo una serie valiente que va a por un terreno que parece rehuirse en televisión y aunque al principio lo hace bien, y más que bien, incluso; acaba sepultada por el propio peso de la pobre resolución de un montón de subtramas abiertas. Una verdadera lástima.

Lo mejor de la serie, en mi opinión (y no puedo evitar destacarlo), es la intro. La música, la horrible secuencia de imágenes, la forma en la que aparecen los nombres de los actores y de los creadores... ¡todo es genial! Espero que los Emmy sepan reconocérselo. La intro y el tratamiento de ciertos temas: como el sexo, la infidelidad, el miedo y las discusiones de pareja; quizá no sean los temas que uno espera como posibles 'puntos a tener en cuenta' en una historia de terror, pero lo crudo y violento de algunos momentos, unidos al grandioso trabajo de los actores, hacen que se palpe la tensión y, casi, que se huela la ira y el desastre.

Siento que el mejor vídeo que he encontrado, este en imagen reflejada.

No obstante, y esto es así, por momentos —sobre todo en cuanto a Moira (la joven) se refiere— el sexo llega a rozar extremos de peculiar gratuidad. Entiendo que sea un personaje zorresco y sensual, pero perdí la cuenta de las veces que le lucieron el culo o se la vio en actitud sexual, incluyendo una escena lésbica.

Bueno, y de lo mejor también, este cartel:

Nota: 6,5. Para mí, esta serie es lo que pudo ser y no fue. Si os apetece ver una historia de terror, tiene un principio que creo que os gustará muy fácilmente; pero si queréis una serie que mantenga su calidad y seriedad hasta el final... no os encontráis ante el producto acertado. Y, con todo, aunque solo sea por sus primeros capítulos, creo que se merece un vistazo.

Otras series de Ryan Murphy:

Glee.

Esfera - Michael Crichton

2011-12-26T10:23:00.000+01:00

Esfera es un libro del año 87. Me lo regalaronen Julio del 98, cuando tenía 11 años (tantos como el libro) y lo devoré sinpausa. Crichton ya me gustaba mucho de unos cuantos libros que me había leídoantes, pero Esfera fue, en su momento, el que más me gustó del autor. Y puedeque el que más me hubiera gustado hasta la fecha.

He buscado una imagen que entrase lo menos posible en el argumento por descubrir.

En esta relectura, 13 años después, el librosigue pareciéndome genial. En su género, claro. Esfera se divide (como otrasobras de Crichton) en cuatro capítulos: presentación de personajes,presentación del problema, trato con el problema y resolución (a la cabeza meviene Presa, que lo leí hace no mucho, donde este esquema encaja casi almilímetro).

En elocéano.

Corresponde a la presentación de personajes.Norman Johnson es un psicólogo que trabaja para la FAA tratando a lossupervivientes de accidentes aéreos de sus traumas y demás. Un día lo llaman dela Armada de los Estados Unidos porque un avión se ha estrellado en elPacífico, cerca de Fidji y allá va él. Es 1 de Julio, y llega al lugar amediados del 2, tras 15 horas de vuelos casi ininterrumpidos. ¿Y qué lo recibeallí? Una pequeña flota de barcos perdidos en mitad de ninguna parte.

Esa flotilla está sobre una recién descubiertanave espacial extraterrestre, y para su investigación se ha elegido a un grupode investigadores en base a un trabajo que el propio Norman hizo hace unoscuantos años porque se lo pagaban bien y quería comprarse una casa, el FDV, queexponía cómo podía lidiarse con la aparición de una especie extraterrestre. Elgrupo lo forman: Beth Alpern (zoóloga), Harry Adams(matemático), TedFieding(astrofísico) y Arthur Levine (biólogo marino). Este último personaje,por angustia a la estancia submarina ya no llega a descender.

En loprofundo.

El equipo científico, acompañado del equipomilitar formado por el propio Barnes, en calidad de comandante, Jane Edmundscomo técnica de procesamiento, Tina Chan como técnica en electrónica, AliceFletcher como jefe de apoyo del habitáculo Satprof y Rose C. Levy como apoyodel habitáculo, descienden hasta el habitáculo submarino, el DH-8. Unaconstrucción de 5 cilindros grandes(separados por funcionalidad) unidos por pasarelas cerradas. Cerca se encuentrala gigantesca nave varada. Entre ambos solo se interponen unos cuantos metrosde oscuro océano libre de vida a 300m de profundidad.

La exploración de la nave hasta el hallazgo dela esfera es interesante y si uno ha ido atando las pistas puede que resulteevidente (cuando leí el libro la primera vez no me di cuenta, la verdad; peropuede que ahora, con mucha más cifi a mis espaldas si hubiera pensado algoparecido). Después, tras el encuentro con la esfera... todo se precipita.

Por un lado tenemos el momentocontacto/volcado de memoria interna, al que se le van dando vueltas y vueltashasta el final del capítulo, la entrada en la esfera, el hallazgo de múltiplesformas de vida, la cada vez más extraña actitud de Harry Adams y las cada vezmás evidentes mentiras de Barnes; por otro tenemos el misterio que en todomomento rodean a ese misterioso objeto, a ese «algo de otro planeta».

Elmonstruo

Para el lector es, o melo parece, al menos, bastante evidente en todo momento que el grupo se enfrentaa algo, algo que aún no comprenden o que no abarcan, pero algo... que existe,que está ahí, quizá tan curioso como los propios habitantes del DH-8.

Y a partir de estemomento, sobre todo a partir del momento en que Harry consigue acceder a laEsfera y la criatura que había en su interior intenta comunicarse con el equipodel habitáculo, lo que pasa todavía a finales del anterior capítulo, nosencontramos directamente sumidos en el trato con el problema, en el trato conJerry, un sujeto al que Norman describe como poseedor de una tipologíapsicológica «Niño-Rey», caprichoso e incapaz de entender que sus deseos puedanno ser satisfechos.

El poder

Este capítulo parte de laexplicación de los fenómenos del capítulo anterior —siempre dentro del encuadrefantástico-cifi de la novela, por supuesto—, se toman las medidas oportunas yse asiste a la cuenta atrás hasta el rescate. La mejor parte del libro, enrealidad, ya ha pasado; pero la sensación de agobio crece y crece según vandescontándose los minutos y, en general, refuerza la sensación de claustrofobiadel DH-8.

«00032125252632 032629 301321 04261037»

Los personajes.

Norman: el psicólogo del grupo es el másneutral y, en muchos aspectos, maduro del grupo. No solo por su edad, lleva 20años a varios miembros del grupo, sino, por supuesto, por su actitud. En lamayor parte de ocasiones es el personaje que da la voz de la sensatez (que nonecesariamente de la inteligencia).

Harry: es el matemático y el experto en lógica,y otra cosa no, pero el tipo es un portento. Arrogante y algo hostil pormomentos es la pieza de la que dependen todos los demás durante la mayor partede la investigación de la nave y, por momentos, parece demasiado por encima delresto, lo que deja, por otra parte, alguno de los momentos más hilarantes dellibro (y no son pocos). Tras su entrada en laesfera, su actitud se vuelve, en palabras de Norman y de Ted, en la de unmaníaco.

Beth: es la zoóloga del grupo y es una mujerfuerte, voluntariosa e impulsiva. Entra un poco en el estereotipo de mujer deCrichton, y, en menor medida (un poco cogido con pinzas, puede ser) a la esposadel protagonista de Presa, aunque ahí el caso es, y lo acepto, bastantedistinto. Beth es una persona ansiosa cuyo mayor enemigo es la presión nerviosaa la que se somete de forma algo tortuosa, pero es un personaje carismático.

Ted: el astrofísico está traumatizado con suedad. Ronda los 40 y aún no ha hecho ningún gran aportación a la ciencia.Envidia, muy claramente a Harry y tiene alguna que otra disputa con él (losiento, Teddy, no le llegabas ni a la suela de los zapatos, no sé cómo osaste);Crichton lo usa para dar alguna que otra explicación sencillota de algúnconcepto cifi (o ciencia tendiendo a la ficción, en el más optimista -friki- delos casos). Largas parrafadas y detalles triviales sobre cualquier tema acabande completar al personaje.

Barnes: el comandante de la expedición tieneuna misión asignada y la quiere llevar adelante a toda costa, haya que mentir aquien haya que mentir; haya que dejar morir a quienhaya que dejar morir. El bien de muchos... o sencillamente el deber, avuestra elección queda. Su trama de mentiras, enrealidad, empieza desde el primer momento, aunque empieza a desvelarse en tornoa la mitad del libro.

De algún modo, aunque no suela destacar estascosas, debo decir que el narrador se parece mucho a Norman. En realidad es untercera persona omnisciente completamente normal, pero como Norman se detienetantas veces a analizar las respuestas de la gente, a describir sus actitudes ydemás, no puedo dejar de pensar que resultan incómodamente parecidos.Incómodamente, al menos, para tratarse de sujetos distintos.

Admito que siempre me cayó en gracia el detalledel código escrito, me pregunto si habría llegado a descifrar algo si megustasen tanto esas cosas como para dedicarles un tiempo. Una vez explicado, almenos, parece absurdamente sencillo; pero la verdad es que no estoy tan segurode que hubiera sido capaz de velrlo. Por otra parte, me gusta también cómo ledan vueltas al mensaje una y otra vez, cómo una inteligencia completamentedistinta intenta comunicarse con otro usando una herramienta común.

Otro punto que me encanta es el tratamiento dela psicología, desde gente neutral pero que cree en ella, gente pro- y genteantipsicología; la novela consigue, por momentos, que la trama gire en torno ala importancia —o falta de ella— que tiene. En ese aspecto, las discusionesentre Ted y Norman —si es que se puede decir que este último discute— dan lugara algunas frases —pensamientos— entre graciosos y mordaces.

El capítulo final, en realidad, me deja sinsaber muy bien qué decir. Por una parte... pasan demasiadas cosas, la sensaciónde opresión constante, en la que parece que nunca se acabarán los problemas,pese a que cada vez queda menos tiempo es casi loable; pero también he de decirque parte de esos problemas aparecen de forma algo forzada y empañan un poco eldesarrollo. Está bien, en el sentido de que es tenso e imprevisible; pero meparece que prefiero los desarrollos algo más... normales. No obstante, el final-final del libro (0000 horas) me parece elegante y consecuente; es el que considero el único final válido para el libro, y me encanta. Además, creo que juega un poco a dejar un hilo abierto, en mano de Beth, de quien no se nos deja tan claro que haya... superado todo. Los que lo hayan leído supongo que entenderán a qué me refiero.

La traducción, de Daniel R. Yagolkowski, esbastante mala. Supongo que, en esencia, cuenta la historia como es, aunque algunas de las referencias al código quedan directamente HORRIBLES, cuando unas veces serefiere en inglés y otras en castellano en el mismo párrafo. No sé hasta qué punto sería mucho pedir, pero a mí me habría encantado que reescribiese el código según la fórmula que se explica en el mismo capítulo. La redacción, que es bastante antinatural —incluyendo algunos calcos brutales y despiadados como «tópicos» en lugar de «temas»— y algún que otro falso amigo —entre los que destaca un falso «eventualmente»— entorpecen y afean la lectura; además de alguna que otra estructura incorrecta y de otras que, sencillamente, no suenan a verdadera conversación en castellano:
«—¿Dónde está Tina?
—Tiene que hallarse con Barnes.»
¿En serio? ¿Tiene que hallarse? Quizá sean giros de algún país sudamericano, no lo sé; pero la sensación... rara, rara, oigan.

Nota: 8,5. Dentro de su estilo de thriller novelesco con toques cifi es,sencillamente, genial. Es una historia rápida y concisa, con descripciones bienhechas —no bien escritas en castellano, ¿eh? Me refiero a que transmiten lasensación de que todo estaba bien pensado y todo lo que está en el lugar espresentado de antemano para que se puedan hacer cábalas—, con personajescarismáticos y bien tratados. En mi opinión... flaquea el final y la forma detratar algunas cosas, pero me atrevería a decir que, sencillamente, «eran losaños 80». Os lo recomiendo sin dudar.

Otras novelas de Michael Crichton:

Latitudes piratas Nota 5,5.

Presa Nota: 9.
El gran robo del tren Nota: 8.

Películas de sus libros:
El gran robo del tren.
Jurassic Park.

Estrenos 2011 que abandonamos (III)

2011-12-23T10:12:00.000+01:00

Empiezo a escribir este post tras lo que Albos y yo hemos bautizado como «el miércoles negro». No hemos seguido viendo ninguna de las series que empezamos ese día, todas horribles. Como además tengo que hablarte de algunas más, dividiré este post en dos categorías:

Las procedimentales:
parece que cada cadena tiene que sacar la suya propia. Este año se han peleado a ver quién sacaba la peor.

Person of interest:
tras el 11S, Finch (Michael Emerson) un misterioso millonario, desarrolla un programa para el gobierno de los Estados Unidos. Dicho programa usa las cámaras de seguridad de las calles, llamadas telefónicas y demás sistemas de seguridad para predecir ataques terroristas. El volumen de información es tal que se ve obligado a hacer una criba con los crímenes relevantes para la lucha antiterrorista y los que no lo son. Abrumado por la cantidad de delitos en los que no puede intervenir, crea un puerta trasera en el programa. De esta forma, recibe el número de la seguridad social de una persona relacionada con un homicidio.

En su favor diré que fue la que más tardamos en abandonar. Supongo que nos habían hablado tan bien de ella que teníamos la esperanza de que mejorase en algún momentos. No fue así.
Contras de esta serie:
— podría molar pero los guionistas se ocupan de que esto no pase en ningún momento.
— La explicación de como encuentran a los sujetos es estúpida.
— Los protagonistas son, dentro de su estilo, prototípicos. Tenemos al friki torturado y lisiado y al chico duro con buenos sentimientos. Y ya, ves que no van a tener más profundidad ni a dar más de sí. En ningún momento quise saber más de sus historias personales.
— Demasiadas veces las coreografías de las peleas están rodadas de forma confusa.
Nota: un 3. Aguantamos hasta el capítulo 5.

A gifted man:
Michael (Patrick Wilson) es un cotizado neurocirujano entregado a su trabajo en una lujosa y exclusiva clínica privada. Su vida empieza a cambiar cuando Anna, su ex-mujer, aparece en la ciudad. Tras una agradable cena juntos, Michael se despierta con la desagradable noticia de que Anna lleva semanas muerta. El fantasma de su ex-mujer lo empujará a colaborar con una clínica que se ocupa de la gente más pobre de Nueva York.

Ante todo, originalidad cero. Ya hemos visto muchas veces un hombre adinerado que empieza a ayudar a los pobres tras la muerte de un ser querido. Puedes añadirle un fantasma y ya está. No es especialmente mala ni aburrida pero es que no nos aportaba nada. Si se hubiese estrenado en otro año, tal vez
Nota: un 5. Le falta frescura.

Prime suspect:
La detective Jane Timoney (Maria Bello) se acaba de incorporar al Departamento de Homicidios de la ciudad de Nueva York. A pesar de haber conseguido el puesto por méritos propios tiene que luchar para conseguir casos y hacer frente a los comentarios y desplantes de sus compañeros masculinos.

No es una serie brillante pero si no la hubiesen cancelado, sería nuestra candidata a procedimental del año. Los casos son interesantes, tiene buenos actores un guión que refleja los problemas de una mujer policía en un departamento lleno de hombres... una serie bastante sólida. Pero como ya he dicho, ha sido cancelada.
Nota: un 6. Es una pena que la cancelasen porque tenía pensado seguir con ella.

Unforgettable:
Carrie Wells (Poppy Montgomery) es una detective con hipertimesia, lo que la ayuda enormemente con su trabajo.

A lo mejor, si la media de este año no hubiese sido tan alta, hubiésemos seguido con ella. Pero este año toca escoger y por lo tanto esta se queda atrás. Como crítica, he de decir que su forma de representar los recuerdos de la protagonista no me gustó nada. Demasiadas escenas repetidas, me temo.
Nota: un 6. Es una serie aceptable a la que acompañan las audiencias.

Grimm:

Nick Burkhardt (David Giuntoli) es un detective de homicidios. Durante una visita de su tía, descubre que es un miembro de la familia Grimm, una estirpe de expertos cazadores de seres sobrenaturales.

La meto en las procedimentales porque, en esencia, lo es. Vale, añadimos seres sobrenaturales, bestias y puede despertar algo de interés. Cuando ves que el guión es cutre y predecible, se acabó el interés. Añado que el prota se parece a Tom Cruise y que sólo uno de los personajes es aceptable, el adorable y encantador hombre lobo.
Nota: un 4. No se puede llevar una serie con personajes tan sosos.

Y en otras categorías:

I hate my teenage daughter:
Annie (Jaime Pressly) y Nikki (Katie Finneran) son dos madres solteras que afrontan como pueden la adolescencia de sus respectivas hijas.

Nota: un cero. Duramos cuatro minutos viéndola, el record de este año. No diré más porque ni eso merece.

Hell on Wheels:
1860: Cullen Bohannon (Anson Mount) es un soldado confederado que quiere vengar la muerte de su mujer a manos de la Unión.
Lo peor de esta serie no es que el guión sea malo, que lo es. Lo peor de todo es que el sonido es lamentable. Hay ruido ambiental, de viento concretamente. Los personajes hablan y el ruido ambiental desaparece. Los personajes se callan, resucita el ruido ambiental. ¿Cómo se puede ser tan cutre? Y decían que iba a ser la nueva Deadwood, en fin...
Nota: un 3. No acabamos el primer capítulo pero reconozco que el estilo y la imagen estaban muy bien. Pena de todo lo demás.

The exes:
Holly (Kristen Johnston)es una abogada especializada en divorcios. Ha acogido en uno de sus departamentos a tres hombres que se quedaron destrozados tras sus divorcios.

Nota: un 3. Sólo la maravillosa actuación de Donald Faison, Turk en Scrubs, salva esta serie. Es un genio y si la serie hubiese sido sólo un poco mejor, seguiríamos viéndola.

Tras ver Person of interest y Hell on Wheels, ¿soy la única que está aburrida de historias de machos alfa flipándose con su testosterona? ¿Soy la única que piensa que es el equivalente masculino de Sexo en Nueva York y series lamentable del estilo?

Entradas que podrían interesarte:
Estrenos 2011, seguimos viendo (III).
Estrenos 2011, seguimos viendo (II).
Estrenos 2011, seguimos viendo.
Estrenos 2011 que abandonamos (II).
Estrenos 2011 que abandonamos (I).

Actores que ponen morritos, esa lacra:

2011-12-22T10:03:00.000+01:00

Antes de nada, pido disculpas porque sé que este post tiene una temática poco relevante. Así resumiento, es una chorrada pero tenía que decirlo. ¿No odiáis a ese actor que va de chico duro y pone morritos? ¿No os pone de mal humor esa actriz que hace un gran papel fantástico y lo estropea así? No sé en qué momento se puso de moda pero fue una muy mala idea. Os pongo una lista de los actores que perpetran este atentado contra la estética.

Kit Harington: o Jon Snow en Juego de Tronos. De todos los actores de Juego de Tronos, es el que menos me gusta. Primero porque me parece el más pobre y segundo por su manía de poner morritos. No, Kit, la Guardia de la Noche no pone morritos. No es así como se vence a los Otros. Espero que, en sucesivas temporadas, alguien ponga remedio a este desastre.

Michael Pitt: o Jimmy Darmody en Boardwalk Empire. He de decir que ya estaba condicionada para poner a Pitt en la lista. Odio a su personaje, odio su interpretación y odio que ponga morritos. En serio, ¿parece creíble que un gangster, en la peligrosa ciudad de Atlantic City, vaya a una reunión con ese gesto? Pitt, espero que tu personaje muera pronto, podamos dejar de sufrirlo y así disfrutaremos del resto del elenco de actores mucho más contentos.

Hailee Steinfeld: o Mattie Ross en Valor de ley. Este es el claro ejemplo de cómo deslucir una gran interpretación con un mal gesto. Tiene un gran papel y en general está impecable. Ahora bien, ¿qué mujer de catorce años, en el Salvaje Oeste, iba poniendo morritos?

Daniel Craig: o 007. Cuando anunciaron que este actor era el nuevo James Bond, decidí darle un voto de confianza. No tiene por qué ser malo dar una nueva imagen a un personaje al reiniciar una saga, aparte de la gracia de su obvio aspecto ario. Claro, después empecé a ver fotos. Daniel, 007 no pone morritos. No los pone. Es un hecho y todo el mundo lo sabe. No sé en qué estaban pensando.

Renee Zellweger: o Bridget Jones. Todos los años esta chica es elegida como una de las peores vestidas. Peor vestida, peor maquillada y, desde luego, peor posado. No se puede llevar kilos de colorete, un vestido hortera y poner morritos. Es el peor conjunto posible.

Damian Lewis: o el sargento Brody en Homeland o Winter en Hermanos de sangre. Damian lleva años poniendo morritos, siendo el máximo exponente de esta actitud el cartel promocional de Homeland. He de decir en su favor que es el único de la lista que va camino de redimirse. ¡Ánimo Damian, tú puedes!

Keira Knigthley: o Elizabeth Swann en Piratas del Caribe. En 2008 Keira fue elegida la mujer con los labios más sexies del mundo. Esto eliminó toda posibilidad de que dejase de poner morritos, para desgracia de todos. Si buscas en Google, verás que lo hace en todas las fotos. No exagero, todas. Bueno, casi todas.

Ed Westwick: o Chuck Bass en Gossip Girl. Lo de este chico tiene mérito. Pensarás que no se puede mantener el mismo gesto durante temporadas y temporadas pero él puede. No me explico que clase de gimnasia facial usa. ¿Ves la cara que tiene en la foto? No es un posado, es que su personaje siempre está así.

Ben Stiller: o Zoolander. Es triste poner morritos siendo una persona agraciada. Hacerlo sin serlo y añadiendo unos prominentes pabellones auditivos es un suicidio estético. Mal, Ben, mal. Echa ahora mismo a la persona que te aconsejó así de mal.

Kirk Acevedo: o Charlie Francis en Fringe. Tener a un actor poniendo morritos en mi serie favorita me duele en el alma. Kirk, si Ana no lo hace, ¿por qué tú si? Ella es la chica de la serie.

Y hasta aquí. Por si alguno se lo pregunta: no, no voy a hacer segunda parte. Ya me he desahogado y he escrito el post más chorra de Palacio Onírico.

El hobbit, trailer

2011-12-21T22:35:00.001+01:00

Igual que ayer, por si alguien no lo ha visto, aquí queda el trailer con posibilidad de 720p de The hobbit: an unexpected journey.

¡Gracias, Irati! Y he de decir que tienes toda la razón, es imposible no ver a Watson (y esperarse por tanto a Sherlock) cada vez que sale Bilbo.

Trailer de The Dark Knight Rises

2011-12-21T10:51:00.000+01:00

Aquí os dejo el segundo tráiler (con posibilidad de HD) del cierre de la trilogía de Batman de Nolan.

Está subtitulado en latino, con el «ciudad gótica» y todo.

Enlightened renovada y Bored to death cancelada

2011-12-20T22:23:00.000+01:00

Leo en Entertainment Weekly que HBO confirma la segunda temporada de Enlightened (de lo que me alegro muchísimo).

Además, han cancelado:
Bored to death, que me parecía aceptable sin más, aunque para mucha gente era una serie genial; en la tercera
Hung y How to make it in America, que no las conocía, en su segunda temporada.

El resto, por lo que se sabe, sigue como estaba; aunque aún no hay noticias de Curb your enthusiasm. Mi enhorabuena para los seguidores de Enlightened.

Pitch Black - David Twohy

2011-12-20T10:37:00.000+01:00

David Twohy, guionista de El fugitivo y Waterworld, nos trajo, añadiendo la función de director, la más que aceptable Pitch Black, una aventura de cifi-terror que, insisto, es bastante visible.

Una nave viaja por una ruta secundaria cuando es dañada por una lluvia de pequeños asteroides que atraviesan el lugar como balas. Los pasajeros se despiertan, aunque uno ya estaba consciente, hablándonos; alguien que deja claro que no es humano, o no del todo, al menos: un hombre que va camino de vuelta a la prisión. Esta secuencia termina con un aterrizaje que, visualmente, resulta algo extraño, pero molón pese a todo, con el fuego de la fricción rodeándolo todo, la tensión de una maquinaria que no responde, el altímetro descendiendo, la alerta... el impacto.

Han pasado poco más de 5 minutos y los principales ingredientes ya están ahí, aunque algunos solo hayan sido insinuados.

Pitch Black se basa mucho, casi por completo en realidad, en su protagonista y el mundo que rodea a los personajes. No es que el contexto se vaya dando a paletadas, pero se insinúa constantemente y va ganando protagonismo de esa forma sutil hasta que uno está completamente sumergido bajo su cambiante luz así como bajo la terrible oscuridad que antecede al desastre.

«Nunca debiste quitarme las cadenas, Johns.»

La película juega con eso, con la oscuridad más impenetrable, con el miedo humano a la oscuridad, a lo que no se ve pero se oye, y se arrastra, y se acerca... y tiene horribles intenciones. Sí. Y en muchas ocasiones uno no sabe si ese peligro viene de su espalda o del frente, tanto dentro como fuera de la película; y ese es uno de los puntos más interesantes. Por lo demás, la película es una digna heredera de esas películas que siguen la estela de Alien —y que en general suelen ser un insulto a sus obras inspiración—. Pitch Black no pretende revolucionar nada, solo contar una historia de terror en un mundo de ciencia-ficción desconocido, de aspecto desérticamente virginal bañado por la luz de tres Soles —con los que la película juega todo lo que puede y más mediante filtros de color, no puedo dejar de destacar el azul, que le da a todo un toque frío y artificial— y construyendo un personaje de sólido carisma como Riddick: frío, calculador y sanguinario, loco, sí, pero con un instante de supervivencia innegable.

«Nadie prepara la nave de emergencia si no hay una emergencia.»

El ritmo de la película se controla casi a la perfección. La primera mitad, de hecho, transcurre sin altibajos, es rápida. La segunda mitad, por supuesto, es la llegada de la oscuridad y de los monstruos que la pueblan.

El hecho es que en torno al tercio final de la película, para mi gusto, todo resulta excesivamente previsible y me parece que la película pierde; pero con todo, dentro del género cifi, me pareció encontrarme ante una película aceptable y ante uno de los pocos herederos dignos del Alien de Scott y sucesivas entregas. Efectos especiales cuidados, reparto cumplidor (nada del otro mundo, pero sí cumplidor), banda sonora un poco simplona pero correcta (aquí dejo un enlace a youtube), buenos personajes y un ritmo que empieza lento, presentando bien las cosas y va tomando cuerpo muy rápido.

Escenas:
—Me encanta un momento, bajo la luz azul, en la que Johns se pone a hablar con Carolyn ante un esqueleto de enormes animales (dinosaurios tal vez), y de pronto, Riddick, que sabemos que está tras el inmenso y frondoso costillar, se alza tras este y reluce uno de los cristales de sus gafas. El resto de la escena cumple, pero ese momento me encanta.
—Los primeros momentos tras el último rayo de luz, que también mola lo suyo. Esos pasillos únicamente iluminados por linternas y llamas entre los gritos de los monstruos.

Referencias desde:
—Una de las escenas más famosas de esta película (al menos es de la que me habían hablado varias veces antes de decidirme a verla), es la del movimiento en el punto ciego de los monstruos, en la que Riddick se mueve al mismo tiempo que uno de ellos para no ser localizado. Esta escena aparece, tal cual, en Cómo entrenar a tu dragó. No, no pude resistirme a comentarlo, la verdad.

Nota: 6,5. La película se deja ver sobradamente y si hasta el momento no ha caído en vuestra lista —y os gusta el género, si no obviadla, sinceramente—, deberíais plantearos darle una oportunidad.

Estrenos 2011, seguimos viendo (III)

2011-12-19T10:28:00.001+01:00

Habían quedado olvidadas en nuestras anteriores entradas al respecto pero seguimos viéndolas. En serio, no es que hayan pagado tarde el diezmo.

New girl

Esta serie me parece tirando a normalita, y en realidad tiene poca cosa. Es una sitcom graciosilla, con choque de personalidades discordantes y exageradas (como casi cualquier sitcom yanki, todo sea dicho), pero cuenta con la mirada de corderito de Zooey Deschanel como añadido, ¿y cómo resistirse? ¡Esta mujer es la adorabilidad en persona!

Imagen sacada de La palomita mecánica, un blog que acabo de descubrir y que ha pasado a mi carpeta de marcadores. ¡Anotadlo!

Me sorprendió descubrir lo graciosa que me parecía Zooey en pantalla, pero ha sido uno de mis grandes descubrimientos de esta temporada. La serie no es una maravilla, lo sé, es tópica y completamente normal, pero cuando toca un capítulo divertido, me lo paso como con pocas.

Si buscáis algo nuevo en el género de las comedias, no os toméis la molestia. En serio.

Suburgatory

Personalmente, esta me pareció la mejor comedia de este año. George Altman encuentran un condón en la habitación de su hija Tessa, y entonces la saca de Nueva York (fuente de insidia y depravación, claro) y se la lleva a vivir a un barrio residencial. El suburgatorio.

Me gusta mucho la pareja de actores que conforman a la familia Altman, el serio, grande y rudo Jeremy Sisto (el hermano loco de Brenda en A 2 metros bajo tierra, y a cuadros me he quedado al descubrirlo, oigan) y la magnífica, convincente y realmente joven Jane Levy. Una crítica al mundo colorista y ornamentado de perfección de los barrios residenciales, llenos de flores e hipocresía (a partes iguales) y algunos momentos verdaderamente hilarantes consiguen una serie a la que deberíais, al menos, darle una oportunidad.

Si finalmente hago yo la reseña ya concretaré más cosas; si no le diré a Lau que les eche un ojo, porque tiene detalles que merecen mucho la pena destacar.

Up all night

Esta serie empezó estando bastante bien, en mi opinión. El tema del bebé estaba muy de fondo, y era una sitcom sencilla y directa. No obstante, con el paso de los capítulos se ha ido desinflando y, a decir verdad, ya no sé si acabaré la temporada. A Laulau le sigue gustando, así que cuenta con opciones. En el peor de los casos, de todos modos, hemos llegado al capítulo 9; la mitad de las series de este año no pueden decir tal cosa.

Hart of dixie

Fue mi gran sorpresa de la temporada. No me esperaba nada y, de hecho, al principio no me encontré casi nada. Personajes normalitos, guión mediocre y serie, en conjunto, del montón; pero dentro de su tono, su estilo y su ambiente, ha sido una serie que se hizo un hueco en mis tardes de ver series tirado en el sofá o en la cama. Los personajes de Hart of Dixie, sin ser especialmente complejos, tienen puntos muy interesantes, recurriendo a fórmulas un poco manidas, es cierto; pero el conjunto acaba siendo apetecible con el paso de unos cuantos capítulos. Así, pronto, las intrigas cotidianas/costumbristas de Blue Bell, Alabama; pasarán a formar parte de vuestros días(o noches) televisivos.

Entradas que podrían interesarte

Estrenos 2011, seguimos viendo (II).
Estrenos 2011, seguimos viendo.
Estrenos 2011 que abandonamos (II).
Estrenos 2011 que abandonamos (I).

La Torre Oscura (La Torre Oscura, parte 7) - Stephen King

2011-12-16T10:41:00.000+01:00

Última parada, señores viajeros. La compañía deviajes Stephen King les desea que hayan tenido un buen viaje y una prósperaestancia. Digo verdad.

Aviso adelantado: ¡lamento la extensión de esta entrada, pero es que había mucho que contar!

La Torre Oscura es la séptima y última entregade esta serie de fantasía épica que fue tocando y bebiendo de un sinfín deobras y referencias a lo largo de sus variadas entregas. Desde El pistolero, unwestern extraño en el que el pistolero seguía al hombre de negro, a los últimospasos que llevan a la misteriosa Torre que toca y une todos los mundos.

Ya no tiene sentido presentar

(hablar)

de Roland. Ni del resto de su ka-tet, de hecho.Todos los que hayan llegado hasta aquí sabrán todo cuanto quieran saber deEddie Dean, Jake Chambers y Susannah Holmes. E incluso de Acho, el bilibrambode Mundo Medio. Tras las más de cinco mil páginas que componen la serie, unolos conoce a todos. A mí, concretamente, me gusta pensar que los conozco bien.

«Todo se olvida en las salas pétreas delos muertos. Estas son las salas de la ruina, donde hilan las arañas y losgrandes circuitos enmudecen, uno a uno.»

El Pequeño Rey Rojo

Susannah-Mia da a luz a su chaval. La Bestia.El Adversario. Pero las cosas no son tan simples como podíamos haber pensado,porque el chaval tiene dos padres, así como podemos afirmar que tiene dosmadres. Sus padres son el Rey Rojo y el Rey Blanco. Claro. El recién nacido esMordred, nombre que puede sonar a más de uno.

Como en casi todos los libros de esta serie,una de las cosas que más me revienta es que las partes de Susannah, que sonimportantes tanto en cuanto a los hechos contado como al volumen de los mismos,no me parece tan interesante, ameno, justificado o carismático como el resto.Es mi opinión desde que el personaje apareció, así que no creo que os sorprendaespecialmente. Pero en este último libro, constato que mi opinión no hacambiado. Ansiaba saber más sobre lo que acontecía al joven Jake y al padreCallahan en el Dixie Pig, quería saber más sobre el viaje de Roland y Eddie,pero una y otra vez volvían a Susannah-Mia y a su chaval. Y me agobiaba. Que enesta primera parte del libro ya nos despidamos de un personaje, me dejó muyclaro que King no se iba a andar con muchos miramientos en las páginassiguientes: adiós, Padre Callahan. Que Dios

(Gan)

se apiade de tu alma.

Cielo Azul

En este grupo de capítulos, el más largo de lamás larga entrega de La Torre, se presenta el cubil de los Disgregadores, esagente al servicio del Rey Carmesí que se dedica a romper (disgregar) los Haces,para provocar la caída de la Torre Oscura.

Si hay algo que no soporto de este capítulo, es la cutre-muerte de Walter O'Dim a manos de Mordred. El asunto es que Walter, sin que se llegue a saber casi nada de él, es un personaje carismático que consigue generar interés; Mordred, en cambio, es un secundario horrendo que a nadie le importa y que, para más inri, ni siquiera consigue gran cosa en la novela. Sinceramente, podrían haber eliminado esa trama, por mucho que confirmase (o casi) mis sospechas de que Arthur Eld era el rey Arturo, cosa que terminaría de confirmarse muchas páginas después con lo de que las pistolas tuviesen el metal de la antigua Excalibur de Arthur Eld.

Esta parte es una carnicería. Se nos presentaal director del complejo y a su jefe de seguridad, Primtiss y Finli o'Tegorespectivamente (este último resultó ser uno de mis secundarios favoritos, hede decir), se nos presentan a unos cuantos disgregadores y comienza la acción:se prepara el terreno, se toman posiciones y se inician los tiros. Y tiros. Ytiros. Y muertos. Y el ka-tet se rompe. Eddie Dean, el chistoso, el payaso,muere. Y ya no hay ka-tet; el Haz se reestablece, sí; pero el tet acaba con lamuete del señor Dean; ahora solo son un grupo de amigos, de socios, en busca dela Torre. El ka sigue ahí, sí, pero ellos ya no son tet y...

"Cuando el ka-tet se rompe, el finalsiempre se precipita.

Digo lo siento."

Adiós, Eddie. Que Dios

(Gan)

se apiade de tu alma.

En esta bruma de verde y oro

En esta parte, Roland y Jake (Susannah queda enMundo Medio esperándolos, con la promesa de reunirse en Fedic) viajan al mundopiedra angular para salvar a sai King de una muerte cierta debido a unatropello. El ka pone en su camino (igual que ya hizo en su momento con JohnCullum) a Irene Tassenbaum. Y consiguen salvar al escritor, pero el precio esla vida de Jake Chambers, que reduce los daños del atropello con su pequeñocuerpo. Y aunque ya no son ka-tet, en Mundo Medio, Susannah también se dacuenta de lo sucedido.

Por otra parte, Roland visita la Ka-tetCorporation, la empresa que vigila la Rosa (que es una alegoría del campo derosas que rodea a la Torre), así como el gran rascacielos negro es unarepresentación de La Torre en sí, y allí, el ka-tet de la Rosa lo recibe, leexplican sus hipótesis sobre qué es y qué hace Stephen King y le hacen unregalo, un reloj de oro para que lo acompañe hasta el final del viaje.

Adiós, Jake. Que Dios

(Gan)

se apiade de tu alma.

Las tierras blancas de Empática

Una criatura, una especie de vampiro de lossentimientos tortura vil y cobardemente a los restos del ka-tet, que se salvagracias a que sai King paga la deuda que les debía... un poco crípticamente,eso sí; podías portarte un poco, ¿no, King? Este capítulo tiene, en mi opinión,el momento más raro del libro y uno de los más extraños de toda la serie... elmomento monólogo humorístico. Increíble, en serio. Creo que no hay ninguna dudade que el autor, con La Torre, hizo lo que le dio la real gana.

De esas tierras salen con un nuevo compañero:El Artista. Un personaje encantador, versátil y, en realidad, absolutamentenecesario para concluir la trama. Deus Ex Machina, clamarán algunos; pero Kingsiempre podrá sonreír irónicamente y recurrir a esa gran excusa con la que seha cubierto las espaldas desde el principio de la serie: "Ka".

El campo escarlata de Can'-Ka No Rey

Más allá de Empática, tras lomas y lomas, seencuentra el campo de rosas de Can'-Ka No Rey, y en el fondo de este se levantanegra y desafiante la Torre Oscura, que mantiene encerrado al Rey Carmesí enuno de sus balcones. Y todo es Ka, como siempre ha sido, y el Pistolero debe iral encuentro de su destino, debe cumplir el ka de todo el linaje del Eld.

Adiós, Suze. Que Dios

(Gan)

se apiade de tu alma.

Adiós, Acho. Que Dios

(Gan)

se apiade de tu alma.

En cada capítulo se van explicando algunospuntos de la enorme historia que King ha contado a través de este vasto océanode historias. Se nos explica por ejemplo, y finalmente, qué eran losdisgregadores, que hasta el momento eran una figura rodeada de sombras, unostipos malos al servicio del Rey Rojo de los que poco más se sabía. Se nospresenta a Mordred, aunque realmente goza de poca importancia durante granparte del libro, siendo una de estas criaturas que acechan en la sombraesperando su oportunidad, se nos habla de lo que pasaba en mundo piedraangular; que al fin y al cabo es el mundo más importante porque posee un tiempoque sólo puede correr en un sentido. Claro que, al fin y al cabo, así ha sidocon casi todos los verdaderos adversarios de La Torre, ¿verdad? Walter, el ReyCarmesí... y ahora el pequeño Mordred.

«Mordred tiene jambre.»

Quizá La Torre Oscura, esta última parte de laserie homónima, me refiero, no me satisfaga tanto como podía esperar. Es unalástima que el último personaje del ka-tet que acompañe al pistolero de Gilead (Achoaparte) sea el que más me aburre. No aguanto a Susannah, no soporto susproblemas de personalidad, ni sus arranques verbales de Detta, ni nada. Alprincipio, me parecía, está ahí para ser la amante de Eddie y al final está ahípara dar a luz al hijo de los dos Reyes. Personalmente creo que King podríahaber hecho algo más lucido a ese respecto, y es algo que siempre me ha molestado un poco.

Las ilustraciones vuelven a estar a cargo deMichael Whelan, que ya ilustró El Pistolero y lo cierto es que hace un grantrabajo, pese a no ser un artista que me guste especialmente. Otros de losilustradores de la Torre me han dicho más con sus imágenes, pero aunque solofuera por la increíble ilustración de La Torre Oscura y la de Jake y Rolandfumando, contaría con mi apoyo en esta última novela.

Ejemplo de ilustraciones a color.

Ejemplo de ilustraciones en blanco y negro de fin de capítulo:

Los 3 finales
Mi camino fue sobreaviso, así que tenía muy claro que el libro terminaba al final del capítulo de Can'-Ka No Rey. El epílogo y Hallada no me interesaban y nunca entraron en mis planes. Tenía muy claro que no iba a leerlos, aunque el ka me jugó una mala pasada y me dejó las cosas muy claras: «¡Tienes que leerlo!», le faltó gritarme, cuando hizo que el autobús que esperaba se retrasase 25 minutos. Y claro, yo allí con el libro en la mano y menos de 20 páginas por leer. ¿Qué hice? Leer, claro; era eso o morir del aburrimiento.

El primer final, el final del capítulo 5.
Es El final de la serie. Es, en mi opinión, muy adecuado. El viaje ha tocado a su fin, y Roland ha llegado a la Torre. ¿Qué lo espera en lo más alto? ¿Gan? ¿Una enorme sala vacía? ¿Las voces de los muertos? ¿Qué importa? Lo que importa es que ha recorrido miles de kilómetros desde el desierto de Mohaine hasta el campo escarlata, que ha hecho amigos y los ha perdido, que ha amado y ha sufrido; lo que importa es que, para bien o para mal, ha triunfado. Ahí está, alto y duro como un clavo, gritando los nombres de quienes le permitieron llegar hasta ahí. ¡Salve, Roland Deschain de Gilead!

El segundo final, el epílogo.
Admito que no me gustó. De hecho me pareció fatal. No me caía en gracia y tras discutirlo con un amigo, el que me medio-obligó a leer la serie, he de decir que me parece peor incluso. ¿Por qué? Para empezar, una vez que Suze abandona a Roland, no sé por qué le debería importar a nadie. Ha salido de la búsqueda de La Torre; se ha convertido en la única persona, en el único miembro del antiguo ka-tet que ha renunciado a la búsqueda por miedo o interés personal. En ese preciso momento, para mí, Susannah murió. Y ese final feliz que King insiste en que no es «vivieron felices y comieron perdices» pero casi; me parece deleznable. Susannah, has olvidado el rostro de tu padre, y si yo fuera King te habría condenado a la vacía eternidad del exotránsito. Que lo sepas. Soy un hombre rencoroso.

El tercer final, Hallada.
El tercer final tampoco me gusta. Me parece lento, aburrido y decepcionante. Lo tiene todo, vaya. El ascenso de Roland por una Torre dedicada a él no me gustaba mucho, pero me preguntaba por dónde saldría King para explicarlo; pero ese final-final en que cruza la puerta en la que está escrito su nombre y vuelve al desierto de Mohaine, a la primera página del primer libro, a la búsqueda del hombre de negro que huye por el desierto, me pareció horrible. Y si a eso añadimos que en esta nueva versión Roland se detuvo 3 segundos para recoger el cuerno de Cuthbert que había caído en Jericho Hill y no había recogido, me da una sensación de videojuego con bonus final para la siguiente partida, de reencarnación de Dungeons & Dragons Online o, como bien señaló Moncho, de Gantz. Pues sí, no me gustó nada.

¿Para eso, ka, querías que leyese los finales subsiguientes? De verdad que no lo entiendo.

Nota: 8,5. El último libro de la Torre es un gran libro, ata casi todas las tramas y aclara muchísimas cosas. Hay ciertos puntos que me parecen horribles e incluso perniciosos para la historia, pero bueno, supongo que nunca llueve a gusto de todos. Por lo demás, corroboro el consejo que me dieron y que, además, explicita King en el propio libro. Pasado el primer final, no sigáis leyendo.

Partesanteriores de La Torre Oscura:
El pistolero Nota: 5,5.
La llegada de los tres Nota:7,5.

Las tierras baldías Nota:Nota: 10.

Mago y cristal Nota:7.

Los lobos del Calla Nota:9.

Canción de Susannah Nota: 8.

Noticias sobre La Torre:

Bryan Gazer ha anunciado que...

Otrasnovelas de Stephen King:

It Nota: 8.

El misterio de Salem's Lot Nota:8.

Cómo ser John Malkovich, Spike Jonze

2011-12-15T10:39:00.000+01:00

Me resulta difícil hablar de Cómo ser John Malkovich. Por un lado me encuentro con que es una película rarísima, producto de la retorcida mente de Charlie Kaufman —siempre extraño, inquietante y gafapasta—; por otro me encuentro ante una de mis películas favoritas. Ojo, no la considero de las mejores películas que he visto; sencillamente es una de las que más me gustan y de las que, en caso de revisionar algo, copan las estadísticas.

El señor Kaufman (de quien ya hablamos en ¡Olvídate de mí!) construye una historia en la que Craig Schwartz (John Cusack) es un titiritero en paro que consigue un trabajo como archivista, en el que desempeña una labor envidiable gracias a sus asombrosamente ágiles dedos. Un día se encuentra una puerta que lleva directamente al interior de la cabeza (de la mente también) de John Malkovich (John Malkovich, evidentemente), y con la colaboración de Maxine Lund (Catherine Keener) monta un negocio basado en llevar allí a la gente. Pero Craig se enamora de Maxine, y esta se enamora de la mujer de Craig, Lotte (Cameron Díaz) pero solo cuando esta se encuentra dentro de Malkovich. Y, de pronto, la tenemos liada. Pero liada de verdad, oigan.

Los personajes:

—Craig tiene alma de protagonista. Es un hombre con dudas que reacciona al desarrollo de la película, que nos va mostrando distintas caras, resultando un personaje muy humano y bastante interesante.

—Maxine es el gran personaje de la historia. Una Cersei (ya sabéis de qué es sinónimo) inteligente, con planes que consigue ir llevando a cabo. Fría y convinente. Magnífica.

—Lotte es una mujer bastante peculiar, una veterinaria que atiende a los animales en su propia casa. Siempre sucia y desarreglada. Es, durante casi toda la película, un personaje un poco maltratado por las circunstancias.

—Malkovich es, claramente, el personaje torturado. Para empezar, porque una serie de fulanos, de don nadies, se introducen en su mente y lo espían, o peor incluso, ¡lo controlan! Por si fuera poco, después se convierte en una mera herramienta dentro de las historias de amor de los otros personajes. Increíble. Pobre hombre, va a tener que venir Beowulf a salvar su miserable pellejo danés... digo estadounidense.

«¡Brujas lesbianas cachondas!»

Cómo ser John Malkovich mezcla la comedia y el drama. Tiene puntos muy divertidos, desde la actitud de los personajes, a la forma de acceder a Malkovich, todo el toque extraño que lo rodea todo, la locura de Craig, la perversión soñada de su jefe, los diálogos, el tono y muchas de las escenas. Combinandose con los factores humorísticos, nos encontramos con escenas realmente tristes, como cuando la cámara se aleja lentamente y deja que el espectador contemple a un Craig arrasado porque su esposa estaba dentro de Malkovich (tirándose a Maxine, vaya) o el final, por ejemplo, que reconozco que se desarrolla de un modo que nunca ha terminado de dejarme satisfecho. Luego hablaré de él.

Trailer:

Escenas memorables:

—La secuencia de las marionetas, al principio de la película, la música, la provocación y, al mismo tiempo, la suavidad y la elegancia. Te ganaste las hostias, Craig, pero también un aplauso.

—La escena totalmente pasada por un filtro de LSD de Malkovich dentro de la mente de Malkovich, en la que todo el mundo es Malkovich:

«—¿Malkovich?

—Malkovich, Malkovich...»

El final de la película, decía, nunca me deja satisfecho. En general, y resumidamente, creo que Craig debería saber perfectamente que Maxine es la peor arpía habida y por haber y que NUNCA-NUNCA-NUNCA debería confiar ciegamente en ella. No obstante, para compensar esto, me encanta que Malkovich tenga unos instantes para volver a probar la libertad, para tener ilusiones... y como todo eso se quiebra en un instante.

«Soy libre, he vuelto, soy...»

Premios

BAFTA: mejor guión.

Curiosidades

—El segundo nombre del verdadero Malkovich no es Horatio, como en su personaje de la película, sino Gavin.

—Kaufman envió el guión a Francis Ford Coppola, y este se lo dio al marido de su hija Sofia, Spike Jones.

—La escena de Malkovich dentro de Malkovich se grabó en uno de el club nocturno del Queen Mary.

Nota: 8,5. Una película divertida, original e interesante, con un reparto muy acertado y unas labores de dirección, por momentos, envidiables. Si no la habéis visto, y no odiáis el cine... rarillo, dadle una oportunidad ya. Ahora mismo. Si todo lo que se aleje un poco de la normalidad os produce sarpullidos, en cambio, podéis manteneros tranquilamente alejados de esta película. Sin resquemores.

La misión, Roland Joffé

2011-12-14T10:38:00.000+01:00

La misión es uno de esos regalos que uno coge con ganas al ver el envoltorio... y luego se decepciona un pelín. O al menos, eso me pareció. Sé que esta película tiene muchos defensores, pero gran parte de la misma me pareció tedio absoluto: el argumento vuelve a lo mismo una y otra vez, y parece que muchos momentos se estiran y se estiran sin resolverse. Que sí, que la fotografía, la música, las actuaciones... que sí, que esta película tiene un apartado técnico para quitar el hipo; pero la primera mitad es directamente soporífera. Sobre esta premisa, no la olvidéis, porque si no va a parecer que hablo genial-genial de la película, prosigo.

En 1750, mientras las misiones jesuitas intentan cristianizar pacíficamente a los nativos, otras partes interesadas se dedican a cazarlos como esclavos o a esquilmarlos. Rodrigo Mendoza es uno de esos hombres que vive de aumentar las penurias de los indios, pero un día, tras descubrir que su hermano se acuesta su mujer y darle muerte, se une como penitencia a los jesuitas y da nuevos aires a su vida.

Personajes principales:
Rodrigo Mendoza (Robert De Niro): un español poco escrupuloso dedicado a una vida de secuestrador de nativos. Un tipo sereno, frío y eficaz, que controla su ira más intensa incluso cuando duela con su hermano; momento en el que está enfadado, sí, pero de forma algo fría. Su conversión y su autotortura psicológica son increíbles.
Padre Gabriel (Jeremy Irons): es un hombre noble e idealista, frustrado ante la ceguera de una Iglesia que se niega a aceptar los cambios, a aceptar lo que ve.

De entrada, esta película impacta por los nombres de sus créditos. Roland Joffé venía de dirigir Los gritos del silencio, que se llevó 3 Oscar dos años antes de La misión; la música corre a cargo de Ennio Morricone, compositor, entre muchas otras, del memorable tirurirurí de El bueno, el feo y el malo; el guión viene de mano de Robert Bolt, que escribió el de Motín a bordo (en El Palacio reseñamos un remake de la novela), Lawrence de Arabia y Doctor Zhivago, entre otras; y entre sus actores cuenta con Robert De Niro y Jeremy Irons de protagonistas. La primera en la frente.

Una vez metidos en harina, la verdad, es que el resultado es un poco frustrante porque aunque cada elemento por separado está cuidado y es maravilloso, la reunión de ellos resulta un poco saturada. Y el ritmo no ayuda, la verdad.

La parte visual es llamativa, fuerte y ostentosa. Planos largos y muy alejados para aprovechar al máximo la fuerza y el tamaño de los paisajes naturales que se exprimen una y otra vez (especial mención para los distintos momentos en los que trepan la pared vertical de piedra junto a la cascada).

La música está muy muy bien, aunque me pareció notar que en la pieza de flauta no se corresponde nada bien con los dedos del intérprete, sinceramente; aunque lo manifiesto desde mi casi absoluta ineptitud flautística.

La interpretación de De Niro me parece excelente: muy sobrio en general, con celos fríos y un rencor controlado en el rostro. Y me encanta, de hecho, la sencillez visual del duelo con su hermano. Sin complicaciones y sin grandes aspavientos, todo resolución desde el principio.

«Me río de vos, porque lo que veo da risa»

La crítica a la Iglesia y a su obcecación... y a su politización, por otra parte, son evidentes y no podía quedar fuera de la reseña. Da, de hecho, algunos de los mejores diálogos de la película, sobre todo cuando se implica al petulante enviado de Su Santidad, como el fantástico momento en que este le pide a Gabriel que convenza a los nativos de no luchar. Uno de los mejores momentos de la película.

Pero vuelvo a destacar que todo esto queda un poco oculto bajo el hastío del paso de los minutos.

Escenas que destaco (aparte de las de escalada, que son impresionantes):
—La velada, cuando el padre Gabriel pasea entre el mar de pequeñas llamas de las velas. Sencillamente preciosa. Me pareció precioso cómo se juega en este momento con la iluminación rojo-anaranjada temblequeante.
—La lucha naval.
—El tortuoso camino de Rodrigo penitente. Genial. Y su perdón, precioso.

Premios
Cannes: mejor película.
Oscar: mejor fotografía.
Globos de oro: mejor guión, mejor canción.

Curiosidades:
—La mayor parte del equipo enfermó de disentería. De Niro fue de los pocos que no la contrajo.

Nota: 6,5. No me cabe duda de que la película maneja sus recursos con estilo y con una calidad envidiable, pero algo que considero que nada puede permitirse, es aburrir al espectador hasta el punto de hacerle plantearse quitar la película. Una fotografía, unas actuaciones y una banda sonora de infarto, pero el ritmo de la película es imperdonable y, a mí, al menos, me causó un aburrimiento profundo. Y a Laulau que acabó estudiando para un examen de la semana siguiente ya no os cuento.

Notas a la edición en DVD:
El menú principal es un poco cutre; los idiomas y los subtítulos, aunque en la misma pantalla, deben elegirse por separado, porque cada elemento que se selecciona te devuelve a la pantalla inicial. Previo momento de carga, claro. Y otra vez. Prefiero el sistema de elegir por apartados y elegir también salir del menú. Sin duda. Supongo que para quien solo toma una decisión por menú es más práctico así, pero personalmente prefiero los módulos separados.
Que si no le das a nada en más o menos un minuto, se inicie la película... tampoco es muy de mi agrado, aunque soy un poco menos reticente.

Shakespeare in love - John Madden

2011-12-13T10:43:00.000+01:00

Vi esta película hace mucho tiempo y no la recordaba especialmente buena. Recientemente salió con el diario El País, como parte de su colección de 35 años de cine y aproveché para volver a echarle un vistazo.

Shakespeare in love nos presenta a un Shakespeare (Joseph Phiennes) enamoradizo e hiperactivo, siempre en busca de una musa que active su genio y le permita crear una obra a la altura de su rival Christopher Marlowe. Así, mientras pícaramente intenta conseguir crédito de los mecenas, sin comprometerse demasiado porque no tiene nada que ofrecer; se topa con la preciosa Viola de Lesseps (Gwyneth Paltrow). Y aprovechándose de su alocada historia de amor, el dramaturgo inglés escribe Romeo y Julieta. Y ya está.

Los personajes y sus actores.
—William Shakespeare es un hablador y un poco vive-la-vida, siempre en busca de un romance que le dé calor por las noches y avive el fuego de su pluma. Es un hombre de cariño rápido y de pronta fogosidad, de movimientos rápidos y actitud exagerada, como todo dramaturgo que se precie a ojos del cine.
El actor que le da vida es Joseph Fiennes, quien resulta tremendamente decepcionante y muy poco creíble. Así como en otros papeles, algo menos destacados y, desde luego, mucho menos histriónicos, el señor Fiennes me pareció una elección correcta, encarnando a este Shakespeare me pareció desagradable, aburrido y sin carisma. Una lástima, sobre todo si lo comparamos con el trabajo de Gwyneth Paltrow, que pocas veces, en mi opinión, volvió a lucirse tanto en un papel.
—Viola de Lesseps es una señorita en edad de contraer matrimonio. No es noble, sino acaudalada; lo que atrae las miradas de Lord Wessex (Colin Firth), lo que pondrá en peligro el affaire que mantiene con Shakespeare y su participación, haciéndose pasar por muchacho, como Romeo en la obra que se va a estrenar.
Gwyneth Paltrow, que a mí no me suele gustar especialmente, consigue un papel brillante. Sus sonrisas, su androginia cuando hace de muchacho, las miradas... magnífico, de lo mejor de la película.
—Lord Wessex es un noble que quiere desposar a Viola de Lesseps a cambio de una cuantiosa suma con la que subsistir mientras sus plantaciones de tabaco dan sus frutos. No es que el personaje tenga mucho más, aparte de una subtrama de celos que lo lleva a batirse a espadazos contra el petimetre de Chespir.
Colin Firth tampoco suele ser santo de mi devoción —aunque se ha ganado cierto respeto tras el papelón que interpretó en El discurso del rey—. En esta ocasión consigue un personaje bastante atractivo en su sencillez y con cierto carisma, pese a ser un malo que podría considerarse «del montón».

Por lo demás, la película luce, claramente y sin reparos, una serie de dones de los que abusa de forma magnífica. El vestuario y la música por ejemplo. El vestuario se amolda a todas las situaciones, a pesar de los momentos con multitud de actores en pantalla. Ropas de hombre y de mujer perfectamente elaboradas que dotan de un marcado estilo a muchos de los personajes y que contribuyen a la mascarada de Viola con gracia y elegancia. Y la música es, casi en todo momento, hermosa y apropiada; sin que reste atención a las escenas. Aquí una muestra:

En mi opinión, donde más falla la película —sobre todo contando que Madden logra grabar con destreza las escenas de baile y de lucha—, es en la absoluta mezcla de estilos que luce. Comedia, drama, tragedia, capa y espada, romanticismo... lo metemos todo en la batidora y voilà! La primera hora de película, de hecho, me pareció no ya aburrida, sino un poco desesperante, lo que se unía a la exasperación que por momentos me producía el exagerado Shakespeare que se quedaba en soso, en una espiral tediosa.

Fueron factores como el vestuario, la música, la dirección y la fantástica interpretación de Paltrow las que me animaron a no quitar la película y dedicar mi mañana a otra cosa, aunque finalmente, tras el constante bache de la primera mitad, el visionado se hizo más agradable y al final de la película incluso me quedé relativamente satisfecho con el resultado.

Premios
Oscar: Mejor película, Guión original, Canción original, Vestuario, Dirección artística, Actriz de reparto (Judi Dench) y Actriz protagonista (Gwyneth Paltrow).
Globos de oro: mejor película (comedia/musical), mejor guion, mejor actriz de comedia.

Nota: 6. No me parece una gran película y no la recomiendo, aunque creo que es un producto visible y con ciertos factores realmente cuidados. ¿Le habría dado el Oscar a Mejor Película? No... nunca. Jamás. Pensar que La vida es bella era una de las candidatas y que ganó ésta, me produce náuseas. Así de simple.

Por si a alguien le ha picado la curiosidad, dejo aquí el enlace de Wikipedia sobre Christopher Marlowe.

Juego de Tronos, trailer de la 2ª temporada

2011-12-12T22:36:00.000+01:00

El trono de hierro me pertenece por derecho. Doblarán la rodilla o les destruiré.

Ahí queda el trailer de la segunda temporada de Juego de Tronos. ¡Ya queda menos!

Enredados - Disney

2011-12-12T09:23:00.000+01:00

Hace mucho, mucho tiempo, una gota de sol cayó sobre la tierra, creando una flor mágica que curaba toda enfermedad. Por desgracia para todos, una bruja la encontró y la escondió, guardándosela para sí.
Pasaron los años y donde antes solo había un pequeño pueblo de pescadores, surgió un gran reino. Este reino era gobernado por unos reyes justos y queridos por todo el mundo.Estando la Reina embarazada, una terrible enfermedad se apoderó de ella. Sus súbditos cogieron los botes y buscaron hasta encontrar la flor milagrosa. Y así la Reina se curó y pudo tener a Rapunzel, su pequeña hija.
Sin embargo, la malvada bruja no estaba dispuesta a renunciar al poder que le otorgaba la flor. Así pues, siendo Rapulzel poseedora de este, decidió secuestrarla y criarla como si fuese hija suya.

Lo primero que tengo que decir sobre Enredados es que Disney deberían echar a la persona que se encargó de la campaña de promoción en España. Tanto el nombre como el «¡Nadie les toma el pelo!» del cartel promocional son directamente disuasorios. Ya sé que Disney tiene una cuota de público asegurada pero si hace una película al estilo Shrek deduzco que intenta ampliar esa cuota. Y llamar a la peli «Enredados» no es la mejor forma de atraer nuevos espectadores al cine.
Así en resumen, si no me la hubiesen recomendado mil y una veces, hubiese pasado de largo. ¡Gracias a todos por haber insistido tanto!
Una vez hecha la introducción, vamos con la reseña.

Personajes:
— Rapunzel: uno de los mejores personajes. Se gana tus simpatías con esa mezcla de arrojo, adorabilidad e inocencia.
— Flynn Rider: un ladrón de poca monta que consigue dar su gran golpe. Al fin y al cabo, él sólo quiere su propio castillo. Engreído, egoísta, traicionero... un encanto, vamos. Perseguido por los guardias reales, se refugia en una extraña torre donde es atacado por una chica rubia de largos cabellos.
— Maximus: uno de los caballos de la guardia real. Un gran investigador empeñado en encarcelar al infame Flynn.

— Gothel: su obsesión por seguir siendo joven y hermosa la lleva a esconder la flor y, posteriormente, a secuestrar a Rapunzel y a hacer todo lo posible por mantenerla en la torre.

El guión:
Está mucho mejor de lo que esperaba. La verdad es que ha sido una película divertida, con pequeñas sorpresas y con personajes carismáticos. Tiene grandes detalles, por ejemplo, la sartén. Al igual que en Indiana Jones en busca del arca perdida , la sartén es el arma definitiva.
Momentazos:
— ¿quién hubiese pensado que una princesa Disney iba a ser bipolar?

— Este señor con pinta de borracho es el Cupido de la película.

— La obsesión de Flynn por las narices que le ponen en los carteles de «Se busca».

Aún así, le veo dos problemas básicos a la película. El primero es que algunas de las canciones parecen metidas con calzador. La escena en la taberna, si bien tiene sentido en el contexto de la película, tiene una introducción bastante lamentable. Otro de los problemas es que, a diferencia de otras películas, Enredados no es una película para ver dos veces seguidas. No es Cómo entrenar a tu dragón, que en cada visionado descubres cosas distintas. Me temo que si la idea de Disney es medirse con películas como Shrek o Cómo entrenar a tu dragón, deben cuidar algo más este punto.

Diseño de personajes:
me encanta. No tengo ninguna crítica en este sentido, todos me parecen fantásticos y muy acertados.

Música:
quitando el problema de que algunas de las canciones están metidas con calzador, es una banda sonora más que digna. Le falta alguna canción más pegadiza, de esas que te sorprendes tarareando por la calle, pero está muy bien.

Curiosidades:
— El pelo de Rapunzel mide 21 metros. Se creó un software especial para controlar cada uno de los 100.000 pelos. Como programadora, me flipa este dato. Este software lo diseño Kelly Ward, la mejor especialista en este campo.
— Es la película número 50 de Disney.

Nota: 7. Es una buena película, es divertida y en ocasiones, original.

Otras pelis de Disney:
— La Bella y la Bestia.
— El jorobado de Notre Dame.
— Lilo & Stich
— Mulan.
— Toy Story 3

Estrenos 2011, seguimos viendo (II)

2011-12-09T10:30:00.000+01:00

Aprovechando el parón diciémbrico que hacen los americanos para que sus series duren todo lo que tienen que durar, hemos aprovechado para ver los estrenos de octubre y principios de noviembre, entre los que nos encontramos algunas series bastante interesantes, al menos por sus primeros capítulos. Además, hablaré también de una que nos quedó olvidada en las anteriores entradas.

Homeland

Esta serie, sobre un marine de los EEUU, que vuelve a casa tras ocho años de cautiverio en Irak, era una de esas por las que sentía una curiosidad especial, sobre todo a partir de una publicación de Vaya Tele que la ensalzaba mucho. Y lo cierto es que la serie está bien, aunque dudé mucho de ella por su episodio piloto, que me resultó aburrido y simplón, solo salvada por sus buenos actores y su gran factura visual; pero el segundo capítulo cogió rápidamente profundidad y ritmo y me convenció de seguir adelante con ella.

Tiene ciertas cosas que no me gustan demasiado, como un abusivo fan service (menos mal que en esas escenas suele estar presenta la siempre adorable Morena Baccarin), ciertos puntos que considero ilógicos sobre las creencias del protagonista y ciertos pequeños misterios que pecan de previsibles. Pero, con todo, la considero una serie interesante a la que merece la pena echarle un ojo. Ya ahondaré más en esto si hago finalmente la reseña; si no seguro que Laulau tiene algo que decir al respecto.

Además, ¡actúa Mandy Patinkin! Y como algunos ya sabéis, para mí es una razón para ver la serie.

Enlightened

Había dos cosas que me tentaban de esta serie: HBO y Laura Dern. Había leído algunas opiniones negativas de la serie en internet (tampoco es que me preocupase mucho, siempre las hay) y comentarios agoreros sobre el declive de la HBO (prefiero no opinar sobre eso, contando sus pedazo estrenos del año pasado). Me sorprendió ver que Laura Dern era creadora, guionista y productora además de actriz protagonista.

Tras ver el piloto, la actuación de la señora Dern era todo lo brillante que me esperaba, pero me sorprendió lo buena que me pareció la serie; con ese tono de tragedia sin medias tintas. Lágrimas, gritos y desesperación. Tiene algún momento gracioso, pero la serie ahonda más en su parte trágica que en los aspectos cómicos que pueda tener. Con solo un capítulo visto, esta sí, decidí seguir viéndola; tanto Laulau como yo quedamos encantados con ese inicio.

Cabe decir que el segundo capítulo ya no fue tan bueno, aunque en mi opinión sigue en uno de los niveles más altos de todos los estrenos de la temporada. A ver cómo evoluciona la serie, porque, personalmente, me parece que tiene una dirección fantástica y uno de los mejores tratamientos del sonido del año. Qué bien suena todo (toma nota, Hell on Wheels).

Once upon a time

Este era, desde hace meses, mi estreno ansiado. Al mismo tiempo, lo admito, me echaba para atrás el hecho de que la produjese la ABC—cuyos ejecutivos cancelan series como parte del pacto que firmaron con las capas más profundas del infierno—, pero le tenía muchas ganas a la serie; y lo cierto es que en cuanto me puse a verla, me pareció una buena serie.

El tono de cuento está muy bien reflejado. Es sencilla y exagerada, clara; llena de héroes y villanos, de magia, luces y sombras. Y aunque no creo que marque un hito en la historia de las series de televisión, me parece muy entretenida.

Tiene ciertas cosas que siguen sin convencerme demasiado, como la elección de la protagonista que en el piloto y en gran parte del segundo capítulo parece algo avejentada respecto al personaje al que representa; aunque por arte de magia, un maquillaje algo más... agraciado le devuelve a los 28 años que se supone que tiene. ¡Gracias, maquilladores! Pero creo que cualquier pequeño error puede olvidarse en cuanto Ginnifer Goodwin sonríe ante la cámara. Qué mujer tan adorable...

Y otro día hablaré de otras series con las que hemos seguido pero que se quedaron en el tintero místico que separa la primera entrega de esta segunda.

Entradas que podrían interesarte

Estrenos 2011, seguimos viendo.

Estrenos 2011 que abandonamos (II).

Estrenos 2011 que abandonamos (I).

Fargo - Joel y Ethan Coen

2011-12-07T10:15:00.000+01:00

Hoy os voy a hablar de una de mis películas favoritas, la magnífica Fargo de los hermanos Coen. Por aquel entonces, estos señores ya habían estrenado unas cuantas películas y escrito unos cuantos guiones. De hecho, dos años antes habían estrenado su anterior película, la preciosa y enternecedora El gran salto, que descubrí hace apenas unos meses gracias al usuario Escipión.

Creo que Fargo fue la primera película que vi de los hermanos. La siguieron El gran Lebowsky y Sangre fácil; y luego O Brother; y bueno, después cayeron prácticamente todas las demás. Me gusta su forma de hacer las cosas, y en general estos tíos tienen un estilo muy, muy marcado. A veces se alejan un poco —como cualquier cineasta, hay días en los que uno tiene que abandonar el nido—, pero sus ingredientes clave vuelve a salir al cuadrilátero una y otra y otra vez. Les gusta el humor negro. Y el cine negro. Les gustan los personajes con un maquillaje que dé una apariencia de realidad y la ropa sencilla. Les gustan las psicologías simple y claras. Les gusta contar una historia sin andarse con zarandajas. Y les doy las gracias, porque me parece que son realmente buenos en lo que suelen hacer, a pesar de la mala e insípida experiencia que supusieron para mí Un tipo serio y, en menor medida, Quemar después de leer, que solo fue decepcionante.

Y nos metemos en temas de la reseña propia, directamente en los campos nevados de Minnesota. Ya desde los créditos iniciales Joel tira de estilo, el coche perdido en la niebla que hace que la carretera helada y el cielo se confundan casi por completo. Como en muchas de sus películas explota al máximo los hermosos paisajes del interior de estados unidos: esas carreteras perdidas a cuyos lados se abren unos paisajes repetitivos con desoladora belleza. En Fargo, en concreto, la belleza nevada de los paisajes de Minnesota y Dakota del Norte.

El planteamiento inicial:
Jerry Lundegaard (William H. Macy), que es algo más que un-poco-ruin, encarga a unos tipos que secuestren a su mujer, Jean Lundegaard (Kristin Rudrüd), para que su padre, Wade Gustafson (Harve Presnell), pague el rescate; y los secuestradores, Carl Showalter y Gaear Grimsrud (el siempre genial Steve Buscemi y Peter Stormare) y él se dividan el pago.

Aquí tenemos al fantástico dúo de secuestradores.

Planteamiento no tan inicial:
Pero resulta que el bocazas de Showalter y el frío, sádico e impasible Grimsrud, que son de lo que más mola y de lo que más fielmente retrata el estilo de personaje al que volverán a recurrir los Coen una y otra vez, resultan ser unos hombres excesivamente impulsivos. La entrada en la casa es espectacular, graciosa, y combina a la perfección lo cutre y lo desgarrador. Y en torno a un tercio de la película, sobre la media hora, la historia se lía. Pero se lía de verdad, oigan; y es que Grimsrud no se detiene ante nada. Es todo fría y poco-imaginativa eficiencia.

Y por si fuese poco, aparece en escena un nuevo personaje —la protagonista, de hecho—: una policía realmente molona llamada Marge Gunderson (Frances McDormand, que trabajó otras veces con los Coen en películas como Sangre Fácil, El hombre que nunca estuvo allí y Quemar después de leer). Marge es una buena policía y lleva a cabo una buena investigación. Es inteligente y conoce su trabajo. Y es genial cómo le corta el rollo a su amigo japonés, realista y tajante, cuando este intenta meterle fichas descaradamente. Marge es uno de los personajes que más me gustan de la película, y uno de los personajes policiales —en general— que más han conseguido interesarme hasta el momento.

Y aquí a la fantástica Marge Gunderson.

Lo cierto es que la historia, como casi siempre con los Coen, alterna constantemente momentos dramáticos (que rozan de algún modo paródico lo trágico) y momentos humorísticos, casi siempre a caballo entre el humor negro y el absurdo.

Aunque para casi todos mis conocidos, la gran escena de la película es la de la trituradora de madera —reconozco que me parece el momento más reconocible de Fargo, ese campo nevado todo empapado en rojo sangre y el ruido de la máquina mientras pasa el cuerpo... es increíble—; para mí es la del ataque de ira de Shep Piesligeros cuando entra a por Carl Showalter que se está follando a una puta anónima. Esa entrada violenta, lanzamiento de Buscemi en pelotas incluido, ese zarandeo al don nadie de la puerta y la patada en el culo a la acompañamente de Showalter se han ganado un hueco en mi lista de entradas triunfales. Qué grande Steve Reevis.

Y entrando en un terreno puramente técnico, algunas escenas dejan patente lo buen director que es Joel Coen —ya entonces, claro que viniendo de la increíble El gran salto, tampoco es que resulte sorprendente— y el grandísimo trabajo que puede llegar a hacer y que, de hecho, hará en el futuro. En esta película destacan, a mi parecer, casi todas las escenas con coches: minúsculas máquinas perdidas entre la nieve y la niebla, dotadas de una apariencia casi de juguete en manos del destino. Con la increíble amplitud de los paisajes consigue un juego increíble y muy cautivador.

La música en la película tiende a tener una presencia escasa y de poca importancia, pero es cierto que cuando se deciden a darle relevancia, consigue hacerse un hueco importante por sí misma.

En cuanto a su edición española, he de decir que los gritos sin doblar, en una calidad de sonido completamente distinta, entre el sonido regrabado para el doblaje, resultan absurdamente pobres. El doblaje en general, a decir verdad, suena un poco mal —hay excepciones, como la de Carl Showalter, que resulta muy gracioso—, aunque en el caso de Marge es especialmente flagrante, porque suena bastante estúpida; cuando en inglés solo suena marcada por un fuerte acento. Quizá es que no percibo ese deje atontado en inglés, pero no me parece que sea así.

Trailer:

Curiosidades:
—El personaje de Carl Showalter se hizo específicamente para Buscemi.
—El mensaje de «Esta es una historia real» del principio de la película, es falso. Los Coen lo usaron para que los espectadores hiciesen la mayor suspensión de la incredulidad posible.
—La grabación de exteriores tuvo que moverse por Minnesota, Dakota del Norte y Canadá porque la región experimentaba su segundo invierno más cálido en 100 años. Ya es mala suerte, la verdad...

Premios:
—Oscar a la mejor actriz protagonista y al mejor guión original. Se quedó con nominaciones a mejor película, director, actor de reparto, fotografía y montaje.

Nota: 9. Me parece de lo mejor que han hecho los Coen, y creo que si algún día la veo en inglés puede que le dé el 10, porque casi todo lo que no me gusta de esta película está relacionado con su maltratado sonido en castellano: los misteriosos cambios de voces en los momentos sin doblar y la voz de estúpida que le cayó a la pobre Marge.

Otras entradas sobre los hermanos Coen:
Muerte entre las flores.
Quemar después de leer.

O Brother.

El gran salto.

Valor de ley.

Lady Tara Cornwall - Pascal Croci

2011-12-04T22:23:00.001+01:00

Escocia, 1536:
Hugo y Tara son hijos adoptivos de Lord Cornwall. Cuando Lord Cornwall propone matrimonio a Tara, esta lo rechaza, desencadenando una serie de extrañas maquinaciones que hacen que acabe quemada en la hoguera.

Compré este cómic un poco al azar. Albos y yo acudimos en busca de un regalo de cumpleaños y me encontré con Lady Tara Cornwall en el estante de novedades. Lo cogí un poco a ciegas porque al ser una novedad tan reciente, poco podían decirme sobre esta obra. Por suerte, ha sido un acierto. Si quieres una historia con vueltas de tuerca y secretos siniestros, este es tu cómic.

Personajes:
Lady Tara: hermana melliza de Hugo. Enamorada de Roman, rechaza la proposición de matrimonio de su padre adoptivo.
Faye: sirviente personal de Tara.
Hugo: hermano mellizo de Tara. Celoso de la atención que acapara su hermana, no dudará en hacer lo que sea para que se fijen en él.
Pugg: sirviente personal de Hugo.
Roman: hijo de Sir Hunt Ley. Su tía es la madre de Tara y Hugo. Está enamorado de Tara y este amor cuenta con la aprobación de Sir Hunt.
Mary: rechazada por Roman y Lord Cornwall, sólo quiere vengarse de Tara, causante indirecta de sus infortunios amorosos.
El Abad: un hombre malvado y malintencionado que esconde oscuros intereses.

El guión:
como ya te he contado en la entradilla, está lleno de vueltas de tuerca, misterio y secretos. Curiosamente, pensé que había resuelto la trama en la página 41. Para mi sorpresa, mis deducciones eran falsas. Por suerte, el final me sorprendió. Primero, porque no me lo esperaba. Segundo, porque encaja a la perfección por miles de pequeños detalles de los que te has cuenta cuando todo está atado. Por ejemplo:
— antes de ser quemada, Lady Tara pide que no la desnuden. Los hombres hacen bromas con lo plano que es su cuerpo.
— Sir Hunt Ley insiste en que su hijo es un invertido.
Una de las gracias es que recurre a gran cantidad de citas, la mayor parte de ellas anacrónicas. Referencia, entre otros, a Shakespeare, Cervantes, San Agustín, Publiosiro o Terencio.
Otra parte que me gustó especialmente es la tremenda misoginia que desprenden tanto Lord Cornwall como el abad. Dejan claro que para ellos, la mujer es la personificación de las intrigas, la traición, la mentira... Muy de la época.

El dibujo:
como ya he dicho alguna vez, no soy una gran amante de los rasgos cuadrados en los dibujos. En este caso, lo perdono, el dibujo es impresionante. De hecho, fue una de las razones por las que me lo llevé a casa. Como no tengo conocimientos técnicos como para extenderme en el tema, te dejo imágenes, que dicen por ahí que valen más de mil palabras. En primer lugar, el rostro de Lady Tara.

En segundo lugar, un hoja del propio cómic. Podrás ver la cara de Fay, que tiene el diseño de personaje que más me gustó.

La edición:
es una buena edición. Tapas duras, hojas de papel satinado a todo color... Las últimas páginas contienen unos bocetos de la obra y una pequeña entrevista al autor de la misma. Precio: 15€.

La traducción:
al menos, que yo notase, muy bien. No tengo ninguna queja al respecto.

Nota: un ocho. Lo leerás en menos de una hora y tendrás ganas de volver a empezar para poder fijarte en todos los pequeños detalles. Una obra casi perfecta en la que nada queda al azar.

Un gobierno en funciones no puede aprobar la ley Sinde

2011-12-02T10:38:00.000+01:00

Hoy verás este texto en decenas de blogs. Si estás de acuerdo con él, reprodúcelo donde consideres oportuno.

Vía Mimesacojea.

Ante la previsible aprobación de la polémica “Ley Sinde”, los periodistas, bloggers, usuarios, profesionales y creadores de Internet seguimos manifestando –como hicimos en el Manifiesto de 2 de Diciembre de 2009- nuestra firme oposición a una norma que incluye modificaciones legislativas que afectan al libre ejercicio de las libertades de expresión, información y el derecho de acceso a la cultura a través de Internet.

En principio no parece de recibo que un Gobierno en funciones adopte esta decisión en su último o uno de sus últimos Consejos de Ministros. Sería doblemente grave que se confirmaran las presiones ejercidas por EEUU, a través de su embajada en Madrid, como revelaron los cables de Wikileaks.

En todo caso insistimos en estos razonamientos:

1.- Los derechos de autor no pueden situarse por encima de los derechos fundamentales de los ciudadanos, como el derecho a la privacidad, a la seguridad, a la presunción de inocencia, a la tutela judicial efectiva y a la libertad de expresión.

2.- La suspensión de derechos fundamentales es y debe seguir siendo competencia exclusiva del poder judicial. Ni un cierre sin sentencia. Este anteproyecto, en contra de lo establecido en el artículo 20.5 de la Constitución, pone en manos de un órgano no judicial -un organismo dependiente del ministerio de Cultura-, la potestad de impedir a los ciudadanos españoles el acceso a cualquier página web.

3.- La nueva legislación creará inseguridad jurídica en todo el sector tecnológico español, perjudicando uno de los pocos campos de desarrollo y futuro de nuestra economía, entorpeciendo la creación de empresas, introduciendo trabas a la libre competencia y ralentizando su proyección internacional.

4.- La nueva legislación propuesta amenaza a los nuevos creadores y entorpece la creación cultural. Con Internet y los sucesivos avances tecnológicos se ha democratizado extraordinariamente la creación y emisión de contenidos de todo tipo, que ya no provienen prevalentemente de las industrias culturales tradicionales, sino de multitud de fuentes diferentes.

5.- Los autores, como todos los trabajadores, tienen derecho a vivir de su trabajo con nuevas ideas creativas, modelos de negocio y actividades asociadas a sus creaciones. Intentar sostener con cambios legislativos a una industria obsoleta que no sabe adaptarse a este nuevo entorno no es ni justo ni realista. Si su modelo de negocio se basaba en el control de las copias de las obras y en Internet no es posible sin vulnerar derechos fundamentales, deberían buscar otro modelo.

6.- Consideramos que las industrias culturales necesitan para sobrevivir alternativas modernas, eficaces, creíbles y asequibles y que se adecuen a los nuevos usos sociales, en lugar de limitaciones tan desproporcionadas como ineficaces para el fin que dicen perseguir.

7.- Internet debe funcionar de forma libre y sin interferencias políticasauspiciadas por sectores que pretenden perpetuar obsoletos modelos de negocio e imposibilitar que el saber humano siga siendo libre.

8.- Exigimos que el Gobierno garantice por ley la neutralidad de la Red en España, ante cualquier presión que pueda producirse, como marco para el desarrollo de una economía sostenible y realista de cara al futuro.

9.- Proponemos una verdadera reforma del derecho de propiedad intelectual orientada a su fin: devolver a la sociedad el conocimiento, promover el dominio público y limitar los abusos de las entidades gestoras.

10.- En democracia las leyes y sus modificaciones deben aprobarse tras el oportuno debate público y habiendo consultado previamente a todas las partes implicadas. No es de recibo que se realicen cambios legislativos que afectan a derechos fundamentales en una ley no orgánica y que versa sobre otra materia.

***

Como añadido personal, no puedo sino manifestar mi sorpresa (o mi decepción) ante la reticencia a la adaptación de la industria. Cuando se implanta una nueva tecnología en un modelo de negocio, siempre, es el modelo quien se adapta para englobarla y explotarla. ¿Siempre? No. Como si de los galos de Astérix se tratasen, estas industrias (lideradas de cara al público por las discográficas, que suelen cargar con todas las culpas cuando solo son una parte de los agentes anticambio, de los agentes... anquilosados) deciden cerrar los ojos y fingir que nada de esto está pasando. Que internet no existe. Que es una pesadilla pasajera.

Internet es una herramiente increíblemente amplia y capaz, potente y maleable. Internet da cabida a una infinidad de posibilidades. Es un nuevo mundo, es cierto (alguno dirá, y con razón, que ya no tanto); y hay que aprender a explotarlo bien, como en otros tiempos se aprendió a explotar el campo, los bosques, las minas o cualquier otro recurso. En internet se mueve dinero, es un hecho. Y no hablo solo de la publicidad, evidentemente; hablo de ventas digitales (seguro que a los de Steam, internet les parece un modelo de venta perfectamente válido), hablo de sus ofertas absurdas que desencadenan miles de ventas en unos instantes. En internet hay que saber cómo ganarse a los compradores, es cierto; y puede que las viejas estrategias se hayan quedado obsoletas, ¿y qué, industria? Innovad. La copia es algo que existe desde hace mucho, mis padres tenían copias de vinilos en casette, y grababan canciones de la radio y demás. Y no pasaba nada. Internet da otras opciones, como la venta digital a un precio irrisorio, aunque aquí en España intentéis cobrar prácticamente lo mismo por una copia digital que por una física, a pesar de ahorrar los costes de transporte y almacenamiento, que son un pico a considerar. Parece que nada importa. Si por el libro físico sacábamos 18€, vamos a sacar 15 por el digital. No, no y no. No es viable, señores. Un libro digital es una copia exacta de otra, un ordenador puede sacar millones de copias si se le pide... no tiene sentido mantener esos precios. Y esa gente que vende sus libros por 2 y 3 dólares y vende cientos de miles de copias (o más, no recuerdo ahora exactamente el número) ha visto el nicho ecológico que en cuanto a comercio de bienes culturales les deja internet.

Y es que el problema llega cuando se intenta vender un producto a un precio absurdamente exagerado para mantener a una horda, a día de hoy innecesaria, de intermediarios. Internet ha matado (o lo hará) a muchos intermediarios. Pues sí, lo ha hecho; y esto no es bueno ni malo. Es distinto. Para los afectados es malo, claro; como lo fue la implantación del tractor en los campos de cultivo, o de las máquinas en las fábricas, o lo será un día de los robots de limpieza. Pero a una puerta cerrada corresponden otras puertas abiertas. Y una de esas puertas es el negocio en internet. La posibilidad está ahí; pero no se puede adaptar internet a tu negocio... se adapta el negocio a internet. Internet puede (de hecho ya lo hace) favorecer a compradores y vendedores, y, probablemente, acabe siendo El Sistema a medio plazo. Y esto es por lo que estoy en contra de muchas de esas reformas.

Creo que hay que hacer muchas reformas y que nunca se deberían atravesar ciertas... barreras. Y los puntos arriba expuestos, gracias al autor de Mi mesa cojea, resumen bastante bien el marco contextual del problema a poco que se bucea un poco en ellos.

Zombieland - Ruben Fleisher

2011-12-01T09:54:00.000+01:00

Una variación de la enfermedad de las vacas locas ha transformado a la mayor parte de la población en zombies. En este futuro post-apocalíptico, un joven consigue sobrevivir gracias a una estudiada lista de reglas.

Lo primero que debes saber es que esta película es una comedia. Es ágil, divertida y dura poco más de hora y media. Espero que la reseña te anime a verla porque pasarás un buen rato.

Personajes:
Columbus (Jesse Eisenberg): sobrevive, dicho por él mismo, porque va a lo seguro y cumple sus reglas. Se define como el único friki no caníbal que queda. Le dan miedo los payasos, como a las personas de bien.
Tallahassee (Woody Harrelson): un hombre recio y duro, que se apiada de Columbus. Acuerdan permanecer juntos hasta que la carretera se lo permita. Obsesionado con conseguir el último twinkie.
Wichita (Emma Stone): hermana mayor de Little Rock. Inteligente y despiadada, dispuesta todo para poner a salvo a su hermana pequeña. Y no le falta experiencia, antes del apocalipsis, ya era una dotada estafadora.
Little Rock (Abigail Breslin): algo menos dura que se hermana mayor, se deja llevar esperando que ella tome la iniciativa.
Bill Murray (Bill Murray): el bueno de Bill estaba tranquilamente en su casa cuando empezó eso de los zombies. Como tiene una super mansión, se quedó en ella esperando a que las cosas se calmasen.

Los actores:
me gustó en especial Jesse Eisenberg. La verdad es que no lo vi especialmente lucido en La red social pero en esta película está genial. Más de lo mismo con Bill Murray, que nunca ha sido de mis favoritos pero que aquí está genial. El resto hacen un buen trabajo, sin más.

El guión:
El problema del guión es que estaba pensado para una serie de televisión y tuvieron que alargarlo un poquito más. Y eso le pasa factura. Si, sé que te estás acordando de la infame Mulholland Drive pero no te preocupes, aquí le pasa factura, no hace del producto un desastre total.
En problema es que cuando llevamos una hora de película:
las chicas se vuelven estúpidas. Será el agua de la casa de Bill. Repasemos: tenemos dos chicas capaces, fuertes e inteligentes que se han buscado las castañas solas y que han robado el coche a los mismos tíos dos veces. ¿De verdad tenemos que creernos que esas chicas dejan su segurísimo refugio para irse a un parque de atracciones? ¿De verdad tenemos que creernos que esas dos chicas, tras meses huyendo de zombies, deciden poner en marcha un alumbrado y música que las hacen visibles desde kilómetros y kilómetros?

Momentazos:
— ¿atacas a un zombie accionando el limpiaparabrisas?
— ¿De verdad dejas que dos adolescentes te roben el coche? ¿Dos veces?
— La escena en la que destrozan la tienda del casino indio.
— Un detallazo que Wichita no supiese quién es Bill Murray. Me encanta ese choque generacional.
— La escena en la que juegan a ser cazafantasmas.

Te dejo el trailer:

La dirección:
Grandiosa y muy bien pensada. ¿Sabes esas letras grandes que suelen salir en Fringe? Pues aquí las usan para remarcar las reglas una y otra vez. El efecto es genial.

Efectos especiales:
Muy logrados. Esos tendones y esos jirones de piel son muy creíbles. En látex y en ketchup no han escatimado.

El doblaje:
Un gran doblaje, podéis verla así sin problemas. Mi única queja es que se han dejado alguna risa y alguna expresión suelta por doblar.

La banda sonora:
Está muy bien escogida, tiene muy buenas piezas tanto clásicas como contemporáneas, todo con un buen ritmillo rockero. Dejo un enlace a ella: http://open.spotify.com/album/5C0l97GE5uPxVI9CCWWPt7

Como extra, os dejo algunas de las reglas:
Número 1: cardio. Los primeros en caer son los gordos, por razones obvias.
Número 2: mata y remata. Asegúrate de que el zombie está muerto y muy muerto.
Número 3: ojo con los baños. Que no te pillen con los pantalones bajados.
Número 4: poneos los cinturones de seguridad.
Número 7: viaja ligero.
Número 18: calentar. Si crees que vas a tener que salir por patas, prepárate para ello.
Número 22: asegura la salida.
Número 31: revisa el asiento trasero.
Número 32: disfruta de las pequeñas cosas.

Curiosidades:
— ha sido la película de zombies más taquillera.
— Se ha confirmado una segunda parte.

Nota: un 8. Tendría mucha más nota si no fuese por el sinsentido de la última media hora. Ojo porque tienes una escena más después de los créditos.

10 Grandes intros de series de televisión

2011-11-30T10:00:00.000+01:00

Cuando Laulau publicó el hilo de las horribles intros de las series de 2011 me vinieron a la cabeza algunas que, en su momento, me habían parecido geniales. De esas que no podía saltarme, no importaba que ya las hubiera visto 20 o 40 veces, eran una pequeña obra de arte perfecta y habría vuelto a verlas una y otra vez.

No es algo que dependa de la duración de la cortinilla, muchas de ellas rondan, de hecho, los 2 minutos; si la intro es buena, es un valor añadido de la serie.

Juego de Tronos
El ejemplo más claro que me viene a la cabeza, y bien que me parece, es el de la fantástica Juego de Tronos:

Esos anillos con la historia de Poniente a modo de grabados, con ese Sol Steampunk de fondo, palpitando como un corazón; el acercamiento a los siete reinos a través de unos cristales de aumento y cómo toman relieve los lugares, como partes de un mecanismo. El hecho de que en los créditos de cada capítulo se muestren las localizaciones que van a salir en el capítulo en sí, es como una guinda de pura perfección. ¡Una delicia, señores!

Dexter
Dexter es una serie que me aburrió tras su segunda temporada. Está bien hecha y la considero una buena serie, pero no me animó a seguir. No me ofrecía nada nuevo tras unos cuantos capítulos; pero la intro es de lo mejor que he visto nunca.

Boardwalk Empire
Esta es la, para mí, mejor serie de 2010. La dirección del piloto, a cargo de Scorsese, y los capítulos dirigidos por Tim Van Patten me parecieron de lo mejor que había visto en tiempo. Ese gusto por la sangre, la reminiscencia a novela negra, los personajes, el vestuario, Lucy... qué pedazo serie, señores; y a esta pedazo serie, haciéndole justicia; esta pedazo intro:

La playa, el mar, el señor Thompson (el siempre grande Steve Buscemi), el vestuario, las botellas, la música. ¡Imprescindible!

Battlestar Galactica
Esta serie, remake de otra de los 70, es un ejemplo de cómo se puede retomar una historia anterior, actualizarla y hacerla grande (o aún más grande, para aquellos a los que les gustase la antigua). Si bien la serie me parece que pierde fuelle —y bastante— en sus dos últimas temporadas, la intro es, sinceramente, muy difícil de superar. Qué bien le sienta la tranquilidad de la música a esas horribles escenas. Perfecta.

American Horror Story
Personalmente creo que es la mejor intro de las series que se han estrenado en este otoño de 2011, la música tétrica, chillona y disonante se combina con esas imágenes sangrientas, sucias y de pesadilla y supone la perfecta antesala para esta experimental y maravillosa serie de terror de Ryan Murphy.

Siento que el vídeo sea en imagen especular, para mi sorpresa FOX no ha subido nada en HD a youtube.

The simpsons
Y le toca el turno a una serie de dibujos. Bueno, qué digo; a La Serie de Dibujos. Soy acérrimo defensor de Futurama, es cierto; pero creo que es innegable que lo que consiguió Los Simpsons a través de sus más de 20 temporadas es inalcanzable a corto plazo por ninguna serie. Y un día, el famoso en su mundillo Banksy, a raíz de la cortinilla de introducción de Los Simpsons, hizo esta increíble y maravillosa versión para uno de los capítulos. Si alguno no la ha visto, que ponga el HD y la vea, merece la pena. Doy fe con mi sello.

United States of Tara
La verdad es que ni siquiera he visto la serie, pero la intro me parece maravillosa. La música, la imagen, el estilo. Preciosa, de verdad.

Cowboy Bebop
Hace más o menos un año puse todo mi empeño en ver esta serie de la que casi todo el mundo me había hablado maravillas desde hace ya bastante tiempo —unos 7 u 8 años, tal vez— y cuando empezó la intro tuve claro que me iba a encontrar un producto de primero. ¡Derrocha estilo! La música, la animación... ese rollo negro. Me encanta. Por desgracia... la serie me pareció bastante decepcionante y la abandonó en torno al capítulo 6, pero la intro, insisto, mola un capazo.

Dead Like Me
Tal vez a mí esta intro no me marcó tanto como a Laulau, pero de entre 10 bien se merece un hueco, y es que, en lo que a mí respecta, este minuto irradia alegría y destila sonrisas. La cotidianidad de la muerte hecha cortinilla de serie, señores.

Big Love
Creí hasta el último momento que iba a poner la primera de las intros de la serie, que creo que luce una canción increíble de la mejor manera posible y es, además, elegante y hermosa; pero la segunda me parece tan increíblemente expresiva que no me pude resistir a hacerle el hueco, sinceramente.

Me gustaría haber puesto otras, pero eternizarían la entrada y ya resulta larga con 10. Algunas de ellas podrían haberse intercambiado sin ninguna vacilación por las fantásticas intros de True Blood (solo me gusta la intro, pero qué pedazo intro), cualquiera de las de The Wire, la de Fringe o la de The big bang Theory.

Gracias a todos los que me ayudaron a decidirlas y gracias a todos por vuestras aportaciones.

Toy Story 3 - Pixar - Disney

2011-11-29T10:12:00.001+01:00

Andy ha crecido y se va a la Universidad. En casa de su madre ya no hay espacio para sus viejos juguetes por lo que decide separarlos en dos cajas, los que se guardan en el desván y los que van a ser donados. Por desgracia, hay una confusión con el destino de cada caja y Woody, Buzz y compañía tendrán que aprender a desenvolverse en un nuevo entorno: una escuela infantil.

Toy Story 3 es una película entretenida que da exactamente lo que promete. Pero no es, ni de lejos, la mejor película de animación de su año y tampoco la considero merecedora de una nominación a la Mejor Película en los Oscar. Aún así tiene grandes momentos.

Los personajes:
empecemos con los nuevos.
Ken: sin duda, el mejor de todos. Un Ken que se siente herido cuando le dicen que es un juguete para niñas y que quiere a su ropa más que a nada.

Lotso: cuando los juguetes llegan a la guardería son recibidos por Lotso, un enorme oso morado al que le encanta abrazar y que huele a fresas.
Bebé: el mejor amigo de Lotso. Un adorable bebé de juguete al que le falta un ojo.
¿Y nuestros viejos amigos?
Woody: en esta película Woody mantiene una inquebrantable fe en Andy, que lo llevará a arriesgarlo todo para volver a su lado.
Buzz: y así nuestro hombre del espacio encontró el amor. Desde el principio, se nota que le gusta Jessie, la vaquera.

El guión:
consigue ofrecernos una película bastante entretenida. Sin embargo, me quedé con la sensación de que le sobraba algo de metraje. Claro, teniendo en cuenta que dura una hora y cuarenta minutos, no es un gran punto a su favor. Aún así tiene momento memorables.
Detallazos:
— los primeros minutos son una pasada. Lo mejor de la película, sin duda.
— Sonrisitas, el payaso que narra la historia de Lotso.
— La «lobotomización» de Buzz.
Lo peor:
— ¿soy la única a la que desquiciaba el modo macho latino de Buzz?.

La música:
como siempre, está muy bien. ¿Se merece el Oscar a la mejor canción original? No, no y no. Es buena pero no tanto. Esta es la canción en cuestión:

Como nota personal, he decir que me parece un despropósito que esta película le quitase el Oscar a la Mejor Película de Animación a la muy superior Cómo entrenar a tu dragón.

Premios:
— Oscar a la Mejor canción Original.
— Oscar a la Mejor Película de Animación.

Curiosidades:
— Barbie y Ken están basados en modelos de los años 1983 y 1988, respectivamente.
— En la primera película de la saga, Mattel se negó a que Barbie apareciese en ella. Tras el éxito cosechado por Pixar, cambiaron de opinión.
— En el escritorio de Andy, puedes ver a Luxo Jr.
— Lotso aparece brevemente en Up.

Nota: 6,5. Te animo a verla. Está bastante bien, es divertidilla y tal pero desde luego, no fue la mejor de su año. Esas personas de los Oscar no sabían lo que hacían.

Otras pelis de Disney:
— La Bella y la Bestia.
— El jorobado de Notre Dame.
— Lilo & Stich
— Mulan.

Otras pelis de Pixar:

— Presto.
— Wall-E.

— Buscando a Nemo.

Muere Ken Russell

2011-11-28T16:32:00.001+01:00

El prolífico director británico ha muerto a la edad de 84 años, de forma pacífica.

Se hizo famoso con algunas películas que en su momento se consideraron demasiado violentas y desataron una fuerte polémica, aunque, personalmente, lo conocí por el extraño musical Tommy, con el grupo The Who.

Sigo pensando que esta película, al menos, es inexplicable fuera de contexto; pero está claro que Russell era un individuo que no se cortaba un pelo a la hora de experimentar con sus historias, vestuario, ni temáticas.

Adiós, señor Russell.

La noticia por Europa Press.

Intros de series 2011:

2011-11-28T09:57:00.000+01:00

He titulado este post como «Intros de series 2011» pero también podría haberlo titulado «El horror». Si bien este año el nivel de las series nuevas es muy superior al de 2010, no podemos decir lo mismo de sus intros. Te presento las peores de todas. Y créeme, he tenido mucho donde escoger.

Hart of dixie: doce segundos de escenas cutres. En su favor diré que resume la esencia de la serie pero poco más. Si, Rachel Bilson es muy mona, pero ni con esas.

Pam Am: vemos el logo de la compañía flotando entre nubes. Eso es todo lo que se han matado. Después resulta que es una serie con una gran trama de espionaje y unos personajes con gran profundidad pero su intro no le hace ningún favor.

Revenge: ¿os acordáis de la simple y efectiva intro de Lost? Pues esto es lo mismo pero con menos dinero y con un toque de rosa. Después resulta que la serie tiene uno de los mejores guiones de la temporada. Sólo con la intro, ¿quién lo diría?

Ringer: dos notas musicales, las cabezas de los personajes principales, el título de la serie y Nueva York de fondo. Lo peor de esta es que hace que la serie parezca la versión oscurilla de una mezcla extraña entre Sexo en Nueva York y Gossip Girl. Terrible.

Witney: al menos, ya que la serie es muy mala, en este caso la intro va a juego. Es mala, es cutre y no tiene gracia. Fiel reflejo del producto al que da paso.

Y estas son las peores. Pero podría seguir la lista con más y más intros malas. Porque este ha sido su año. Me pregunto qué ha pasado. A lo mejor hemos tenido una huelga de las personas que crean intros y no nos hemos enterado. O eso, o las han hecho los becarios.

Otros post que puedan interesarte:

— Series 2011 que hemos dejado (I).
— Series 2011 que hemos dejado (II).
— Series 2011 que seguimos viendo.
— Once upon a time.

Mulholland Drive - David Lynch

2011-11-24T17:46:00.000+01:00

En una carretera solitaria, una mujer va en la parte trasera de una limusina. El vehículo se detiene y los dos hombres armados que la acompañan le piden que se baje del coche. Por suerte para ella, unos adolescentes ebrios provocan un accidente que deja escapar a la mujer, aunque el golpe le provoca una fuerte amnesia.

Pocas veces hemos visto una película tan mala. De hecho, creo que es la peor que hemos visto.Tuvimos que dividir el visionado en tres partes para poder soportarla. La vimos porque yo me empeñé en acabarla para poder hacer una crítica con conocimiento de todos sus horribles, deleznables y prescindibles minutos.
Antes de seguir, diré que esta película tiene dos cosas buenas:
— la música.
— las actuaciones de Naomi Watts y Laura Helena Harring.
Si te parece que hablo bien de cualquier otra parte de la película, es ironía.

La dirección:
Tenemos El hombre elefante y tenemos esto. Para explicar semejante bajón de nivel, sólo se me ocurre que Lynch pusiese su nombre y mandase a otro a hacer el trabajo. Menudo descalabro, Lynch.

La imagen:
Rodada en el 1999, salió en el 2001 y parece tener técnicas diez años antes. La razón: estaba pensada para ser una serie de televisión. O supongo que será eso, porque si la idea era darle un aire cutre y descuidado, se han pasado.

Los actores:
Como ya he dicho, y en general, bien. Después está Justin Theroux. Lo triste no es que su personaje sea lamentable, plano y prototípico; lo triste es que él no de la talla.

El guión:
Uf, el guión. Para empezar, tiene graves crisis de ritmo. Y lo digo yo, amante de las películas lentas.
Te lo cuento por partes:
Primera hora: se dedica a abrir tramas, una detrás de otra, de forma lenta y torpe. Como es la primera hora, tienes la esperanza de que las cierre poco a poco. ¡Ah, esperanza!
Segunda hora: esta es la parte más aburrida de todas. La cosa avanza un poquito. La aspirante a actriz se presenta a una prueba, el director escoge a la chica correcta... y después siguen abriendo tramas sin solucionar porque sí. Pero no pasa nada, tenemos una escena de sexo lésbico y la escena de masturbación femenina, que satisfarán a todos los amantes del fanservice.
Últimos veinte minutos: esa mezcla extraña entre la resolución de parte de la trama e idas de olla inconexas. Así, resumiendo: esta es una historia de cuernos, asesinatos y poco más.

El maquillaje:
Hace notar aún más ese tufillo de los noventa. Demasiado recargado en general. Y vamos a obviar a esas mujeres que salen de la ducha perfectamente peinadas y maquilladas.

La música:
Como ya he dicho, de lo mejor de la película. Me quedo con esta impresionante canción:

Además, este vídeo muestra la única escena decente de las dos horas y veinte que dura la cinta. Te he ahorrado dos horas y veinte de agonía, con este vídeo te puedes ahorrar todo lo demás ^^

¿Por qué pienso que esta película es peor que desastres como: El gran Lewosky, Transformers, Azteca Rex, Blanco, Dungeons & Dragons, Crepúsculo, Jesucristo Cazavampiros, Aguirre: la cólera de Dios, Manos: The hands of fate, Inland Empire o Los payasos asesinos venidos del espacio exterior? Porque al menos las anteriores no intentan hacernos creer que son buenas a base de gafapastismo y excusas como «lo que pasa es que no la has entendido». No, lo que pasa es que David Lynch se tiene que partir de risa al pensar en la cantidad de gente que considera una gran obra este despropósito.

¿Sabes por qué es tan mala? Porque iba a ser una serie. Pero cuatro, cuatro cadenas rechazaron el piloto. Si, cuatro. Con el nombre de David Lynch como bandera.Eso ya deberías darte una idea de como son las cosas. Después un canal francés se apiadó del proyecto y le pagó a Lynch unos días más de rodaje para mezclarlo todo y hacer una película. Podría haber quedado bien, cierto. Pero no ha sido el caso.

Nota: un 2. Un punto por las actuaciones de las chicas y otro por la música. No la veas. Que Albos y yo perdiésemos dos horas y veinte de nuestras vidas con ella no quiere decir que tú tengas que hacerlo. Sé que el trailer la vende bien pero es todo mentira.

PD: como dejé pasar demasiado tiempo entre la peli y la reseña, tuve que volver a verla T_T no volverá a pasar.

Vampire bash (Corto... muy corto, de hecho)

2011-11-23T15:02:00.001+01:00

Hay largometrajes, hay cortometrajes y hay... no sé, nanometrajes, por ejemplo. Este pertenece a los últimos: solo 5 segundos de vídeo, y ganador, eso sí, del Greyscale Gorilla's 5 Second Project. Creo, sinceramente, que merece la pena echarle un ojo.

Once upon a time, un pequeño comentario

2011-11-21T23:14:00.001+01:00

Once upon a time era el estreno otoñal que más me interesaba. Sin ninguna duda. Admito también que tenía mis dudas, porque no me suelen gustar los productos de la ABC, pero la idea me tentaba terriblemente y la participación de Ginnifer Goodwin me caía en gracia. Es difícil no tenerle cierto cariño tras su encantador personaje de Big Love, ¿no creéis?

Y ayer vi el piloto. ¿Y qué puedo decir? La serie me interesaba, pero admito que nunca pensé que me pareciese especialmente buena; pero puede que me hubiese adelantado a despellejar un lobo que no había cazado.

Once upon a time está muy bien llevada. Los personajes son interesantes en su exageración de cuenta, las actuaciones son más que cumplidoras, la ambientación es grandiosa, los efectos especiales son mucho mejores de lo que cabía esperar y algunas escenas juegan con las cámaras de forma verdaderamente trepidante. Personalmente he de decir que detesto la elección de la actriz protagonista. ¿De verdad hemos de creer que tiene 28 años? Compruebo en IMDB que la actriz, Jennifer Morrison, acaba de pasar la treintena el año pasado pero, sinceramente, en la serie le echaba más bien 35-36. Inaudito, lo sé; pero cierto. ¡Qué mal la ha tratado el tiempo! No obstante, lo compensa el niño, el fantástico Jared Gilmore, que ha pasado de ser un insoportable Bobby Draper en Mad Men a un magnífico Henry Mills en Once Upon a Time.

Supongo que el hecho de que sea de corte fantástico y esté bien hecha ya se gana un puntito en mi alma friki de jugador de Dungeons and Dragons, y supongo que el hacer una versión sucia, oscura y terrible de los cuentos clásicos se gana otro puntillo adicional de mi alma adoradora de Geralt de Rivia; pero Once upon a time, deseo aclarar, marca su propio camino. Un camino algo más «para todos los públicos» que el del brujo albino del polaco Sapkowski; pero sin caer en grandes ñoñerías. La trama va de lo que va: la malvada bruja de Blancanieves ha desatado una maldición terribilisisérrima, la peor maldición imaginable, y ahora los personajes de los cuentos clásicos se han visto condenados a una eterna existencia miserable en un pueblo de Maine (no podía ser en otro lugar, Stephen King se sentirá orgulloso) en el que viven sin envejecer pero sin poder recordar sus viejas vidas. Malvada, malvada bruja. Pero no todo es tan horrible, claro que no, Once upon a time es un cuento, el cuento que los recopila a todos, y como tal cuento tiene su propio héroe: la hija de Blancanieves y el Príncipe Encantador, que nace mientras se desata la maldición y una densa y oscura niebla lo empieza a cubrir todo, y que está destinada a arreglar todo este desaguisado 28 años después. Todo ello profetizado por el misterioso e inquietante Rumpelstiltskin, interpretado por un Robert Carlyle sobresaliente.

Y érase una vez, 28 años después, cuando el hijo de esta destinada a arreglarlo todo viene a buscarla. El fin ha comenzado, ¡prepárate, bruja malvada!

Dolls - Takeshi Kitano

2011-11-21T10:07:00.001+01:00

Dolls se compone de tres historias independientes que se entrelazan sutilmente a lo largo de la película:
Un hombre joven rompe su compromiso para casarse con la hija de su jefe. El día de la boda, su antigua prometida intenta suicidarse y él lo deja todo para irse a su lado.
Una mujer acude todos los sábados al mismo banco del mismo parque esperando a que su novio se presente. Este, un jefe de la yakuza, hace años que no lo hace.
Una famosa cantante pop japonesa sufre un desdichado accidente de coche. Dos de sus más fieles fans pasarán día y noche pendientes de su evolución.

Dolls es una de mis películas favoritas. Supongo que os podría dar muchas razones para ello (dirección, vestuario, guión, paisajes, actores...) pero si hay algo que hace especial Dolls, es su final. Tanto por fondo como por forma. Es... hermoso, no hay una palabra que lo defina mejor.

En esta reseña no voy a hablar de los personajes. Prefiero que los descubras poco a poco, según sus historias avanzan o retroceden.

Los actores:
Esta película cuenta con buenos actores. Aún así, los que destacan son Miho Kanno y Hidetoshi Nishijima. En parte, porque tienen los personajes más lucidos, con las evoluciones más claras, y en parte porque hacen creíble una historia complejísima.

El guión:
El guión de esta película tiene varios puntos que la hacen muy original. Primero, alterna escenas de una representación de teatro noh con escenas en exteriores. A mi, que no conocía nada de este estilo de teatro, me pareció originalísimo y muy interesante. También destaco cómo se entrelazan las historias y cómo se da paso de una a otra, con suavidad, casi sin querer. Las historias, tan trágicas como hermosas, evolucionan con constancia. Es cierto que la película puede resultar lenta, aún así te animo a verla, pocas películas pueden sorprender tanto como Dolls.
Os dejo el trailer:

El vestuario:
El vestuario es una mezcolanza de mucho estilo: ropajes tradicionales japoneses, ropa occidental... sobre todo me llamó la atención el vestuario de las marionetas de teatro noh, sobre todo porque eran todo una novedad para mi.

La dirección:
A pesar de lo duras que son las historias, la dirección consigue darle a todo un toque adorable. Aprovecha los paisajes, haciendo que hasta el más insignificante parque parezca un paisaje impresionante. Si prestas atención a las escenas en interiores, verás que, en las que suceden situaciones felices, los planos son mucho más cortos y la luz, más cálida. En las escenas con situaciones trágicas, los planos son más largos y la luz, blanca en la mayoría de los casos. Buen trabajo, Takeshi Kitano.

La música, por partes:
la música del teatro noh no es de mi agrado. Me temo que esto es cosa mía, no tengo el oído acostumbrado a los instrumentos y voces japonesas y he de admitir que no puedo valorarla en su justa medida.
La música ambiental tiene piezas interesantes pero tampoco me emociona.
Insisto en que esto es percepción subjetiva mía ya que la banda sonora tuvo al frente a Joe Hisaishi, uno de los más importante compositores japoneses.

Curiosidades:
— los mendigos atados fueron una pareja real que Takeshi Kitano conoció en su juventud.

Nota: un 9. Una de mis películas favoritas, no hay año que no le vea.

El juego de Ender y 20000 leguas de viaje submarino, noticias de cine

2011-11-18T10:17:00.001+01:00

Parece ser que Andrew Kevin Walker, guionista de Seven, vuelve a hacer tándem con David Fincher, director de la misma película —y de La red social, y de El club de la lucha, por ejemplo—, para hacerse cargo de una nueva adaptación cinematográfica de 20000 leguas de viaje, la famosa novela de Julio Verne. Más información, en inglés aquí.

Y parece ser que se ha elegido a Asa Butterfiel, el niño de Hugo —la nueva película de ese genio que ayer estuvo de cumpleaños, el grande e incomparable Martin Scorsese (espero que se note que es mi favorito del mundillo)—, ha firmado para encarnar a Ender Wiggins, el protagonista de El juego de Ender que va a adaptar Odd Lot Entertainment, clásico libro de ciencia ficción en el que un niño parece ser el elegido para acabar con una especie de alienígenas invasora: los terribles insectores.

Más información, en inglés, aquí.

La verdad es que me parece una elección muy acertada.

¡Qué ganas, a priori, de ver ambas!

Mulán - Disney

2011-11-17T23:03:00.001+01:00

Mulán, hija única de un matrimonio entrado en años, está teniendo problemas para honrar a su familia encontrando un buen marido.
En la frontera, los hunos, capitaneados por el temible Shan-Yu, amenazan al gran imperio chino de la Dinastía Ming. Mientras las tropas enemigas atraviesan la Gran Muralla, el Emperador ordena movilizar a los reservistas, entre ellos el padre de Mulán. La joven, para que su padre entrado en años y tullido no tenga que ir al frente, huye de casa haciéndose pasar por varón.

Hay pelis de Disney buenas y las hay malas. Mulán es de las buenas. He tardado años en verla pero tras la recomendación de varias personas y la insistencia de Albos, nos armamos con una mantita para verla en el sofá. Y me ha encantado, ojalá todas las cintas de Disney fuesen tan buenas como Mulán o La Bella y la Bestia. Esta reseña será muy amable con Mulán.

Reconozco que tras los primeros segundos ya estaba encantada. La introducción se hace en forma de un precioso dibujo de una montaña que parece dibujarse a medida que avanzan los segundos, y el resultado es increíble.

Los personajes:
Mulán: es socialmente torpe, pero de forma curriña y adorable. No es que no quiera hacer las cosas bien, es que las obligaciones femeninas no son su especialidad. Por suerte, consigue destacar en otros campos.
Mushu: pequeño dragón encargado de traer a Mulán de vuelta a casa, sana y salva. Mushu es un desastre: habla cuando no debe, rompe todo...
Crii-Kee: el grillo de la suerte: adorable y encantador, empeñado en que sí da suerte a pesar de que nadie más parece creerlo.
Shang: descendiente de un largo linaje de grandes estrategas militares, es nombrado capitán a pesar de su juventud. Por desgracia, se encuentra antes una tropa de soldados novatos y bastante ineptos.
San-Yu: general al frente de los hunos. Es un gran malo pero me hubiese gustado que tuviese algo más de profundidad. Es de estos malo planos a los que sólo les fata reírse jajejijoju.

El diseño de personajes:
Algunos me gusta y otros no tanto. Con esto quiero decir que aprecio la calidad de cada uno de ellos pero los personajes demasiado angulosos no son de mi gusto. Considero que el diseño es perfecto para Shan-Yu, como podéis ver en la siguiente imagen, pero no para caballos, armaduras, etc...

Pero me encanta cómo han hecho a Shang, ves el dibujo y entiendes por qué Mulán moja braguitas con él. Es el macho alfa de los hombres asiáticos.

El guión:
Lo peor del guión son los diálogos de Mushu porque es insoportable. Sin embargo, tal y como pasa con el Genio en Aladín, es el personaje preferido de los peques y por lo tanto imprescindible. ¡Qué le vamos a hacer!
Por lo demás, hay pequeñas sorpresas, algo que siempre se agradece, mantiene bien el ritmo y las escenas de pelea están muy bien.
Mis escenas favoritas:
— el entrenamiento. No tiene desperdicio.
— Lucha en la nieve.
— Cuando descubren que Mulán es una mujer.
— Los reclutas disfrazados de mujeres.

La música:
Me siento ligeramente decepcionada con la banda sonora en castellano. El inglés canta Christina Aguilera:

Es una canción preciosa y me temo que, en castellano, ni tiene ni la mitad de fuerza. Es una pena porque esta película tiene una gran banda sonora.

Nota: un 9. Es una gran película con escenas muy épicas. Si podéis verla en versión original, mejor. Lo que no entiendo es cómo no se llevó ningún premio, ¿Toy Story 3 si, y Mulán no? Veo un pequeño problema de criterio.

Curiosidades:
— En China, Jackie Chang fue el encargado de dar voz a Shang.
— Fa, el apellido de la familia de Mulán, significa flor.
— Mulán fue la primera película de Disney en salir en DVD.

Otras películas de Disney:
— La Bella y la Bestia.
— El jorobado de Notre Dame.
— Lilo & Stich

Indiana Jones en busca del Arca Perdida - Steven Spielberg

2011-11-15T21:52:00.001+01:00

1936: el ejército nazi está a punto de encontrar la legendaria Arca de la Alianza, que oculta en su interior un poder ilimitado para aquel que la posea. El gobierno estadounidense encomienda la misión de hacerse con el Arca antes que los nazis a Indiana Jones, un reputado profesor de arqueología.

De pequeña me gustaban mucho las pelis de Indiana Jones. Tanto, que insistí en que Albos las viese conmigo. Y así hicimos. Como ya ha pasado con otras películas, y no quiero recordar a los infames goonies, la película supuso una decepción. No tanto como otras, conste, pero decepción. Aún así, sigue siendo una cinta entretenida. Doy paso a la reseña:

Los personajes:
Indiana Jones (Harrison Ford): profesor de arqueología y cazatesoros en su tiempo libre. Las reliquias que consigue recuperar, las dona a museos. Es una persona muy escéptica.
Rene Belloc (Paul Freeman): cazatesoros, al contrario de Indi, vende sus hallazgos al mejor postor. No tiene ningún reparo moral a la hora de cumplir sus encargos. Resumiendo, el anti-Indi.
Marion Ravenwood (Karen Allen): hija del mentor de Indi, vive en el Nepal, donde regenta un bar. Gana un sueldo extra apostando con los lugareños.
Mayor Toht (Roland Lacey): miembro de la policía secreta nazi, es el encargado de secuestrar a Marion para robarle un antiguo colgante, que es la llave para encontrar el Arca de la Alianza.
Coronel Dietrich (Wolf Kahler): es el oficial al mando de las tropas nazis, Hitler en persona le ha asignado la misión y está dispuesto a todo para cumplirla.
Sallah (John Rhys Davies): responsable de la excavación que los nazis comienzan en Egipto, amigo de Indiana.

Mi gran problemas con este apartado es Marion. Nos presenta a una mujer dura y capaz, dueña de un bar en pleno Nepal, que se mide con los lugareños y que sabe disparar; y media hora después la transforman en un despojo cómico que se pasa el resto de la película pidiendo ayuda a Indi y defendiéndose con una sartén. Sí, una sartén. Si Spielberg quería un apoyo romántico para Indiana Jones que se limitase a seguir su sombra, no hacía falta que nos presentasen a un personaje potencialmente interesante.

El guión:
En busca del Arca Perdida es un guía perfecta de cómo hacer una entretenida película de aventuras. Es ágil, diviertida, maneja muy bien el ritmo y tiene grandes momentos que han marcado el cine. Tampoco te esperes nada más allí de un rato entretenido, pero eso lo cumple con creces. Momentazos:
— la roca rodando que persigue al arqueólogo, me encanta esa escena.
— el I love you pintado en los ojos de una alumna de Indiana.

La banda sonora:
A cargo de John Williams, todo un acierto. ¿Quién no reconoce esta canción casi al momento?

La dirección:
Si bien no es de las películas mejor dirigidas de Spielberg, si tiene cierta maestría en las escenas con aviones y tanques. Las más lucidas de todas.

Los escenarios:
Impresionantes. Además, hay un poco de todo, recorremos la jungla, paisajes nevados, desiertos...

El vestuario:
Vale la pena resaltarlo sólo por la caracterización de Indiana Jones, una de las más recordadas del mundo del cine. Añado los uniformes nazis porque me encantan. Otra cosa no, pero hay que reconocer que el uniforme de las SS era una pasada.

Los efectos especiales:
De obligada mención en la mayoría de películas de Spielberg. No dudo que, en su época, fueron de los mejor pero hay escenas que no han envejecido nada bien. Mención especial a la escena en la que los nazis abren el Arca de la Alianza. A estas alturas resulta cutre y ridícula.

Premios:
— Oscar a la Mejor Dirección Artística.
— Oscar a los Mejores Efectos Especiales.
— Oscar al Mejor Sonido.
— Grammy a la Mejor Banda Sonora.

Curiosidades:
— Spielberg no quería contratar a Harrison Ford como Indiana Jones porque no quería que se convirtiese en su De Niro, en referencia a Scorsese. Finalmente, por problemas de agenda de otros actores, tuvo que contratarlo.
— La escena en la que Indiana Jones mata a un espadachín de un disparo iba a durar mucho más. Pero Harrison Ford estaba muy enfermo ese día, por lo que decidieron resolverla así.
— Las serpientes y las tarántulas son de verdad.
— En toda la película hay referencias a Star Wars, ¿has encontrado alguna?

Nota: un 6. No es la mejor película del mundo ni mucho menos, pero te dará un par de entretenidas horas. Esta es mi favoritas de la saga, ¿y la tuya? ^^

Otras pelis de Spielberg:
— Jurassic Park.

Doctor Who de la mano de David Yates

2011-11-14T23:06:00.001+01:00

Parece ser que variados informes afirman que David Yates (conocido por haber hecho las últimas cuatro partes de la franquicia de Harry Potter) ha firmado para dirigir un nuevo inicio de Doctor Who para la gran pantalla. No es que sea un gran fan de esa serie, pero sé que a varios seguidores más o menos habituales de este blog les interesará la noticia.

El enlace original es un poco más largo pero no dice mucho más del tema en sí: aquí os lo dejo.